L’Art Basel Hong Kong 2024 qui se tient en Asie est un événement majeur de l’année, présentant les meilleures galeries d’art d’Asie et du monde entier. Cette année, 242 galeries de 40 pays et régions participent à l’événement, offrant au public de nombreux points de vue artistiques, des éléments historiques variés, ainsi que des œuvres avant-gardistes de célèbres et de nouveaux artistes. Cet événement à Hong Kong apporte une expérience artistique innovante aux spectateurs !
Le salon est divisé en cinq grandes zones : « Rencontres » (« Encounters »), « Galeries » (« Galleries »), « Perspectives asiatiques » (« Insights »), « Découvertes » (« Discoveries ») et « Coin commissaire » (« Kabinett »). « Rencontres » est organisé par Alexie Glass-Kantor et présente de grandes sculptures et installations d’artistes renommés du monde entier, repoussant les limites des stands traditionnels des salons, offrant aux spectateurs une expérience artistique différente, comme cela a été traditionnellement l’un des points forts de l’exposition ; et cette année, le thème est « Je fais partie de tout ce que j’ai rencontré », avec 16 grandes installations réparties sur deux niveaux d’exposition.
Voici les dix points forts sélectionnés par ZTYLEZ pour vous faire découvrir ensemble les œuvres caractéristiques d’Art Basel !
Liang Huigui « Le Monde de la Coïncidence »
(2020, 2022)
Zone d’exposition: « Espace des Rencontres » (Encounters)
D’origine coréenne, l’artiste Hyegyeong Yang puise son inspiration et sa créativité dans l’artisanat traditionnel aux Philippines. « Le monde de l’accident » est constitué de trois œuvres : « Les Intermédiaires de Randing – Duo du Ventre Extraterrestre », « L’Intermédiaire – Imoogi Fructueux à Cinq Pattes », et « La Corde Cosmique Sonique – Tressage Droit en Dodécagone d’Or ».
Les deux œuvres installatives sont des sculptures en rotin anthropomorphiques qui fusionnent l’artisanat traditionnel philippin Binakol avec l’art optique des années 60, placées sur un sol orné de motifs tissés Binakol philippins. Les motifs géométriques entrelacés représentent des vagues, symbolisant la protection contre les mauvais esprits selon la tradition des peuples autochtones de Kalinga ; tandis que le troisième dispositif suspendu avec des franges et des clochettes brillantes évoque le conte populaire coréen où un frère et une sœur s’enfuient sur la lune et deviennent le soleil.
Elle tisse avec l’artisanat du tissage différents temps et espaces, y compris des récits mythologiques, des rituels culturels fusionnant spiritualité et religion, évoquant des associations infinies avec la mythologie, la spiritualité et les rituels religieux. Les clochettes descendent du ciel, symbolisant un monde et un potentiel au-delà du ciel, elles tinteront de temps en temps, le son résonnant dans l’espace, attirant de nombreux spectateurs pour ressentir.
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2. 加賀 温 《Ukiyo-e》
（2022 – 2023）
展区: « Espace des Rencontres » (Encounters)
L’artiste japonais Kaga Wen, présente ses œuvres d’art sous forme de performances scéniques, s’inspirant des petits théâtres de kabuki de la fin de l’ère Edo. La composition, l’arrière-plan doré, les tatamis et les lanternes en papier dans ses œuvres reflètent parfaitement les caractéristiques de l’architecture japonaise, et établissent un lien avec l’école Rinpa de Kyoto du XVIIIe siècle au Japon, ainsi que les traits distinctifs du peintre actif à Kyoto à l’époque de l’école Tosa, Ito Jakuchu.
Dans l’œuvre, le lapin esprit « Usacchi » est inspiré du classique « pooka » de la légende irlandaise, représentant une autre facette de l’artiste. Usacchi est assis à la table centrale du jardin doré, entouré de nourriture et d’objets symbolisant la défunte mère de Kazuko. Usacchi tient une aubergine et un concombre, symboles des défunts, ces petits détails reflètent les expériences culturelles de l’artiste au Japon et en Europe. La conception minutieuse de la scène attire également beaucoup l’attention des spectateurs !
3. Adira Sulaiman « Quand tu en as assez du paradis »
(2024)
Zone d’exposition : « Espaces de rencontres » (Encounters)
Originaire de Karachi, l’artiste Adila Suleman a créé une œuvre d’installation composée de trois paravents suspendus, ornés de motifs en acier inoxydable représentant des moineaux.
Chaque accessoire est fabriqué en utilisant la technique artisanale de gaufrage à la main, inspirée de l’art local de Karachi appelé « chamakpatti » et des magnifiques ustensiles en argent utilisés par la royauté moghole. L’écran symbolise la séparation entre la vie actuelle et l’au-delà, tandis que la mort des moineaux représente un nouveau départ ou l’entrée au paradis après la mort. Particulièrement remarquable, chaque moineau est relié aux autres par des mitraillettes, symbolisant les séparations forcées des personnes en raison des actes de violence ; et chaque oiseau offre sa vie en réponse à la violence répétée, devenant ainsi un hommage aux victimes de ces actes de violence.
Paravent et moineaux incitent à réfléchir sur les tourments de la peur, de la guerre et de la mort qui troublent ce monde, offrant ainsi un espace de réflexion proactive.
Lei Wei « Il y a longtemps, très longtemps »
(2020 – 2024)
Zone d’exposition: « Espace des Rencontres » (Encounters)
De l’artiste chinoise Li Wei, l’artiste utilise les aires de jeux courantes à Hong Kong comme espace créatif, imaginant un monde où un groupe de dirigeants mondiaux renaît en enfants de sept ans. Six enfants hyper-réalistes de taille réelle sont placés dans les différents équipements de jeu de l’installation, créant une scène à la fois familière et troublante, faisant de cette œuvre une pièce maîtresse parmi les installations.
Il est dit que l’âge de sept ans est celui où la personnalité est entièrement formée, alors que devenir adulte est considéré comme le début du déclin. Ces enfants de sept ans, vêtus d’un uniforme scolaire soigné, sont inspirés de politiciens ultra-réalistes, placés dans diverses positions dans cette aire de jeux spécialement conçue. Récemment, ces espaces sont devenus des lieux de surveillance, de vigilance et de perte d’innocence, représentant en même temps l’existence floue des dirigeants mondiaux, qui pourraient soit jouer et se divertir, soit conspirer.
Lorsque les gens entrent dans un parc d’attractions, les capteurs des attractions sont déclenchés, et les gens commencent à subir une « attaque de chants d’oiseaux », ce qui est à la fois absurde et surréaliste, les mettant dans une position délicate. L’artiste souhaite utiliser les cris des oiseaux sauvages pour inciter les gens à réfléchir à l’importance de la politique mondiale, ce n’est pas un jeu d’enfant.
Mak2 « Copies within Copies within Copies within Copies » (2024)
Exhibit Area: « Encounters » (空間藝聚)
L’artiste de Hong Kong Mak2 a reproduit son oeuvre « Beautiful Home » à côté de son stand, avec une disposition spatiale identique. Cependant, il a utilisé des formes telles que le renversement, le miroir et le mosaïque pour explorer les concepts de reproduction, d’évolution et de simulation, afin de critiquer la culture du plagiat.
L’œuvre tourne en dérision la culture du plagiat et l’œuvre de l’artiste elle-même de trois manières distinctes :
Le premier niveau expose la série de triptyques « Le Paradis » de Mei Yingtong, mais contrairement aux apparences, les œuvres ont été réalisées par un artiste trouvé sur Taobao, recréant des scènes du jeu The Sims, créant ainsi un amour et un mal difficile à distinguer ;
À côté de cette exposition, deux stands empilés l’un sur l’autre de manière à être copiés présentent la partie inférieure qui est une copie fidèle de l’œuvre de Mei Yingtong pour le stand de la galerie Dessau, mais les triptyques ont été simplifiés en une seule image, tout en étant masqués par des mosaïques ;
La troisième couche est une version en miroir du stand inférieur, mais celle-ci est en ruines, envahie par la moisissure, la végétation sauvage, et les tableaux sont tordus. Les gens ne peuvent que spéculer s’il s’agit d’un aperçu du monde artistique dystopique de 200 ans dans le futur, ou simplement une satire de l’artiste sur l’apparence elle-même.
6. Naminapu Maymuru-White《Forêt de Larrakitj》
（2024）
Zone d’exposition : « Encounters » (Rencontres)
Originaire d’Australie, l’artiste Naminapu Maymuru-White utilise un ensemble de contenants elliptiques pour symboliser les rites funéraires, la cosmologie et la tradition picturale de la communauté aborigène Yolŋu du nord de l’Australie.
Les Yolngu sont des Autochtones vivant dans la région d’Arnhem Land, au nord-est du Territoire du Nord en Australie, et l’art Yolngu est un dialogue continu sur l’abstraction et les modes d’expression, racontant le sens de la vie vénéré par la communauté et sa connexion intime avec la nature. Les artistes décrivent sur les poteaux la Voie lactée telle qu’ils la ressentent, et transmettent les liens entre toutes choses : les étoiles, l’eau, le ciel, la terre, les rivières, les rituels de peinture des Larrakitj, et les mains des artistes, tout cela pour prouver le passage du temps à travers des éléments en constante évolution et l’univers, confirmant tout ce que nous rencontrons et le moment présent de notre survie.
7. Zone d’exposition : « Amis en premier » de Huang Hanming
(2024)
Zone d’exposition : « Rencontres »
L’artiste singapourien Han Ming Wong crée des installations artistiques en sculptant : il a dessiné une table de billard verte sur le sol, utilisant deuxdemi-sphères comme écrans de projection diffusant des vidéos d’archives de la période du « ping-pong diplomatique » sino-américain des années 70, illustrant ainsi son intérêt pour les relations entre les deux pays à travers une double narration entre culture populaire et diplomatie de la Guerre froide.
Les artistes ont également collecté des images dans des publications telles que le « Renmin Huabao », le « Renmin Ribao », le magazine « Time » et « Vie », en documentant la rencontre amicale de tennis de table à Pékin en 1971, qui a préparé le terrain pour le sommet historique entre la Chine et les États-Unis en 1972, organisé pendant le pic de la guerre froide.
8. Tsherin Sherpa《Escaliers vers le paradis》
（2023 – 2024）
展区：「藝聚空間」（Rencontres）
Un artiste népalais, Tsherin Sherpa, a représenté un dragon serpentant et s’élevant sur un tapis de dix mètres.
Les artistes tirent leur inspiration des totems, symboles, couleurs et modes d’expression du mysticisme traditionnel, remplaçant les écailles de dragon par des tourbillons dynamiques, réinterprétant ainsi l’une des images les plus courantes dans la fabrication contemporaine des tapis himalayens. Ce motif est largement utilisé par l’artiste dans plusieurs de ses œuvres, symbolisant la force infinie qui nous entoure dans ce monde chaotique tout en offrant une lecture potentielle de la culture matérielle et traditionnelle du Népal depuis une perspective exotique.
L’œuvre a également collaboré avec l’atelier de tapis de Katmandou, Mt. Refuge, pour créer cette œuvre en s’inspirant de l’histoire ancestrale de la fabrication de tapis au Népal. Pour l’artiste, rien n’existe de manière indépendante, tout est interdépendant.
Cependant, dans la grande installation « Encounters » de « ArtisTree », il y a encore de nombreuses œuvres qui présentent diverses compétences et histoires, y compris une nouvelle création multimédia réalisée par l’artiste australien Daniel Boyd – l’installation artistique « Doan » est exposée à l’extérieur du Pacific Place à Hong Kong jusqu’au 7 avril; ne manquez pas les projections gratuites de « Lightshow »!
Appartient au mois de l’art, en plus de participer aux expositions, l’atmosphère artistique imprègne en réalité tous les coins de Hong Kong !
