Sa création théâtrale dégage toujours un charme particulier, puisant parfois dans des œuvres littéraires classiques pour mieux les subvertir avec des idées nouvelles et inattendues. Ses œuvres peuvent sembler complexes, mais elles laissent une empreinte durable. Il s’agit de Lam Yik Wah, célèbre metteur en scène de théâtre de Hong Kong, qui a fondé la troupe « Very Lam Yik Wah » en 1991 et a produit plus de 60 pièces en 30 ans. Ses créations vont bien au-delà d’une simple représentation théâtrale, elles ouvrent la voie à une exploration de soi, à une réflexion sur l’époque, la communauté et la manière de se positionner dans le monde.
Si la création est un processus solitaire, la production d’une pièce de théâtre peut être une manière relativement animée de s’exprimer. Les acteurs se précipitent sur scène, en harmonie avec le son, la lumière, les accessoires, leurs postures se transforment en lignes, leurs émotions se transforment en couleurs, faisant de la scène une image pleine d’histoires, comme une toile. Cependant, une fois les applaudissements terminés et les projecteurs éteints, comment les metteurs en scène, habitués à observer dans l’ombre, perçoivent-ils chaque représentation ? Pour Lam Yik Wah, créer une pièce de théâtre, c’est aussi peindre, jouer est une image en mouvement, et il est celui qui manie le pinceau en coulisses. À 17 ans, il a rejoint une grande chaîne de télévision en tant que scénariste de séries, puis a poursuivi ses études à l’étranger, créant sa propre troupe de théâtre. Il affirme avoir un penchant pour les défis. La création de pièces de théâtre n’est pas toujours populaire, mais pour la culture d’une ville, elle est indispensable.
Cet épisode de « Art City Travelogue » invite le réalisateur Lin Yihua à discuter de son expérience de création théâtrale avec nous, nous permettant de le rencontrer en dehors du théâtre, écoutant attentivement comment il guide le public à travers l’espace et le temps avec ses œuvres scéniques, suscitant davantage d’imagination sur l’art et la vie.
« Je ne veux pas que le public voie tout sur scène, mais qu’ils voient une partie, qu’ils imaginent une partie. »
Beaucoup de gens pensent qu’apprécier une pièce de théâtre consiste à regarder le jeu des acteurs, mais pour Edward, ce qui compte le plus est de créer un espace imaginaire plus grand que la scène elle-même, plutôt que de simplement diriger la pièce. Il dit : « La plus grande différence entre le cinéma et le théâtre ne réside pas seulement dans le fait que le cinéma a des plans rapprochés, ou qu’il peut changer rapidement de temps, car le théâtre peut aussi changer de temps avec l’éclairage, les déplacements des acteurs sont une mise en scène d’un plan, leur différence réside dans la façon dont le metteur en scène de théâtre considère le ‘temps’ comme du temps, l »espace’ comme de l’espace. » Alors que d’autres souhaitent que l’accent soit mis sur l’expression linguistique sur scène, Edward est déjà au-delà du cadre lui-même, espérant que le public sera inspiré intellectuellement. L’espace scénique n’est plus une limitation, mais peut offrir au public un domaine imaginaire plus vaste, il dit : « Je veux que le public voie la scène non pas aussi grande, mais encore plus grande. »
Basé sur son expérience passée dans la réalisation de séries télévisées, de films et de pièces de théâtre, il plaisante en disant qu’il est un « metteur en scène de théâtre qui réalise des films en filmant des pièces de théâtre ». Puisqu’il a exploré différentes formes de création, nous sommes tous curieux de savoir laquelle il préfère. Edward explique qu’auparavant, il pensait que la production cinématographique nécessitait une collaboration technique, tandis que le théâtre était plus détendu car l’attention était principalement portée sur la relation entre les acteurs et le public. Cependant, avec les progrès technologiques, la création théâtrale implique également la gestion de l’éclairage, de la scénographie, etc. Le metteur en scène ne peut plus se contenter de diriger la pièce, mais doit penser à la présentation globale de la scène, offrant ainsi au public une expérience visuelle optimale, voire les amenant à regarder de manière multisensorielle. Il commence à réaliser que la différence entre les deux formes de création n’est pas si grande.
Cependant, Edward sait que le public ne peut pas absorber toutes les informations de production dans cette courte narration visuelle d’une ou deux heures, mais tant que le public est assis en bas, concentré sur la performance des acteurs, ces moments sont déjà parfaits. Il ne peut peut-être pas non plus répondre à la question de savoir quelle forme d’expression il préfère, car c’est une quête de forme, il espère que les spectateurs trouveront de l’empathie et se connaîtront à travers son travail, c’est ce qui compte pour lui.
« Mes œuvres passées ont toutes un thème central, qui est la croissance. »
Les œuvres d’Edward comprennent à la fois des adaptations d’œuvres classiques et de nombreux sujets variés tels que la vie urbaine moderne et les relations interpersonnelles. Cependant, que ses œuvres se situent dans le passé ou le présent, elles sont toutes liées à la « croissance ». Tout au long de notre vie, nous rencontrons de nombreux défis, et c’est en affrontant ces obstacles, en changeant notre perception, en évoluant, que nous devenons véritablement des « adultes ». Il partage avec nous son amour pour le contact avec les élèves à l’école, car ils ne sont pas facilement limités par des pensées préconçues, et dans ces échanges, il trouve toujours une source d’inspiration. En tant que réalisateur expérimenté, il affirme qu’il ne peut pas laisser les élèves le percevoir comme une figure d’autorité, il doit briser les barrières de statut et échanger avec eux sur un pied d’égalité pour que les idées puissent vraiment circuler. C’est parce qu’il est lui-même une personne qui valorise la communication bilatérale, toujours curieuse et bienveillante envers les autres, qu’il accumule de nombreuses inspirations créatives dans l’observation et la communication.
Cependant, l’inspiration ne se trouve pas simplement en cherchant, Edward pense que les créateurs doivent d’abord savoir ce dont ils ont besoin, où se trouvent leurs lacunes, avoir de l’empathie pour les autres, afin de pouvoir distinguer quelles sont les inspirations et les nutriments créatifs. Il rit en disant qu’il doit encore continuer à grandir, et cette communication directe avec les autres lui permet de mieux se connaître, ou d’apprendre certaines qualités qui lui manquent chez les autres.
« J’espère que le public pourra se voir dans l’œuvre. »
En regardant en arrière sur ses créations, beaucoup d’entre elles sont des adaptations d’œuvres classiques, allant de « Rêve dans le pavillon rouge » à « Contes étranges du pavillon de loisirs », « Le Pavillon de l’Ouest », « Au bord de l’eau », « Voyage en Occident », « Madame Bovary », etc. Edward a réussi à adapter des œuvres de différents genres en pièces de théâtre. Quelle est la partie la plus difficile de transformer ces histoires classiques en performances théâtrales ? Il dit : « De la textualité à l’espace, la partie la plus difficile est de permettre à l’œuvre de dialoguer avec vous, apprendre à converser avec l’œuvre a été ma plus grande récompense jusqu’à présent. » Sa création ne vise jamais à remodeler les classiques, mais à extraire le noyau de pensée des classiques et à le prolonger jusqu’à aujourd’hui. Il dit : « Ces textes ont des parties internes et externes, l’externe se réfère à la société et à l’époque de l’époque, l’interne se réfère aux émotions, une fois que vous comprenez les émotions, il est plus facile de ne pas être bloqué par ces murs épais et distincts qui vous empêchent de vous connecter au texte. » C’est pourquoi il peut comparer « Contes étranges du pavillon de loisirs » avec le film étranger « Marriage Story », sans distinction entre l’Orient et l’Occident, sans distinction entre les époques, certains sentiments et relations humaines sont universels.
Edward often challenges the ways of expressing time, space, and gender in his works, just like in the performance « Hello, Bao Yu » at West Kowloon in September. In the play, two actors perform together from a distance, and the audience can freely move around the theater space, subverting traditional performance modes and viewing experiences. Faced with such unconventional performance methods, not everyone may understand the cleverness and profound meaning of the work. For theater creators, whether the audience can understand the message of the play is a perennial question. What impact can their work have on others?
Il a déclaré : « En fait, tout est une question d’émotions. J’espère que le public se voit, c’est-à-dire qu’ils espèrent qu’après avoir regardé le spectacle, ils auront plus de réserve par rapport à eux-mêmes avant d’entrer, et qu’ils auront plus de conversations avec eux-mêmes par la suite. » Il pense que même si le public n’est pas prêt à l’admettre, en réalité, tout le monde aspire à se voir dans une performance. Il poursuit en disant : « La première couche est l’identification, les spectacles populaires permettent généralement au public de voir leur moi idéal, ce qui les fait se sentir bien. La deuxième couche est lorsque le public voit ses propres problèmes et commence à réfléchir. La troisième couche est la compréhension des problèmes, l’acceptation de ses propres problèmes, vous commencez à ne pas chercher de réponses, à ne pas demander aux autres, mais à chercher un changement. » Offrir au public l’opportunité de se redécouvrir à travers une œuvre est une chose précieuse et rare.
« Chaque vie est limitée, mais la création permet de passer d’une croyance à une autre, d’une vie à une autre. »
Les performances théâtrales permettent à l’espace de s’étendre à l’infini, tout comme la croyance. Peut-être est-ce précisément en raison de son insatisfaction actuelle et de son espoir pour l’avenir qu’Edward explore davantage de possibilités à travers sa création. Il considère que les expériences décevantes sont un terreau fertile pour les artistes, car c’est en faisant face aux déceptions, aux douleurs et à la solitude de la vie que nous construisons des imaginaires positifs, donnant ainsi naissance à la création. Il pense que si la vie n’était jamais décevante et que tout était merveilleux, ces personnes ne pourraient pas devenir des artistes intéressants. Chacun de nous est imprégné d’amour et de douleur dans la vie, et nous comblons ces lacunes par l’art, où la richesse et la désolation s’entremêlent pour rendre la vie complète.
Edward a également partagé avec nous une théorie unique sur « la vie amoureuse », qui consiste à attendre et admirer tout, et à croire toujours en un ciel plus grand que soi. Il a cité une phrase d’Oscar Wilde : « Nous sommes tous dans le caniveau, mais nous regardons toujours les étoiles. » Edward a déclaré que ses trente années de création ont été influencées par différents artistes, et même si leurs œuvres sont anciennes, les idées et croyances qu’elles portent ne vieillissent pas avec le temps, et aujourd’hui sa création scénique est en fait une continuation de ces idées.
Le théâtre est ma maison, la gare, je suppose qu’elle sera aussi ma tombe.
Depuis sa création en 1991, la troupe de théâtre « Edward Lin Yihua » a accumulé 64 pièces de théâtre. Au fil des décennies, la vie d’Edward a été étroitement liée à la scène, qui est non seulement son gagne-pain, mais aussi son foyer spirituel.
Il a dit : « Nous avons souvent des idées fausses sur la mort, une grande anxiété quant à la fin, pensant que tout se termine à ce point final, mais la valeur de la création réside dans le fait qu’elle ne crée pas de limites, que la fin est la fin. Comme Van Gogh est parti depuis longtemps, mais quand nous voyons une certaine nuance de bleu, nous pensons toujours à lui. » Parce qu’il y a la création, la mort n’est plus effrayante, car la vie se perpétue éternellement à travers les œuvres laissées derrière.
En revenant sur des décennies d’expérience sur scène, il a déclaré : « Une œuvre est l’endroit où une personne laisse sa trace de sa naissance à son départ. Si je n’avais pas participé au théâtre, les traces que je laisse aujourd’hui pourraient être différentes. Récemment, en raison du 30e anniversaire de la troupe, j’ai revisité ces œuvres, et c’était en fait très émouvant. J’ai réalisé qu’elles pouvaient toutes être reliées, formant ainsi une carte, et cette carte, c’est Hong Kong. »
Auparavant, il est allé se développer à l’étranger, ses œuvres ont également été jouées sur différentes scènes, et finalement il a choisi de fonder une troupe de théâtre sur cette terre qui l’a vu grandir, restant silencieusement fidèle pendant des décennies. Est-ce que tout cela n’est que de l’amour ? Quels éléments créatifs cette ville lui a-t-elle apportés en retour ?
Edward trouve que Hong Kong lui a offert des capacités diverses, non seulement en termes linguistiques, mais aussi en termes d’inspiration culturelle, et surtout en termes d’opportunités de création sur scène. S’il avait choisi de se développer ailleurs à l’époque, il ne serait peut-être pas parvenu à ce niveau de 30 ans. Cependant, il avoue avoir un sentiment d’amour-haine envers cette ville, se remémorant ses débuts à 17 ans en tant que scénariste sur une grande chaîne, signant un contrat à 18 ans, puis partant à 19 ans, mettant ainsi fin à sa brève carrière télévisuelle car il avait déjà réalisé qu’il n’aimait pas les choses grand public. De retour à Hong Kong des années 90 après son séjour en Angleterre, il a constaté des changements radicaux dans la ville, remplie de matérialisme, de potins, de divertissements superficiels et d’une éducation unidirectionnelle, ce qui l’empêche de s’intégrer confortablement dans une société corrompue de toutes parts. Il déclare : « Depuis 30 ans, je m’efforce de ne pas me laisser enfermer par les valeurs approuvées par le grand public, mais de comprendre leur relation avec moi-même, puis de faire des choix. » Cependant, il est conscient des difficultés de nager à contre-courant du courant dominant, regrettant : « C’est pourquoi tu ne seras jamais très populaire ici, car tu ne peux pas embrasser ces valeurs. »
Au fil des ans, la troupe « Very Lin Yihua » a collaboré avec des artistes et groupes de médias croisés dans différentes villes, ouvrant de nouvelles perspectives pour le théâtre chinois. Bien que les arts ne soient jamais au centre de la société, ces 64 œuvres ont indéniablement eu un impact majeur sur le monde culturel. Comment les metteurs en scène eux-mêmes perçoivent-ils cette phase de la troupe ?
Il a dit : « Trop peu de gens l’ont vu, trop peu de gens ont vu ces 60 œuvres. Ce n’est peut-être pas quelque chose que je peux changer dans mes capacités, car depuis la création du groupe jusqu’à maintenant, j’ai réalisé plus de 60 œuvres. Si quelqu’un était prêt à toutes les regarder, vous pourriez imaginer qu’il s’est passé beaucoup de choses à l’intérieur, toutes en relation avec moi-même, avec cet endroit, elles ont enregistré combien de mes sentiments pour cet endroit. Mais ces événements ont-ils de l’importance pour certaines personnes, ont-ils une signification pour l’avenir, ce n’est pas à moi de décider, je suis juste reconnaissant qu’ils se soient tous produits, et que ce qui s’est passé puisse être lié à l’époque et aux cœurs des gens, je pense que c’est un cadeau que je me fais et que je fais aux autres dans ma vie. » Produire des œuvres qui touchent les cœurs est le plus grand cadeau pour un créateur, indépendamment des considérations réalistes.
Merci à « Fei Chang Lin Yihua » pour toutes ces années de théâtre, nous permettant d’emprunter un moment de scène pour rencontrer les créateurs, traverser l’espace et le temps, et imaginer davantage la vie. Sans ces plus de soixante œuvres, le monde artistique d’aujourd’hui ne serait peut-être pas ce qu’il est, mais tout ce qui est apparu laissera une trace. Que la troupe de théâtre ait encore au moins 30 ans de plus, permettant aux metteurs en scène de continuer à sculpter la scène, et que chaque rencontre forge une destinée indéchiffrable.
Producteur exécutif : Angus Mok
Producteur : Vicky Wai
Éditeur : Ruby Yiu
Vidéographie : Andy Lee, Kenny Chu
Photographie : Andy Lee, Kenny Chu
Montage vidéo : Andy Lee
Designer : Edwina Chan
Remerciements spéciaux : Edward Lam ; Location de lieu au Centre des Arts de Hong Kong
