La Fiera d’Arte di Basilea a Hong Kong (Art Basel Hong Kong 2024) è un evento annuale che presenta le migliori gallerie d’arte dell’Asia e del mondo. Quest’anno ci sono 242 gallerie provenienti da 40 paesi e regioni, e tra queste, la fiera di Hong Kong offre al pubblico una visione artistica diversificata, materiali storici e opere innovative di artisti famosi e emergenti, offrendo agli spettatori un’esperienza artistica completamente nuova!
La mostra è divisa in cinque aree principali: “Incontri” (“Encounters”), “Gallerie” (“Galleries”), “Visioni Asiatiche” (“Insights”), “Scoperte” (“Discoveries”) e “Angolo della Curatela” (“Kabinett”). L’area “Incontri” (“Encounters”), curata da Alexie Glass-Kantor, presenta grandi sculture e installazioni realizzate da artisti famosi a livello mondiale, superando i limiti degli stand tradizionali delle fiere d’arte e offrendo al pubblico un’esperienza artistica unica, come è stato il focus principale delle mostre passate; e quest’anno il tema è “Sono parte di tutto ciò che ho incontrato”, con 16 grandi installazioni distribuite su due piani.
Ecco i dieci punti salienti raccolti da ZTYLEZ, per farti assaporare insieme le opere caratteristiche di Art Basel!
Il mondo casuale di Leung Wai Kwai
（2020, 2022）
Area espositiva: “Spazio degli incontri” (Encounters)
L’artista sudcoreano Hyegyeong Yang, ispirato e creato con materiali provenienti dalla tradizionale arte filippina del tessuto intrecciato. “The Realm of Chance” è composto da tre opere: “The RandingIntermediates -Underbelly Alienage Duo”, “The Intermediate -Five- Legged Frosty Fecund Imoogi” e “Sonic Cosmic Rope – Gold Dodecagon Straight Weave”.
Le due opere sono due sculture di vimini personificate, che combinano l’arte tessile tradizionale delle Filippine Binakol con l’arte pop degli anni ’60, e sono posizionate su un pavimento che richiama i motivi tessili di Binakol delle Filippine, con le forme geometriche incrociate che rappresentano le onde, un motivo tradizionale delle tribù indigene della Cordillera che simboleggia la protezione dagli spiriti maligni; mentre la terza installazione consiste in una serie di frange, corde e campanelli luminosi che evocano la storia popolare coreana di due fratelli che fuggono in cielo trasformandosi in sole e luna.
Lei intreccia diverse dimensioni temporali attraverso l’arte del tessuto, inclusi racconti mitologici, fusioni di spiritualità e rituali culturali, evocando infinite associazioni con miti, spiritualità e rituali religiosi. Le campane tibetane scendono dal cielo, simboleggiano un mondo e un potenziale al di là del divino, oscillando di tanto in tanto, il loro suono risuona nello spazio, attirando molte persone a guardare e percepire.
Ulteriori letture:
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2. Kaga Atsushi “Ukiyo-e”
（2022 – 2023）
Area espositiva: “Spazio Incontri” (Encounters)
L’artista giapponese Kaga Wen, presenta le sue opere d’installazione in forma teatrale, ispirandosi ai teatri di kabuki di fine periodo Edo. La composizione delle opere, lo sfondo dorato, il pavimento in tatami e le lanterne di carta riflettono le caratteristiche dello stile architettonico giapponese, collegandosi alle caratteristiche della scuola Rinpa di Kyoto del XVIII secolo e all’artista attivo a Kyoto nella metà del periodo Edo, Ito Jakuchu.
Il coniglio spirituale “Usacchi” nell’opera è ispirato al classico “pooka” della leggenda irlandese, rappresentando un’altra parte dell’artista. Seduto al tavolo al centro del giardino dorato, Usacchi è circondato da cibo e oggetti simbolici della defunta madre Kazuko, mentre tiene in mano melanzane e cetrioli che rappresentano i defunti, dettagli che riflettono le esperienze culturali dell’artista in Giappone e in Europa. Il design scenico raffinato ha attirato l’attenzione di molti spettatori!
3. Adila Suleiman “Quando sei stanco del paradiso”
(2024)
Area espositiva: “Spazio Incontri” (Encounters)
L’artista Adila Suleiman di Karachi ha creato un’opera d’arte installativa composta da tre schermi metallici sospesi, con decorazioni realizzate con accessori metallici a forma di passero in acciaio inossidabile.
Ogni accessorio è realizzato con la tecnica artigianale del rilievo a martello, ispirata all’arte popolare locale di Karachi chiamata “chamakpatti” e alle opere d’argento pregiato utilizzate dalla regalità mongola. Lo schermo simboleggia la separazione tra questa vita e l’aldilà, mentre la morte degli uccellini rappresenta un nuovo inizio o l’ingresso in paradiso dopo la morte. In particolare, ogni passero è collegato agli artigli degli altri con mitragliatrici, simboleggiando le persone costrette a separarsi a causa della violenza; e ogni uccellino sacrifica la propria vita a causa della violenza ripetuta, diventando un lutto per questi atti violenti.
Lo schermo e il passero vogliono far riflettere le persone sul timore, la guerra e la perturbazione della morte nel mondo attuale, offrendo agli individui uno spazio per una riflessione attiva.
Livia “Once Upon a Time”
(2020 – 2024)
Exhibition Area: “Art Gathering Space” (Encounters)
L’artista cinese Li Wei, ha utilizzato i comuni parchi giochi di Hong Kong come spazio creativo per questa opera, immaginando un gruppo di leader mondiali reincarnati come bambini di sette anni, posizionando sei bambini ultra realistici in diverse strutture da gioco all’interno dell’installazione, creando una scena familiare ma allo stesso tempo inquietante, rendendola una delle opere più sorprendenti dell’installazione.
Si dice che sette anni sia l’età in cui la personalità si forma completamente, mentre diventare adulti è considerato l’inizio della degenerazione. Questi bambini di sette anni indossano uniformi scolastiche ordinate, ispirate a politici estremamente realistici, e vengono posizionati in varie pose in questo parco giochi appositamente creato. Di recente, questi spazi sono diventati luoghi di sorveglianza, vigilanza e perdita di innocenza, rappresentando allo stesso tempo l’ambiguità dell’esistenza dei leader mondiali, che potrebbero essere impegnati nel divertimento o cospirare dietro le quinte.
Quando le persone entrano nel parco divertimenti, i sensori delle attrazioni vengono attivati, e le persone iniziano a subire attacchi di “cinguettii degli uccelli”, creando una sensazione sia assurda che surreale, mettendo le persone in una situazione difficile. L’artista vuole che i richiami degli uccelli selvatici spingano le persone a riflettere sull’importanza della politica globale, non è affatto una questione da bambini.
Mak2 “Copia dentro di una copia dentro di una copia dentro di una copia”
(2024)
Area espositiva: “Spazio Incontri” (Encounters)
L’artista di Hong Kong Mak2 ha riprodotto la sua opera “Beautiful Home” accanto allo stand, rendendo identica la disposizione degli spazi dei tre, ma presentata in forme come sopra e sotto, speculare e mosaico, per esplorare i concetti di copia, evoluzione e simulazione, mostrando una critica alla cultura del plagio.
L’opera gioca ironicamente con la cultura del plagio e con le proprie opere:
Il primo livello mostra la serie di tre dipinti “Beautiful Home” di Mai Yingtong II, esposta allo stand, ma in realtà i dipinti sono stati realizzati da un artista di Taobao che ha disegnato scene del gioco The Sims, creando un’ambiguità tra amore e male difficilmente distinguibili;
Accanto allo stand, due stand sovrapposti in modo copiato presentano la parte inferiore che riproduce fedelmente l’opera di Mai Yingtong II esposta alla galleria Desa, ma la serie di tre dipinti è stata semplificata in un singolo dipinto, che viene mostrato con un effetto mosaico;
Il terzo livello è la versione speculare dello stand sottostante, ma questa versione è in rovina, piena di muffa, erbacce e dipinti storti. Le persone possono solo supporre se si tratti di un’utopia artistica del mondo dell’arte del 200 anni dopo, o se in realtà sia solo una satira dell’artista sulla superficie stessa.
6. Naminapu Maymuru-White《Larrakitj Forest》
（2024）
Area espositiva: “Spazio degli Incontri” (Encounters)
L’artista australiana Naminapu Maymuru-White, composta da diversi contenitori ovali, simboleggia i rituali funebri, la visione cosmica e la tradizione pittorica della comunità aborigena Yolŋu del nord dell’Australia in cui l’artista è inserita.
Il popolo Yolngu è un gruppo di aborigeni che vive nella regione nord-orientale di Arnhem Land nel Territorio del Nord dell’Australia, e l’arte Yolngu è un continuo dialogo sull’astrazione e sul modo di esprimersi, raccontando il significato della vita venerato dalla comunità e il legame intimo con il mondo naturale. Gli artisti dipingono sulla corteccia degli alberi la Via Lattea che percepiscono, trasmettendo la connessione tra tutte le cose: stelle, acqua, cielo, terra, fiumi, cerimonie di pittura Larrakitj e le mani degli artisti, dimostrando il passare del tempo attraverso elementi in continua evoluzione e l’universo, confermando tutto ciò che incontriamo e il momento presente.
7. Area espositiva: “Friendship First” di Huang Hanming
(2024)
Area espositiva: “Spazio degli incontri” (Encounters)
L’artista di Singapore Huang Hanming, realizza installazioni scultoree: il pavimento è dipinto con un tavolo da biliardo verde, due emisferi diventano schermi di proiezione, mostrando video documentari degli anni ’70 sul “ping pong diplomacy” tra Cina e Stati Uniti, riflettendo l’interesse dell’artista per le relazioni tra i due paesi, in una narrazione che combina cultura popolare e diplomazia della guerra fredda.
E gli artisti hanno raccolto immagini da riviste come “People’s Pictorial”, “People’s Daily”, “Time Magazine” e “Life”, documentando il torneo amichevole di ping pong a Pechino nel 1971, che ha preparato il terreno per l’incontro storico tra Cina e Stati Uniti nel 1972 durante il culmine della Guerra Fredda.
8. Tsherin Sherpa《Scale per il Paradiso》
（2023 – 2024）
展區：「Spazi d’Incontro」（Encounters）
L’artista nepalese Tsherin Sherpa ha dipinto un drago che si nasconde e si mostra, avvolgendosi e salendo, su un tappeto lungo dieci metri.
L’artista trae ispirazione da totem, simboli, colori e modi di espressione tradizionali, sostituendo le squame del drago con forme vorticose dinamiche, reinterpretando da una prospettiva contemporanea una delle immagini più comuni nella produzione di tappeti dell’Himalaya. Questo motivo è presente in molte opere dell’artista, simboleggia la potenza infinita in questo mondo caotico e offre una potenziale interpretazione dell’esotica prospettiva materiale e culturale del Nepal.
L’opera è stata realizzata in collaborazione con lo studio di produzione di tappeti Mt. Refuge a Kathmandu, sfruttando la lunga storia della produzione di tappeti in Nepal per creare quest’opera. Per gli artisti, nulla esiste in modo isolato, ma tutto è interconnesso.
Tuttavia, nella grande installazione “Encounters” ci sono ancora molte opere che mostrano varie abilità e storie, tra cui una nuova creazione multimediale dell’artista australiano Daniel Boyd – l’opera d’arte “Doan”, esposta al Pacific Place di Hong Kong fino al 7 aprile; non perdere l’evento gratuito di proiezione “Light Show”!
L’atmosfera del mese dell’arte, oltre a poter partecipare alle mostre in loco, in realtà si respira un’aria artistica diversa in tutta Hong Kong!
