L’Art Basel Hong Kong 2024 qui se tient en Asie est un événement annuel majeur, présentant les meilleures galeries d’art de la région asiatique et mondiale. Cette année, 242 galeries de 40 pays et régions participent à l’événement, offrant au public une vision diversifiée de l’art asiatique, des matériaux historiques et des œuvres avant-gardistes de célèbres et de nouveaux artistes, offrant ainsi une expérience artistique inédite aux spectateurs !
L’exposition est divisée en cinq grandes zones : « Rencontres » (Encounters), « Galeries » (Galleries), « Perspectives asiatiques » (Insights), « Découvertes » (Discoveries) et « Coin de la curatelle » (Kabinett). La section « Rencontres » (Encounters), organisée par Alexie Glass-Kantor, présente de grandes sculptures et installations d’artistes renommés du monde entier, repoussant les limites des stands traditionnels d’exposition pour offrir aux spectateurs une expérience artistique différente, comme cela a été le cas par le passé ; et le thème de cette année est « Je suis une partie de tout ce que j’ai rencontré », avec 16 grandes installations réparties sur deux niveaux d’exposition.
Voici les dix points saillants que ZTYLEZ a rassemblés pour vous, vous invitant à savourer ensemble les œuvres caractéristiques de Art Basel !
Liang Huigui « Le monde du hasard »
(2020, 2022)
Zone d’exposition : « Espace des rencontres » (Encounters)
Originaire de Corée, l’artiste Hyegyeong Yang puise son inspiration et sa créativité dans l’artisanat traditionnel philippin. « The Realm of Chance » est une combinaison de trois œuvres : « Les intermédiaires de Randing – Duo Alienage de l’Abdomen », « L’Intermédiaire – Imoogi Givré à Cinq Pattes » et « Corde Cosmique Sonique – Tissage Droit en Dodecagon d’Or ».
Les deux œuvres installées sont deux sculptures de vigne anthropomorphiques, combinant l’artisanat traditionnel philippin Binakol avec l’art optique des années 60, et placées sur un sol orné de motifs textiles faisant référence au Binakol philippin. Les formes géométriques entrelacées représentent les vagues, un motif traditionnel des peuples autochtones de la région de Cordillère, censé les protéger des mauvais esprits ; tandis que le troisième dispositif suspendu de franges, de cordes et de cloches brillantes évoque l’histoire folklorique coréenne d’un frère et d’une sœur fuyant vers le ciel pour devenir le soleil et la lune.
Elle tisse différentes dimensions à travers l’artisanat du tissage, y compris des récits mythologiques, des rituels culturels fusionnant spiritualité et religion, évoquant des associations infinies avec la mythologie, la spiritualité et les rituels religieux. Les clochettes tombent du ciel, symbolisant un monde et un potentiel au-delà du ciel, elles sont parfois secouées, le son résonne dans l’espace, attirant de nombreux spectateurs pour ressentir.
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2. 加賀 温 《Ukiyo-e》
（2022 – 2023）
展區：「藝聚空間」（Encounters）
L’artiste japonais Kaga Wen, présente ses œuvres d’installation sous forme de scènes, s’inspirant des petits théâtres de kabuki de la fin de l’époque d’Edo. La composition, l’arrière-plan doré, les tatamis et les lanternes en papier dans ses œuvres reflètent les caractéristiques de l’architecture japonaise, évoquant également le style de l’école Rinpa de Kyoto du XVIIIe siècle et les traits distinctifs du peintre actif à Kyoto à l’époque de Tosa.
Le « Usacchi » elfe lapin dans l’œuvre est inspiré du classique « pooka » de la légende irlandaise, représentant une autre facette de l’artiste. Assis à une table au centre du jardin doré, entouré de nourriture et d’objets symbolisant feu Kazuko, la mère décédée, Usacchi tient des aubergines et des concombres symbolisant les défunts, ces petits détails reflètent l’expérience culturelle de l’artiste au Japon et en Europe. L’apparence délicate de la scénographie attire également de nombreux regards !
3. Adila Sulaiman « Quand tu en as assez du paradis »
(2024)
Zone d’exposition: « Espaces de rencontre » (Rencontres)
L’artiste Adila Suleman de Karachi a créé une installation composée de trois paravents suspendus, ornés de motifs en acier inoxydable en forme de moineaux.
Chaque accessoire est fabriqué en utilisant la technique de gravure en relief à la main, inspirée de l’art populaire local de Karachi appelé « chamakpatti » et des magnifiques ustensiles en argent utilisés par la royauté moghole. L’écran symbolise la séparation entre cette vie et l’au-delà, tandis que la mort des moineaux représente un nouveau départ ou l’entrée au paradis après la mort. De manière particulière, chaque moineau est relié aux autres par des fusils, symbolisant les séparations forcées dues à la violence ; et chaque oiseau donne sa vie à cause de la violence répétée, devenant ainsi le deuil de ces actes violents.
Paravent et moineaux invitent à réfléchir sur les tourments de la peur, de la guerre et de la mort dans ce monde, offrant ainsi un espace de réflexion active aux individus.
Léa Wei « Il y a très longtemps »
(2020 – 2024)
Zone d’exposition : « Espace des Rencontres » (Encounters)
L’artiste chinoise Li Wei, en utilisant les aires de jeux communes de Hong Kong comme espace de création, imagine un groupe de dirigeants mondiaux se réincarnant en enfants de sept ans. Elle place six enfants grandeur nature dans différentes installations de jeu, créant une scène à la fois familière et troublante, faisant de cette œuvre d’art une des plus marquantes parmi les installations.
On dit que l’âge de sept ans est celui où la personnalité est entièrement formée, et que devenir adulte est considéré comme le début de la dégénérescence. Ce groupe d’enfants de sept ans porte des uniformes scolaires soignés, inspirés de politiciens ultra-réalistes, et est disposé dans ce parc d’attractions spécialement conçu dans différentes poses. Récemment, ces espaces sont devenus des lieux de surveillance, de vigilance et de perte d’innocence, tout en représentant également la présence floue des dirigeants mondiaux, qui pourraient être en train de s’amuser ou de comploter.
Lorsque les gens entrent dans le parc d’attractions, les capteurs des attractions sont déclenchés, et les gens commencent à subir des « chants d’oiseaux » agressifs, ce qui est à la fois absurde et surréaliste, et met les gens dans une situation difficile. L’artiste souhaite que les cris des oiseaux sauvages incitent les gens à réfléchir à l’importance de la politique mondiale, ce n’est pas un jeu d’enfant.
Mak2 « Copie dans la copie dans la copie dans la copie »
(2024)
Zone d’exposition: « Espaces de rencontre » (Encounters)
L’artiste hongkongais Mak2 a reproduit son œuvre « Beautiful Home » à côté de son stand, rendant les trois espaces identiques en termes de disposition, mais en utilisant des formes telles que le haut et le bas, le miroir et le mosaïque pour explorer les concepts de reproduction, d’évolution et de simulation, tout en critiquant la culture du plagiat.
Œuvre sur la culture du plagiat et le jeu de trois niveaux de l’artiste envers ses propres œuvres :
Le premier niveau présente la série de triptyques « Sweet Home » de Mak Ying Tung 2 à son stand, mais les œuvres ont en réalité été réalisées par un artiste de Taobao dessinant des scènes du jeu The Sims, créant ainsi une ambiguïté entre le vrai et le faux amour ;
À côté du stand, deux stands superposés de manière copiée présentent une reproduction fidèle de l’œuvre de Mak Ying Tung 2 au stand de la galerie Dessa, mais les triptyques ont été simplifiés en une seule image et l’œuvre est présentée en mosaïque ;
Le troisième niveau est une version miroir du stand en dessous, mais cette version est en ruines, envahie de moisissures, de mauvaises herbes et les œuvres sont penchées. Les gens peuvent seulement se demander s’il s’agit d’un monde artistique dystopique de 200 ans dans le futur, ou si c’est simplement une satire de l’artiste sur les apparences elles-mêmes.
6. Naminapu Maymuru-White《Forêt de Larrakitj》
（2024）
Exposition : « Espace des Rencontres » (Encounters)
L’artiste australienne Naminapu Maymuru-White, utilise plusieurs contenants ovales pour symboliser les rituels funéraires, la vision cosmique et la tradition picturale de la communauté aborigène Yolŋu du nord de l’Australie.
Le peuple Yolngu est un peuple autochtone vivant dans la région nord-est d’Arnhem Land, dans le Territoire du Nord de l’Australie, et l’art Yolngu est un dialogue continu sur l’abstraction et les modes d’expression, racontant le sens de la vie vénéré par la communauté et la connexion intime avec le monde naturel. Les artistes décrivent la Voie lactée sur des poteaux, transmettant les liens entre toutes choses : les étoiles, l’eau, le ciel, la terre, les rivières, les rituels de peinture Larrakitj et les mains des artistes, prouvant le passage du temps à travers des éléments en constante évolution et l’univers, confirmant tout ce que nous rencontrons et le moment présent.
7. Zone d’exposition : « Friendship First » par Huang Hanming
(2024)
Zone d’exposition : « Espaces de rencontre » (Encounters)
L’artiste singapourien Huang Hanming crée des installations sculpturales : le sol est peint en vert avec une table de billard, deux demi-sphères servent d’écrans de projection diffusant des vidéos d’archives des années 70 sur la « diplomatie du ping-pong » entre la Chine et les États-Unis, reflétant l’intérêt de l’artiste pour les relations entre les deux pays, mêlant culture populaire et diplomatie de la guerre froide.
Et les artistes ont également collecté des images de magazines tels que « People’s Pictorial », « People’s Daily », « Time Magazine » et « Life », enregistrant le match amical de tennis de table de Beijing en 1971, préparant ainsi le terrain pour le sommet historique entre la Chine et les États-Unis en 1972, à l’apogée de la guerre froide.
8. Tsherin Sherpa《Escaliers vers le ciel》
（2023 – 2024）
展區：「藝聚空間」（Rencontres）
L’artiste népalais Tsherin Sherpa a représenté un dragon serpentant et s’élevant sur une tenture de dix mètres.
L’artiste puise son inspiration dans les totems, symboles, couleurs et modes d’expression traditionnels du mysticisme, remplaçant les écailles de dragon par des tourbillons dynamiques, réinterprétant l’une des images les plus courantes de la fabrication des tapis himalayens à travers un regard contemporain. Ce motif est utilisé par l’artiste dans plusieurs œuvres, symbolisant la force infinie dans ce monde chaotique et offrant une interprétation potentielle de la culture matérielle et traditionnelle du Népal sous un angle exotique.
L’œuvre a également collaboré avec l’atelier de tapis Mt. Refuge à Katmandou, en s’appuyant sur la longue histoire de fabrication de tapis au Népal pour créer cette œuvre. Pour l’artiste, rien n’existe de manière indépendante, tout est interdépendant.
Cependant, dans la grande installation « Encounters » de l’espace artistique, il y a encore de nombreuses œuvres qui présentent diverses compétences et histoires, y compris une nouvelle création multimédia de l’artiste australien Daniel Boyd – l’œuvre d’art « Doan », exposée à l’intérieur du Hong Kong Tai Kwun jusqu’au 7 avril ; ne manquez pas les projections gratuites de « Light Show » !
L’ambiance du mois de l’art, en plus de pouvoir participer sur place à l’exposition, en fait, Hong Kong est rempli de différentes atmosphères artistiques partout !
