Parlando delle opere del famoso artista locale Chow Chun Fai, ci sono sempre associati frammenti di film classici o immagini di città che evocano ricordi condivisi. Le sue opere sono sempre autentiche, che si tratti di dipinti, fotografie, installazioni e altro, tutte radicate nella cultura locale, nello stile di Hong Kong e persino nelle questioni sociali.
Molti credono che dietro all’eleganza dell’arte ci sia un processo creativo romantico. Tuttavia, molti artisti di Hong Kong lavorano silenziosamente in edifici industriali come base per le loro creazioni. Senza la tranquillità di un ambiente isolato, immersi nel costante rumore del trasporto e delle macchine, questi artisti stanno silenziosamente producendo una cultura invisibile. Chau Chun Fai è stato a Fo Tan per 18 anni e può essere considerato un testimone dell’arte locale. Da quando l’area era solo una zona industriale, si è trasformata lentamente nell’attuale “villaggio artistico di Fo Tan”, mentre la città continua a cambiare, lui continua a partecipare alla comunità attraverso la sua arte.
Negli ultimi 18 anni, la sua identità è cambiata insieme alla città, passando da tassista, artista a tempo pieno, rappresentante di un gruppo di pressione (“Gruppo di interesse degli artisti degli edifici industriali”), fino a candidato del settore culturale del Consiglio legislativo. Queste identità apparentemente disparate sono state tutte sperimentate da lui. Da creatore passivo a partecipante attivo nel sistema, alla fine è tornato all’arte. Cosa lo ha spinto a uscire dal mondo della creazione e a partecipare alla comunità con un’altra identità? L’arte e la politica sembrano opposte in termini di sensibilità e razionalità, indirette e dirette. Come questa contraddizione ha influenzato la sua creazione?
Questo episodio di “Art City Travelogue” ci porta nel laboratorio creativo di Chow Chun Fai situato nel complesso industriale di Fo Tan, permettendoci di vedere come si muove attraverso la città con identità diverse, trovando ispirazione creativa intrisa di consapevolezza locale.
“Non ho intenzionalmente dipinto elementi locali, ma proprio registrando la mia vita quotidiana attraverso l’obiettivo, ho scoperto che la mia vita è così strettamente legata a Hong Kong.”
A causa dell’attività di tassisti della famiglia, Zhou Junhui era già un autista di taxi dilettante mentre era ancora uno studente. Mentre frequentava l’università per studiare arte, non era ancora ufficialmente coinvolto nel mondo dell’arte, ma aveva già avuto contatti con molti colleghi tassisti. In quel periodo, la creazione artistica procedeva di pari passo con il lavoro di tassista, due attività completamente diverse che diventavano il fulcro della sua vita. Mandare un artista a fare il tassista sembrava già inadeguato solo a sentirlo, ma tutti eravamo curiosi di sapere quale esperienza fosse stata per lui mantenere un lavoro del genere per ben 8 anni.
周俊輝 ha scherzato dicendo che in realtà non si stava godendo affatto la situazione, ma suo padre era malato all’epoca, quindi ha dovuto prendersi cura di quei due taxi al suo posto. Ha descritto: “I taxi sono qualcosa con un ritmo molto hongkonghese, si muovono rapidamente per la città, ma allo stesso tempo sono anche molto solitari. Quando guidi di notte, nessuno sa dove sei stato in tutto il mondo.” Ma proprio perché era da solo mentre guidava, ha trovato piacere nell’osservare la città mentre si muoveva tra le strade principali e le stradine, e questo gli ha permesso di percepire profondamente cosa significhi vivere da soli in città. Queste sottili emozioni sono diventate, senza che se ne accorgesse, il nutrimento per le sue future creazioni.
Proprio perché aveva un legame così stretto con i taxi, Chow Chun Fai ha trasformato facilmente questa relazione in parte della sua creazione, iniziando a disegnare tutte le scene che vedeva in macchina. In seguito, con i continui cambiamenti nell’architettura e nel paesaggio urbano della città, ha registrato la vita a Hong Kong e i rapidi cambiamenti del paesaggio urbano. Ha detto: “All’inizio, scattavo foto per strada con la macchina fotografica, volevo solo disegnare le immagini attraverso l’obiettivo, ma ogni giorno passando attraverso l’obiettivo a registrare la mia vita, ho scoperto che la mia vita è così locale, qualsiasi cosa io disegni che sembra non avere senso, è comunque piena di sapore di Hong Kong, a quel punto ho deciso di impegnarmi davvero in questa attività.”
Lui condivideva con noi che in passato provava una certa resistenza quando sentiva gli altri commentare che il suo lavoro era molto “locale”. Poi ha scoperto che vivendo in questa città, anche una semplice strada porta con sé le esperienze e i ricordi comuni di ognuno, ed è inevitabile. Forse era il destino, ma alla fine le sue opere della serie “Strade di Hong Kong” e “Taxi di Hong Kong” sono diventate le sue opere più rappresentative. Oggi, continua a scattare foto dello stesso incrocio con il suo telefono, ritenendo che ogni cosa abbia un significato diverso in epoche diverse. Grazie alla sua arte, si è involontariamente trasformato in un osservatore e cronista della città.
“Il cinema di Hong Kong degli anni ottanta e novanta porta con sé molti ricordi collettivi, inclusa l’interpretazione di diverse persone sullo schermo, ciò che posso adattare non è solo l’immagine stessa, ma il significato che si cela dietro.”
Successivamente, questa pratica artistica di dipingere la cultura locale e la memoria collettiva è stata estesa anche alla sua ben nota “serie di dipinti cinematografici”. Molti dei lavori di questa serie sono tratti da classici film di Hong Kong, e Zhou Junhui ha dichiarato che quando riutilizza questi lavori per creare nuove opere, esse acquisiscono un significato più profondo. Ha condiviso: “Quando un film diventa un’immagine, puoi ricevere il primo livello di messaggio dalle battute, ma se hai visto il film e conosci la storia, puoi cogliere più significati. Quindi per me è un’interpretazione più libera, ma sempre all’interno di un certo contesto, per far sì che tutti possano risuonare insieme.” Come ha spiegato, le opere della serie cinematografica sono libere, ma si basano su un contesto sociale specifico, permettendo agli spettatori di collegare i messaggi del film alla situazione attuale della società, suscitando così più associazioni emotive e trasformandosi in una creazione significativa.
Nei film della serie, molti sono le risposte degli artisti alle condizioni sociali. A volte i dialoghi estratti sono molto diretti, ma se gli spettatori non capiscono lo sfondo storico e il contenuto del film, potrebbero non capire cosa l’opera vuole comunicare. Questo tipo di creazione è considerata diretta o sottile?
Lui ha detto: “Sto cercando di creare stratificazioni, in poche parole, il disegno nel film è diretto. Con stratificazioni intendo non solo leggere le idee dietro quel disegno dalle battute, ma capire il contesto del film, la storia dell’arte, gli elementi pittorici. Forse il rosso che ho disposto nel dipinto ha un significato diverso per te, quel tipo di interpretazione non è così diretta, ma più interna e riflessiva.” Per gli artisti, anche le opere che sembrano molto rigide o razionali possono comunque portare a una qualche essenza spirituale.
Lui ha parlato delle opere passate di disegno di “A Better Tomorrow”: “Questo film rappresenta alcune immaginazioni incerte sul futuro degli abitanti di Hong Kong, il titolo in inglese è ‘A Better Tomorrow’, che contiene le speranze di quel tempo per Hong Kong.” Se si mettono le speranze e le emozioni che il regista aveva nel film in quel momento nella società attuale, sono ancora rilevanti. L’arte e la cultura influenzano una generazione dopo l’altra, è proprio questa immagine culturale sempre attuale e il sentimento per la terra natia che continuano a stimolare la creazione di Chow Chun-fai.
La creatività è molto sottile, mentre la politica è relativamente diretta.
A volte l’arte dà agli altri una sensazione di “fuori dal mondo”, perché la maggior parte delle persone pensa che esprimere preoccupazioni per la città su una tela sia un modo indiretto e impotente. Zhou Junhui ha avuto questa illuminazione in passato, quindi ha scelto di essere un artista che crea in modo semplice, cercando di impegnarsi nel sistema e di esprimere opinioni su politiche culturali, diritti degli artisti e altre questioni.
周俊輝 è entrato nel complesso industriale di Fo Tan nel 2001, ma all’epoca l’uso di un complesso industriale come studio d’arte era considerato illegale. Così ha unito creativi di diversi settori per fondare il “Gruppo di interesse degli artisti del complesso industriale”, sperando di discutere con le autorità competenti per modificare le normative industriali inappropriati. In quel periodo c’erano ancora molti capannoni industriali vuoti nella società, ma allo stesso tempo molti artisti locali non avevano spazi creativi. Tuttavia, l’industria culturale emergente non rispettava le normative degli anni ’50 e ’60 sull’uso delle fabbriche, quindi lavorare nell’industria creativa all’interno di un complesso industriale era considerato illegale, figuriamoci creare lì.
Quindi ha deciso di organizzare attivamente un gruppo di pressione, sperando di ottenere la legalizzazione degli studi artistici negli edifici industriali. Ha detto: “Non si tratta di avere diritti o privilegi speciali per fare arte, ma nel quartiere industriale, tutti stanno producendo qualcosa, solo che noi non produciamo beni materiali, ma cultura. Che si tratti di dipingere un quadro o fare musica, in realtà è un’attività produttiva. All’epoca speravamo di far capire ai diversi dipartimenti politici che la definizione di industria dovrebbe cambiare, poiché l’industria culturale è anch’essa un tipo di industria.”
E da allora, un creatore a tempo pieno ha iniziato a stabilire relazioni con il mondo politico. In quel momento non c’erano artisti che operavano nelle aree industriali, non sapeva nemmeno quanto tempo avrebbe potuto creare lì, quella instabilità lo faceva sentire come un “nomade” senza dimora. Con il passare degli anni, gli artisti hanno ottenuto la legalizzazione della creazione negli edifici industriali, e Fotan è gradualmente diventata “Fotan Art Village”, diventando una base creativa rappresentativa della scena artistica locale. Chau Chun Fai, oltre a testimoniare i cambiamenti di Fotan nel corso degli anni, è diventato un importante pioniere di questa comunità artistica.
“L’arte dell’artista è un’arte dell’azione.”
Con l’obiettivo di difendere i diritti degli artisti e migliorare l’ecosistema artistico locale, Chow Chun Fai si è candidato al Consiglio Legislativo nel 2012. Di fronte a una struttura elettorale unica, ha agito nonostante sapesse che non avrebbe avuto successo, trasformando quella che ha descritto come una “elezione destinata al fallimento” in una sorta di performance artistica.
Lui condivideva: “Naturalmente, ciò che mi preoccupa di più non è se la candidatura sia un’opera d’arte o se possa diventare uno spettacolo, ma piuttosto il significato di quella candidatura e cosa potrebbe portare con sé”. L’unicità della pittura risiede nel suo potere di esprimersi senza parole, tuttavia, un artista solito parlare attraverso le immagini, si è improvvisamente trovato a partecipare a forum e a scontrarsi con politici. Ha detto: “In quel momento, volevo portare argomenti culturali secondari e non convenzionali alla ribalta”. Come desiderava, le questioni culturali trascurate sono state portate sui principali mezzi di comunicazione, e anche se ha perso, quella candidatura è stata comunque un successo. Alla fine, è tornato tranquillamente alla sua arte, senza aver perso nulla.
Dato che hai ricoperto contemporaneamente il ruolo di artista e politico, quali sono le differenze e somiglianze tra i due?
Lui rispose: “Ci sono alcune similitudini tra i due, la politica e l’arte sono entrambe forme di espressione, entrambe riflettono e reagiscono all’ambiente esterno, persino mostrano una preoccupazione per gli altri. Probabilmente è per queste somiglianze che ho un interesse per la società e la politica.” Anche se utilizzare un’espressione artistica delicata per comunicare richieste politiche potrebbe non essere il modo più efficace, dall’esperienza di Zhou Junhui sembra che sia riuscito a dimostrare con successo una certa flessibilità nel navigare tra due identità contraddittorie.
Nella ricerca dell’equilibrio tra ragione e sensibilità, si sprigionerà più creatività.
Ritorno all’arte, le opere di Zhou Junhui sono piene non solo di tracce di elementi locali, ma anche di una preoccupazione per la politica sociale. È iniziato a interessarsi alla società a causa della creazione artistica, o esprime se stesso attraverso la pittura a causa del suo interesse per la società? Forse è proprio quella preoccupazione per la comunità e la profonda sensazione di meraviglia per la vita che lo spingono a continuare a creare.
Di fronte ai cambiamenti della situazione attuale, Zhou Junhui ha dichiarato: “Per un lungo periodo di tempo, a causa degli eventi sociali, non avevo assolutamente voglia di dipingere.” Come ha descritto, quando le cose più drammatiche accadono nella realtà, non riesce a creare situazioni più surreali nei suoi lavori, e questa sensazione di impotenza può far sprofondare facilmente le persone in un vortice emotivo.
In seguito, per evitare che questo tipo di emozione lo divorasse, ha iniziato a riflettere fedelmente gli eventi sociali nelle sue opere, senza alcuna critica soggettiva, dando agli spettatori la libertà di interpretare le opere. In passato, si preoccupava della mancanza di un trattamento delicato e sottile nelle opere, ma di fronte a un’emozione così grande, registrare fedelmente è diventato un modo per esprimere le emozioni.
In passato, per evitare che le emozioni dominassero la creazione, Chau Chun Fai ha intenzionalmente scelto temi creativi che sembravano più razionali, come “serie cinematografiche”. In seguito si è reso conto che in realtà non esiste una creazione puramente razionale o puramente emotiva, dicendo: “Sia chi crea che le persone comuni si trovano a bilanciare tra queste due cose, sperando di trovare un equilibrio tra le due, ma non riuscendo mai a raggiungerlo. Invece, nel cercare questo equilibrio, continuano a emergere nuove creazioni.” Anche se non si sa se un giorno verrà trovato quell’equilibrio, la ricerca stessa ha significato. Lui crede che la creazione emotiva non debba essere cercata appositamente, basta vivere realmente, osservare questa città e le persone intorno a sé, e quella sincerità emergerà dalle opere.
Fino ad oggi, continua a godersi il piacere che la creazione gli porta. Per lui, i creatori hanno uno stile di vita unico, descrivendo quello stato come un “saltare dentro e fuori” in cui osservano freddamente ma partecipano attivamente. Le sue creazioni sono sempre state strettamente legate alla vita cittadina, rendendo così le opere più coinvolgenti. Tuttavia, continua a esaminare se stesso, sperando di trovare un equilibrio tra politica, vita personale e creazione artistica, permettendo così alle sue opere di continuare a evolversi tra queste riflessioni e tensioni.
Dai taxi, alla creatività, all’entrare in politica, tutte le esperienze hanno portato Chow Chun Fai a vagare costantemente tra città, identità, temi creativi, sensibilità e razionalità. Questo stato di fluttuazione non è instabile, ma riflette la resilienza e la duttilità che da sempre contraddistinguono gli abitanti di Hong Kong.
La creazione è la risposta dell’artista alla vita, ed è proprio grazie alla sua attenzione sincera e appassionata alla comunità che le opere di Zhou Junhui sono diventate un importante capitolo dell’arte locale.
Produttore Esecutivo: Angus Mok
Produttore: Vicky Wai
Editor: Ruby Yiu
Videografia: Anson Chan, Andy Lee
Fotografia: Anson Chan
Montaggio Video: Andy Lee
Designer: Edwina Chan
Ringraziamenti Speciali: Chow Chun Fai
