Créer n’a pas de limites et n’est pas limité par l’âge. Pour M. Huo Gang, un artiste chinois de renom à un âge avancé, la vie doit être vécue au jour le jour et la création doit être guidée par le cœur !
霍剛 est l’un des « Huit Cavaliers Renommés » et est une figure emblématique du « Mouvement de l’art moderne à Taïwan », étant un pionnier important dans le monde de l’art chinois. Parcourant plus de 70 ans de création artistique, il est passé de Nankin à Taïwan, puis a déménagé en Italie, où il a vécu à Milan pendant cinquante ans. Sa passion pour la création artistique n’a jamais diminué, et son parcours à travers les cultures chinoise et occidentale a transformé son style artistique du réalisme hyperbolique à l’abstraction géométrique, tissant ainsi une nouvelle dimension dans le monde de l’art.
Alors qu’il se plongeait dans l’exploration de l’art, chacun de ses pas était audacieux, mais il a expliqué : « Je marchais simplement dans cette direction, je n’ose pas dire que je suis audacieux, c’est plutôt parce que c’est difficile que ça m’intéresse. »
Il a dit que la recherche de l’inconnu était son intérêt. Pour lui, cette recherche a pris tout son temps, toute sa vie. Cinquante ans plus tard, il est retourné avec ses œuvres dans le pays où il est parti (Hong Kong) et dans sa ville natale (Nankin). Cette exposition est une opportunité d’échange artistique, mais c’est aussi un voyage de retrouvailles pour lui. C’est à ce moment-là, lorsqu’il est revenu dans son pays intérieur, qu’il a décidé de raconter en personne cette histoire de création, en apparence simple mais en réalité complexe.
Entre sensibilité et rationalité
Si l’on devait ajouter des mots-clés à son style, il serait décrit comme « créatif » et « unique ». « Je réfléchis de manière holistique pour créer des œuvres constructives et substantielles, alors je tends vers la rationalité et l’abstraction. »
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Alors, j’ai regardé attentivement, des formes géométriques aux couleurs, pour voir comment il fusionne les expressions artistiques de l’Est et de l’Ouest, pour comprendre son monde artistique.
Les formes géométriques rationnelles confèrent une sensation de solidité et de fermeté; ses œuvres sont souvent présentées dans des tons de bleu et de vert, évoquant involontairement le ciel azur, les ondulations des lacs ou encore la glace et la neige hivernales, débordant de l’expression lyrique abstraite caractéristique de l’Orient. « La peinture réside dans la variété, j’utilise principalement des couleurs froides, mais de temps en temps je peins avec des couleurs chaudes. Cependant, personnellement, je préfère les tons de bleu et de vert, car ils correspondent mieux à l’imaginaire. »
Il n’explique pas chaque œuvre car il préfère que les gens les interprètent eux-mêmes, ressentant lentement le langage visuel à la fois minimaliste et poétique qu’il crée. Bien que sous une apparence rationnelle qui semble avoir été calculée avec précision, pour Holgar, la création est un acte plus émotionnel que rationnel. « Quand je me sens bien, je peins. Si je ne me sens pas bien, j’arrête jusqu’à ce que je me sente mieux. C’est comme si, quand je me sens stable, je peins avec beaucoup d’imagination et d’inspiration, la créativité est donc absolument libre. »
Donc, dans ses œuvres, des éléments aux images, tout est empreint d’un sentiment de mystère de style surréaliste, avec en plus une dimension poétique visuelle spirituelle. « Pas de limites, mais une direction principale dans la pensée, la simplicité, évitant l’excès et la complexité ; dans la simplicité, il faut aussi de la profondeur, de la spiritualité pour inciter à la réflexion, plutôt que de dessiner dans le vide. Si on ne comprend pas soi-même ce qui est peint dans le tableau, si on ne peut pas l’expliquer, cela deviendra très vulgaire. »
La liberté de création, en s’en tenant à ne peindre que ce qu’il pense, renferme également un ensemble de pensées et de philosophies uniques propres à lui. « L’artiste fait des hypothèses audacieuses, tandis que le scientifique recherche méticuleusement la preuve. En tant qu’artiste, il n’est pas nécessaire d’être aussi minutieux, mais de proposer une pensée différente. »
Regardant lui, vêtu d’une tenue bleu clair, déambuler calmement dans l’espace d’exposition, émanant une sensation profonde et réservée, on a soudain l’impression que l’art et l’homme se ressemblent ; et dans ses paroles, on peut aisément sentir cette fierté propre aux artistes, tout comme les angles géométriques.
Poursuivre l’infini dans le limité
La majeure partie de sa vie a été consacrée à l’art, et dans ses paroles, on peut facilement ressentir sa passion infinie. « Ce que je recherche, c’est l’originalité, ce qui est très difficile. De plus, lors de la création, il faut absolument oublier les artistes que l’on aime, les apprendre mais également les oublier, c’est difficile. »
Soudain, je me suis souvenu de quand j’apprenais à dessiner étant jeune, le professeur interdisait l’utilisation d’outils tels que le compas ou la règle pour l’assistance. Il a immédiatement répondu : « J’avais aussi la même idée que toi auparavant, je pensais que c’était interdit, mais ensuite j’ai réalisé que c’était une erreur, pourquoi est-ce interdit? Donc quand j’enseigne, j’apprends aussi aux élèves à utiliser les outils pour coller, pour peindre, je trouve que c’est totalement libre, et les résultats sont meilleurs. »
Il a brisé les schémas traditionnels, cherchant à créer quelque chose de nouveau, ce qui n’est pas facile. Ses œuvres semblent légères en apparence, mais renferment en réalité une profondeur émotionnelle qui intensifie la richesse de sa palette créative.
Il abandonne les limites du surréalisme et utilise désormais des abstractions plus libres pour s’exprimer. Comment cet espace est-il réellement agencé et construit ? Il utilise cependant la métaphore de la construction d’une maison : « Chaque image peinte est un espace, équivalent à un terrain permettant de construire une maison. Ce que vous voulez bâtir, où laisser des espaces vides, tout cela doit être pensé par vous-même ; et les formes, lignes, couleurs, lumière dans le tableau sont présentés avec les éléments que j’aime ».
Ce document est essentiellement le ton de sa création, donnant à chaque ligne et à chaque point qu’il dessine une signification et un contenu uniques. « J’aime l’art minimaliste, plus c’est simple, plus j’aime, et plus c’est simple, plus c’est difficile à dessiner. Parce qu’exprimer des choses complexes dans la simplicité est très difficile. »
Ce mot « difficile » apparaît plusieurs fois dans la conversation, chaque fois permettant d’apprécier pleinement son esprit artistique, complexe et riche. La toile est son monde artistique, mais cet espace créatif reste toujours limité. Pourtant, en parlant de cela, il a soudainement exprimé une énergie jeune et rebelle en répliquant : « Ce n’est pas une vision du monde pour moi, c’est une vision de l’univers, car la vision du monde est trop étroite pour moi. »
Rencontres à nouveau et retour à la maison | Retour chargé d’éloges
Cette fois, c’est la première fois que Huang Gang participe à l’exposition « Clay Art » de Taipei à la Foire d’Art de Bâle à Hong Kong (Art Basel in Hong Kong), et c’est aussi la première fois qu’il organise une exposition personnelle intitulée « Renaissance – Retour » à Hong Kong, qui se poursuivra ensuite à Nanjing, devenant ainsi un jalon important de sa carrière artistique.
Pour cela, il partage : « Au début, je dessinais par passion sans chercher à exposer. Mais ensuite, j’ai voulu montrer mon travail aux autres pour connaître leurs critiques, afin de m’améliorer. Ce que je cherche, ce sont les critiques, pas uniquement les compliments, sinon je ne peux pas progresser. Lorsque les gens soulignent mes défauts, je réfléchis, je corrige naturellement ce qui est juste, ce qui ne l’est pas ne m’affecte pas, haha. » Malgré avoir parcouru l’univers artistique pendant des décennies et ayant eu une influence profonde, il reste humble en disant : « Je n’ose pas me dire avancé, car il y a tellement d’êtres humains. Je peins juste ma propre vision. Peut-être que pour les autres, je suis considéré comme avancé, mais je ne le ressens pas. Je m’efforce simplement d’avancer dans la bonne direction. »
Et ce chevauchement et cette interconnexion des deux endroits permettent justement de mettre en avant les racines et la motivation derrière la création d’Hogan. « Pour moi, peindre fait partie de la vie. Vivre signifie vivre pour quelque chose, donc je ne pratique pas l’art pour manger, mais je mange pour pratiquer l’art. Je n’ai pas la capacité d’être scientifique ou philosophe, mais ce qui m’intéresse, ce sur quoi je travaille et investis, contribue à l’humanité, en cherchant des niveaux et des domaines plus élevés. »
Dans un monde inconnu, continuez à explorer, il a aussi un message pour ceux qui poursuivent leurs rêves : « Poursuivez courageusement, n’ayez pas peur, avancez courageusement ! Cette valeur peut ne pas être visible maintenant, mais elle est infinie et continuera à nous influencer, tout comme l’eau dans le désert. »
