대만 디지털 아티스트 국이천은 계속해서 창작을 통해 삶의 주제를 탐구하며, 아티스트 스튜디오 레지던시 플랫폼 STUPIN을 설립하여 대만 아티스트들에게 세계로 향하는 문을 열어줍니다.
관于 국이천의 소개는 그의 대표작인 “침입”과 떨어질 수 없다. 이 작품은 2005년에, 당시 26세였던 그를 대표로 대만이 참가한 베니스 비엔날레에서 가장 어린 예술가로 만들었으며, 싱가포르 비엔날레, 시드니 비엔날레, 서울 국제 미디어 아트 비엔날레, 독일 ZKM 미디어 아트 센터의 “아시아 신류” 전시에도 그를 이끌었습니다. 동년에는 타이페이 미술상에서도 최우수상을 수상했습니다. 이 모든 것은 수많은 예술가들이 일생을 바쳐 추구하는 위치인데, 그는 보기에는 쉽게 얻어낸 것처럼 보입니다.
한 번의 출연으로 놀라운 자세를 보여주었고, 그로 인해 그는 이후에 자유롭게 창작에 몰두할 수 있었습니다. 20년이라는 창작 역사는 불안으로 인해 창작을 추진했던 과거에서 현재의 차분하고 내성적인 삶으로 변화했습니다. 변하지 않는 것은 그가 창작 과정을 통해 자기 대화를 계속하고 있다는 점입니다. 그는 생물학, 천문학, 생명 철학적인 시각을 통해 고물 부품이나 버려진 물건을 재조합하여 새로운 장치 예술 작품을 만들어내며 자신의 이야기를 담아냅니다. 그의 작품은 시적이고 상황적인 특징을 가지고 있습니다. 그는 또한 예술가 거주 프로그램을 통해 다른 나라를 여행하며 대만에 새로운 예술가 스튜디오 거주 플랫폼 STUPIN을 설립하여 전통적인 거주 프로그램의 한계를 보완하고 대만 예술계에 더 많은 가능성을 창출하고 있습니다.
이번 “예술 도시 여행기”에서는 그의 타이페이의 “교두 노동장”에 방문하여 그가 이야기하는 대지와 창작의 관련성, 그리고 STUPIN의 이념을 들어보았습니다.
“작품은 나의 세계 이해에 대한 일부분이다”
「교두작업실」은 타이베이 담수팔리 왼쪽에 위치한 관두대교 아래에 있는 2층 건물입니다. “교두”라는 이름은 한편으로는 구오이천의 고향인 가오슝 교두와 연결되며, 또한 작업실이 정확히 교두 방향에 위치하기 때문입니다. 이곳은 구오이천의 작품 전시 공간이자 작업실이며, 예술가들의 레지던스로도 개방되어 있으며, 초기 이사 당시에는 그의 거주지였습니다. 원래 자리는 커피숍과 창고였으며, 양쪽에 있는 바닥부터 천장까지의 유리창으로 많은 자연광을 받으며, 높은 실내 공간에는 나선형 계단이 상층으로 이어지고, 한쪽 벽은 커피를 내리는 공간입니다. 이곳은 그를 매료시킨 곳으로, 결국 타이베이에서 집 같은 느낌을 갖게 되었습니다.
「다리 머리 작업실」은 형식적으로 그가 16년간 살았던 시먼딩에서 이사를 한 것을 의미하며, 그의 창작 심정의 변화를 증언하기도 한다. 초기에는 불안함을 창작 에너지로 변화시키는 것에서 현재는 성숙한 창작 상태로 몸과 마음이 향하는 것을 볼 수 있다. 이는 그의 작업실에 배치된 작품에서도 확인할 수 있는데, 그는 일상과 밀접하게 연결되어 자신에 대한 반성을 예술 작품으로 변환하는 경향을 보인다. 가족 구성원들이 손으로 빚은 〈손〉과 같은 작품은 가족 간의 친밀함, 거리와 상처에 대한 표현이다. 곽이천은 이렇게 말했다: “창작 에너지는 일상 생활에서 추출되며, 작품은 내가 세상을 이해하는 한 조각이다. 내가 내면에서 삶에 대한 의문을 어떻게 다루는지, 환경이나 정신 상태에 대한 사고 과정을 말이다.” 그의 대표작인 〈침입〉은 2000년에 고웅에서 타이베이 시먼딩으로 이사를 온 후, 그가 적응하지 못해 느끼게 된 불안감에서 발표된 작품이다.
“창작의 빛나는 시작을 돌아보면, 그는 겸손한 어조로 말합니다: ‘예술계에 진입하려면 어떤 상을 받아야 하는 것 같아요. 마치 입장권 같은 거죠. 저는 운이 좋게도 데뷔하자마자 타이페이 미술상 대상을 받았어요. 다른 한편으로는 현실에 타협하지 않고 이 길을 고집했어요. 상을 받은 후에는 어느 정도 주목을 받았지만, 그게 무엇을 의미하는 건 아니에요. 예술 창작은 평생을 쏟아붓는 일이에요. 이 환경은 오르락내리락이에요. 인생은 높고 낮음이 있어야만 생명이 다양한 파장을 가진다는 걸 알 수 있어요. 좌절이 나쁜 건 아니라고 생각해요. 때로는 더 많은 좌절이 필요해야만 창작의 깊이를 추출할 수 있어요. 인생이나 창작의 여러 어려움은 모두 좋은 것이에요. 왜냐하면 좋은 예술 창작은 어려움에서 비롯되기 때문이죠.'”
국이천에게 있어서 창작은 삶이 주는 메시지를 받아들이기 위해 모든 감각을 열어야 한다고 그는 공유했다. “창작은 자신을 열어놓고, 촉각, 청각, 시각, 후각을 열어놓고, 삶의 세부사항을 느끼며 영감을 삶 속에서 찾아낸다.”
작업실 2층 서랍에는 밀집한 노트들이 가득하게 들어있었다. 그는 그 순간의 영감을 담아둔 이런 작은 조각들이 언젠가는 위대한 작품이 될 것이라고 말했다. “나는 매년 적어도 한 권의 노트를 가지고 있어. 떠오르는 것을 그려놓고 가끔 보면 아직 할 작품이 많다는 걸 알게 돼. 그리고 마무리를 서두르지 않아, 시간이 되면 작품이 탄생하게 되니까.” 이 예민한 감각을 가진 예술가에게 있어서 최상의 창작 상태는 호기심을 유지하는 것이다. 그래야만 다른 시각을 통해 세상을 관찰할 수 있기 때문이다. 그는 웃으며 말했다. “나는 종종 40대라고 말리는데, 어떻게 때로는 아이처럼 보이지? 창작 상태는 항상 아이처럼 이 세상을 바라보는 것이야. 호기심이 재미있는 이야기를 만들어내니까. 예술 창작은 어떻게 그 이야기를 전달하는지에 달려있으니까.” 그래서 작업실 2층 선반에는 “토이 스토리”의 장난감들이 가득했다.
“예술성은 순수함을 의미한다!”
郭奕臣의 예술 작품은 다양한 형태와 다양한 매체를 사용합니다. 그를 따라 강가를 따라 다니면서 그의 작품의 이념을 들을 수 있습니다. 대표작인 “침략”은 프로젝터를 사용하여 비행기 그림자를 흐릿하게 표현합니다. “한 줄기 강물”은 제습기를 사용하여 수분을 수집하여 얼음 책으로 만듭니다. “무지개를 둘러싸다”는 얼음 책을 관두 대교에 놓고 녹여 다시 담수 강으로 돌아갑니다. “아슬리스와 달”은 환경에 이미 존재하는 회전 계단 전망대와 관두 대교를 이용하여 인간과 달 사이의 거리를 표현합니다.
지역 특색과 환경 형태를 결합하여 영상이 될 수도 있고 액체가 될 수도 있고 고체가 될 수도 있는 예술 작품입니다. 이는 디지털 예술과 전통 예술의 가장 큰 차이점이기도 합니다. 디지털 예술은 공간의 제약을 극복하고 무한히 확장될 수 있습니다. 국이천의 작품은 단지 물건이 아니라 이 작업실이 될 수도 있고 우리가 현재 있는 환경이 될 수도 있습니다. 그는 말합니다: “캔버스에는 프레임이 있지만, 그와 대조적으로 나는 공간적인 요소를 좋아합니다. 예를 들어 방금 우리가 지나온 길처럼, 우리는 환경 안에 있습니다. 나는 이 환경을 작품으로 만들고, 작품 또한 환경의 일부가 되게 합니다. 나는 현장에서 작품을 만드는 것을 좋아합니다. 마치 내 인생에서 가장 중요한 첫 번째 작품인 ‘침공’을 바꾸는 것처럼요. 이 작품은 투영된 비행기로 실제로 존재하지는 않지만, 정말로 나를 세계 일주하게 만들었습니다.”
혹시 이 공간을 초월한 개념은 디지털 아트에 대해 더 이해하기 어려운 고정 관념을 가지게 만드는 걸까요? 이에 대해 곽이천은 “예술은 순수함을 말해야 한다고 생각합니다. 이러한 순수한 상태는 모호하고 양적으로 측정하기 어렵고 논의하기도 어렵습니다. 하지만 작품에 감동을 받아 말로 표현하기 어려울 때, 그 순수함을 받아들인 것입니다.”라고 말합니다. 기술의 발전에 따라 새로운 미디어 아트와 전통적인 예술의 경계도 모호해지고 있다고 그는 덧붙입니다. “현재 새로운 세대의 창작물을 관찰하면 그들의 그림 방식으로도 새로운 미디어의 느낌을 표현할 수 있다”고 말합니다.
“모든 것은 양면이 있으며, 좋고 나쁨을 결정할 수 없습니다.”
과거의 보도와 전시 소개에서 국예진은 “시각 예술가”, “영상 예술가”, “디지털 예술가” 등 다양한 칭호로 불리워져왔다. 그는 전통적이지 않은 예술 창작자라고 요약할 수 있다. 그는 대만 예술 대학의 과학 예술 연구소에서 졸업한 바 있어, 새로운 미디어 예술의 등장을 목격한 경험이 있다. 인공지능이 인간의 예술 창작을 대체할 수 있는지에 대해 그는 고민하며 말했다: “기술은 반격이다. 나는 여전히 어떻게 사용해야 하는지 탐색 중이다. 상호 보완적인 상태를 달성하기 위해 그것을 사용하는 방법을 찾고 있다. 모든 것은 양면성을 가지고 있으며, 좋고 나쁨을 결정할 수 없다. 예술 창작에 대해 이야기할 때는 작품이 무엇을 표현하고자 하는지에 대해 돌아가야 한다. 예술 창작의 이념은 무엇인가? 예술 창조의 가치는 더욱 정신적이고 철학적이며, 관람자로 하여금 삶의 깊이를 느끼게 한다.” 예술 작품 자체에 창작자의 생명 영양이 담겨 있으며, 이는 기술이 모방할 수 없는 온도와 깊이이며, 예술성을 구성하는 핵심 요소이다.
“머무름은 예술가에게 극히 중요한 영양분 중 하나입니다!”
작업실 1층의 탁구대는 STUPIN의 시작을 상징합니다. 곽이천은 말했습니다: “탁구대에는 많은 의미가 있습니다. 작업대이자 식탁이며, 친구들과 상호작용하고 소통하는 게임 도구이기도 하며, 동시에 작품이자 머무는 플랫폼의 개념입니다. 두 개의 탁구대를 합치면 원래 4명이서 대결할 수 있는 것이 8명이 동시에 참여할 수 있는 공유의 개념으로 확장됩니다.” 이는 새로운 예술가 레지던시 플랫폼을 창설하게 됩니다. 이는 그가 과거에 다양한 국가에서 레지던시 경험을 한 것에서 비롯되었으며, 미국, 포르투갈, 영국, 프랑스에서의 레지던시 경험이 그에게 더 많은 창작 에너지를 가져다주었습니다. 그는 말합니다: “레지던시는 예술가에게 꼭 필요한 영양분 중 하나입니다! 레지던시 예술가는 관찰자의 역할로, 도시를 제3자의 시선으로 관찰하여 현재를 집중적으로 느낄 수 있으며, 그 감정을 창작을 통해 저장할 수 있습니다. 이 작품들은 실험적인 성향이 강하지만, 나를 다음 단계로 이끌어줄 수 있습니다.” 예를 들어 일러스트레이터 임소배와 함께한 그림책 “우주가 이빠졌어”의 파란색 패턴은 그가 프랑스 레지던시에서 만든 청사진 작품입니다.
STUPIN은 예술가에게 화려한 영양분을 제공하는 예술가 거주 프로그램의 실제 경험을 이해하며 불완전함을 이해합니다. STUPIN은 전통적인 거주 프로그램과는 다른 방식으로 중앙집중화를 피하고 “스튜디오 공간 교환”과 “핀 거주지 문화 가이드”를 통해 예술가들이 개인 단위로 참여하고 전통적인 거주 프로그램의 형식을 깨고 복잡한 신청 절차를 생략합니다. 간단히 말해서, 상호 이익을 위한 플랫폼을 구축하여 예술가들이 자신의 작업실을 “열어” 교류할 수 있도록 하며, STUPIN에 가입한 후 원하는 거주지를 찾아 상대방의 작업실을 사용하고 항공료만 부담하면 다른 장소에서 창작할 기회를 얻을 수 있습니다. 그는 아쉬워하며 말합니다: “대만에는 많은 거주 프로그램이 있지만, 작가, 예술 치료 등의 창작자들에게는 상대적으로 신청하기 어렵습니다. STUPIN의 방식으로 다양한 분야의 창작자들이 예술 거주 프로그램을 간편하게 경험할 수 있도록 하고, 성공을 선조건으로 거주할 필요 없이 더 많은 가능성을 창출할 수 있는지 확인하고자 합니다.” 전통적인 예술 거주 프로그램은 경쟁이 치열하며, 작품 포트폴리오가 비교적 텅텅 비어 있는 신진 창작자들에게 해외 거주 기회를 얻기는 더욱 어렵습니다.
STUPIN은 참여자의 창작 매체나 유형을 제한하지 않으며 시각 예술, 공연 예술, 글 작성, 일러스트레이션 디자인, 연극 영화 등 다양한 분야에 신청할 수 있습니다. 정부가 주도하는 전통적인 레지던시 프로그램과 비교하여 더 유연하고 경직되지 않습니다. 곽이천은 웃으며 말합니다. “나에게 있어서 이것은 레지던시 플랫폼이자 예술 작품입니다. 새로운 개념으로 서로의 공간을 교환하는 것이라고 생각합니다. 또한 예술가들이 작업실이 부족하다는 것을 알기 때문에 이 작품을 통해 이 문제를 해결하려고 합니다.” 곽이천은 고향인 가오슝 교토의 삼합원을 “무소사실”로 개조하여 창작자들에게 레지던시를 제공하고 있으며, “무소”라는 이름은 무기력한 상태를 나타내고 있으며, 전통적인 레지던시와 달리 프로젝트나 전시물을 생산하기 위한 고정된 요구사항이 없습니다. 여기에서는 단지 공백을 만들고 걸음걸이를 재조정하기만 하면 됩니다.
“나는 다양한 기회를 전 세계 예술가에게 제공할 수 있습니다!”
STUPIN은 현재까지 전 세계 20개 도시, 총 46개의 스튜디오를 연결하고 있으며, 타이베이, 스페인 바르셀로나, 한국 서울, 폴란드 워사와, 영국 런던 및 루마니아 부카레슈티 등에 273명의 PIN 문화 가이드가 있습니다. 지금까지 100명 이상의 예술가가 다른 지역에서 레지던시를 진행하는 데 도움을 받았습니다. 그는 말합니다: “저는 큰 기관도 아니고 큰 자금도 없지만, 다른 지역의 예술가들에게 다양한 기회를 제공할 수 있습니다.” 이런 위대한 이념을 품을 수 있는 것은 그가 다양성이 가장 아름다운 예술 생태계라는 것을 알기 때문입니다. 그는 조용히 생각하며 공유합니다: “한 정원에 들어가서 한 종류의 식물만 보면 지루하지 않나요? STUPIN 플랫폼을 설립하는 것은 이 환경을 더 좋게 만들기를 바라는 큰 의미입니다. 나는 이 환경에서 어떤 무력함을 느꼈고, 그런 후 내 예술 창작을 통해 이 환경에 무엇을 할 수 있을지 고민했습니다.” 대화 전체에서 그는 자신이 사회에 피드백을 할 능력이 없다고 겸손하게 언급하며, 예술가로서 환경에 대한 무력함을 종종 느낄 수 있다고 말합니다. 그러나 그는 여전히 STUPIN에 마음을 쏟아 대만의 예술과 문화 발전을 국제적이고 번영하게 만들기를 희망합니다.
郭奕臣은 홍콩의 예술 발전을 조용히 관찰하고, 그는 말했다: “홍콩은 금융과 관련하여 전반적으로 상업적인 환경을 가지고 있어 많은 대형 국제 갤러리와 예술 행사가 홍콩에 입주하게 되었습니다. 예를 들어 아트 바젤 등이 있습니다. 그리고 홍콩의 중서양 통합적인 역사적 배경 덕분에 홍콩의 예술은 세계에서 더 쉽게 알려질 수 있게 되었으며, 마치 Michael Lau의 인형 열풍이 아시아를 거의 휩쓸었던 것과 같습니다!” 또한 언젠가 대만도 더 많은 대형 국제 갤러리가 입주하여 대만의 예술가들도 세계에서 알려질 수 있기를 바랍니다.
인터뷰 및 텍스트: Kary Poon
사진작가: Wei
