ผู้กำกับละครเวที ลินอีฮวา – พบกันนอกโรงละคร | บันทึกการเดินทางที่เมืองศิลป์

ผลงานการแสดงละครของเขามีเสน่ห์อันเข้มข้นเสมอ โดยบางครั้งจะดึงเรื่องราวมาจากงานวรรณกรรมคลาสสิก แต่ก็เสนอให้เห็นถึงความเปลี่ยนแปลงที่ไม่สิ้นสิ้นด้วยความคิดใหม่ๆ ผลงานของเขามีความซับซ้อน แต่ก็ทำให้คนต้องคิดถึงอย่างลึกซึ้ง เขาคือ ลิ้น อี้ วา ผู้กำกับละครชื่อดังจากฮ่องกง ตั้งแต่ปี 1991 ที่ก่อตั้ง T.H.E. ลิ้น อี้ วา คอมปะนี มาแล้ว 30 ปี และผลิตละครมากกว่า 60 เรื่อง เขาไม่ได้สร้างผลงานเพียงแค่การแสดงเท่านั้น แต่เป็นกุญแจที่เปิดให้ผู้ชมได้สำรวจตัวเอง สะท้อนตัวเอง สังคม และวิธีการจัดการตนเองในยุคสมัย

หากการสร้างสรรค์เป็นกระบวนการที่โดดเดี่ยว การสร้างผลงานละครเวทีก็อาจเป็นวิธีที่เร้าใจมากขึ้น นักแสดงแต่ละคนทุ่มเทในการเคลื่อนไหวบนเวที ร่วมกับเสียงเอกซ์, แสงไฟ, ของประดับ, ท่าทางของร่างกายกลายเป็นเส้น อารมณ์เป็นสี ทำให้เวทีเป็นเหมือนผืนผ้าแบบที่เต็มไปด้วยเรื่องราว แต่หลังจากเสียงปรบมือสิ้นสุดลง ไฟแสงดับลง ผู้กำกับที่เคยชอบสังเกตการณ์ในเงามืดจะมองว่าอย่างไรกับการแสดงครั้งนั้น? สำหรับลิน อี้ ฮัว การสร้างละครเวทีก็คือการวาดภาพ การแสดงคือภาพเคลื่อนไหว และเขาก็คือคนที่ถือปากกาอยู่ข้างหลัง ตั้งแต่อายุ 17 ปีเข้าทำงานเขียนบทละครโทรทัศน์ที่บริษัทใหญ่ จากนั้นไปศึกษาต่อที่ต่างประเทศ ก่อตั้งวงการละครของตัวเอง เขากล่าวว่าเขาชอบท้าทายความยากลำบาก การสร้างละครเวทีไม่เคยได้รับความนิยม แต่สำหรับการเลี้ยงศิลปวัฒนธรรมในเมืองหนึ่ง มันก็เป็นสิ่งที่จำเป็นไม่แพ้กัน

ในตอนนี้ขอเชิญผู้กำกับลินอีฮวามาพูดคุยกับเราเกี่ยวกับประสบการณ์ในการสร้างละครของเขา ให้เราพบกับเขานอกจากเวที ฟังเรื่องราวเกี่ยวกับวิธีที่เขานำผู้ชมข้ามพื้นที่และเวลาด้วยผลงานบนเวที และเริ่มต้นการมีความคิดเกี่ยวกับศิลปะและชีวิตอีกมาก

ฉันไม่ต้องการให้ผู้ชมเห็นทั้งหมดบนเวที แต่อยากให้พวกเขาเห็นบางส่วน และจินตนาการส่วนนั้น

มีคนมากมายที่คิดว่าการชมละครเวทีคือการดูทักษะการแสดงของนักแสดง แต่สำหรับ Edward มากกว่านั้น เขาสนใจว่าจะสร้างพื้นที่จินตนาการที่ใหญ่กว่าเวที ไม่ใช่เพียงแค่การกำกับละครเท่านั้น เขากล่าวว่า “ความแตกต่างที่สำคัญที่สุดระหว่างภาพยนตร์และละครเวทีไม่ได้อยู่ที่ฉากพิเศษในภาพยนตร์ หรือการสลับเวลาอย่างรวดเร็ว แต่เพราะละครเวทีก็สามารถใช้แสงสว่างเปลี่ยนเวลา การเคลื่อนไหวของนักแสดงก็เป็นการตัดต่อของฉากหนึ่ง ความแตกต่างของมันอยู่ที่ผู้กำกับละครเวทีมอง “เวลา” เป็นเวลา “พื้นที่” เป็นพื้นที่” เมื่อคนอื่นหวังให้ความสนใจของเวทีเป็นการแสดงภาษา Edward ได้เลื่อนออกจากโครงสร้างเดิม หวังว่าผู้ชมจะได้รับแรงบันดาลใจทางความคิด พื้นที่ของเวทีไม่ได้เป็นข้อจำกัดอีกต่อไป แต่เป็นสิ่งที่สามารถให้ผู้ชมได้พื้นที่จินตนาการที่กว้างขึ้น เขากล่าวว่า “ฉันหวังว่าผู้ชมที่เห็นเวทีจะไม่ใช่แค่ใหญ่แค่นี้ แต่ใหญ่มากขึ้นและมากขึ้น”

จากประสบการณ์ในการทำงานในฐานะผู้กำกับซีรีส์ทีวี ภาพยนตร์ และละครเวทีมาก่อนหน้านี้ เขากล่าวด้วยความยิ้มว่าตัวเองคือ “ผู้กำกับละครเวทีที่ถ่ายภาพยนตร์ด้วยการถ่ายละครเวที” จากการเข้าไปลงมือทำงานในวงการที่แตกต่างกัน เราทุกคนก็อยากรู้ว่าเขาชอบวิธีการใดมากกว่ากัน Edward กล่าวว่าก่อนหน้านี้เขาคิดว่าการผลิตภาพยนตร์ต้องการความร่วมมือทางเทคนิค ในขณะที่ละครเวทีมีความผ่อนคลายมากกว่า เพราะทุกคนให้ความสนใจไปที่ระยะห่างระหว่างนักแสดงและผู้ชม แต่กับการเป็นที่เทคโนโลยีที่ก้าวล้ำ การสร้างละครเวทีต้องจัดการกับแสง การออกแบบเวที และอื่น ๆ ผู้กำกับต้องคิดไม่เพียงแค่ว่าจะนำเรื่องมากำกับ แต่ต้องผ่านการนำเสนอละครเวทีให้เป็นรูปร่างที่สมบูรณ์ ให้ผู้ชมได้รับประสบการณ์การดูละครที่ดีที่สุด และบางครั้งต้องทำให้พวกเขามองด้วยทางสายตาหลายมุม เขาเริ่มรู้สึกว่าความแตกต่างระหว่างวิธีการสองแบบนั้นไม่ใช่เรื่องใหญ่มากนัก

อย่างไรก็ตาม Edward รู้ดีว่า ผู้ชมไม่สามารถรับข้อมูลทั้งหมดในการเล่าเรื่องทางสายตาในเวลาเพียงไม่กี่ชั่วโมง แต่เมื่อผู้ชมนั่งอยู่ในโรงละครและตั้งใจดูการแสดงของนักแสดง ความสมบูรณ์ของเรื่องนั้นก็ถือว่าเป็นสิ่งที่สำคัญ บางทีเขาก็ไม่สามารถตอบว่าเขาชอบวิธีการแสดงแบบไหนมากกว่ากัน เพราะว่านั้นเป็นการค้นหาในรูปแบบหนึ่ง และความสำคัญที่เขาให้ความสำคัญคือการให้ผู้ชมรับรู้ตัวเองผ่านผลงานของเขา

ผลงานที่ผ่านมาของฉันมักมีหัวข้อหลักเป็นเรื่องของการเติบโต

เรื่องของ Edward มีทั้งการปรับเรื่องคลาสสิกและเนื้อหาที่กว้างขวางเกี่ยวกับชีวิตในเมืองสมัยปัจจุบัน ความสัมพันธ์ระหว่างบุคคล แต่ไม่ว่าเรื่องจะเกี่ยวข้องกับอดีตหรือปัจจุบัน มันก็เกี่ยวข้องกับ “การเติบโต” มนุษย์จะต้องเผชิญกับปัญหาหลายอย่างตลอดชีวิต และเราก็จะเปลี่ยนไปเป็น “ผู้ใหญ่” จริงๆ ในช่วงเวลาที่ต้องเผชิญกับอุปสรรค การเรียนรู้ใหม่ และการเปลี่ยนแปลง พวกเขาแบ่งปันว่าพวกเขาชอบไปโรงเรียนและมีโอกาสสื่อสารกับนักเรียน เพราะพวกเขาไม่ถูกขัดข้องด้วยความคิดเดิมๆ และในขั้นตอนการสื่อสาร พวกเขาจะได้รับแรงบันดาลจากพวกเขา เป็นผู้กำกับที่มีประสบการณ์มาก พวกเขากล่าวว่าไม่สามารถให้นักเรียนรู้สึกว่าพวกเขามีอำนาจ ต้องทำลายขีดจำกัดของตัวตน และสื่อสารกับพวกเขาอย่างเท่าเทียม ในด้านความคิดเพื่อให้สามารถสื่อสารอย่างแท้จริง ที่เขาเองเป็นคนที่ใส่ใจการสื่อสารกับอีกฝ่าย และแสดงความสนใจ ทำให้เขาสะสมไอเดียสร้างสรรค์จากการสังเกตและสื่อสาร

แต่ความคิดสร้างสรรค์ไม่ได้มาจากการค้นหาเสมอไป นอกจากนี้ Edward เชื่อว่าผู้สร้างต้องรู้เอาใจใส่ตัวเองก่อนที่จะรู้ว่าต้องการอะไร จุดอ่อนของตัวเองอยู่ที่ไหน มีความเข้าใจกับผู้อื่น จึงจะสามารถแยกแยะว่าอะไรเป็นแรงบันดาลใจและอาหารสำหรับการสร้างสรรค์ และเขายิ้มแล้วพูดว่าตัวเองยังต้องการเติบโตต่อไป และการสื่อสารโดยตรงกับคนอื่นเป็นอย่างนี้ ทำให้ทั้งสองฝ่ายสามารถรู้จักตัวเองได้ดียิ่งขึ้น หรือเรียนรู้สิ่งบางอย่างที่ตัวเองขาดด้านจากคนอื่น

“ฉันหวังว่าผู้ชมจะเห็นตัวเองในผลงาน”

มองย้อนกลับไปที่ผลงานในอดีต จะพบว่ามีหลายส่วนที่ได้รับการปรับเปลี่ยนมาจากงานคลาสสิก เช่น จาก “ภูเขาแรก” “เรื่องประหนึ่ง” “เรื่องห้องตะวัน” “นิทานนักสู้น้ำ” “เดินทางสู่ศาสนา” “นางพาลี” และอื่น ๆ ผลงานที่มีหัวข้อที่แตกต่างกันก็สามารถถูก Edward ปรับเปลี่ยนเป็นละครเวทีได้ การนำเรื่องราวคลาสสิกเหล่านี้มาแสดงในรูปแบบละครเวที ที่ยากที่สุดคืออะไร? เขากล่าวว่า: “จากข้อความไปสู่พื้นที่ สิ่งที่ยากที่สุดคือการทำให้ผลงานสนับสนุนความคิดเห็นของคุณ การเรียนรู้ว่าจะพูดคุยกับผลงานนั้นเป็นสิ่งที่ใหญ่ที่สุดในอดีตของฉัน” ผลงานของเขาไม่เคยเกี่ยวกับการปรับรูปร่างของงานคลาสสิก แต่เป็นการสกัดสารความคิดภายในของงานคลาสสิก และขยายความคิดเหล่านี้ไปสู่ปัจจุบัน เขากล่าวว่า: “ข้อความเหล่านี้มีส่วนภายนอกและภายใน ส่วนภายนอกคือสังคมและยุคสมัยในขณะนั้น ส่วนภายในคือความรู้สึก เมื่อคุณเข้าใจความรู้สึกแล้ว คุณจะไม่สามารถถูกขัดขวางโดยกำแพงหนาที่แยกแยะคุณไปจากการเชื่อมต่อกับข้อความ” ดังนั้น เขาสามารถเปรียบเทียบ “เรื่องประหนึ่ง” กับ “เรื่องรักแห่งชีวิต” จากต่างประเทศ โดยไม่สนใจฝั่งตะวันตกหรือตะวันออก ไม่สนใจยุคสมัย บางความรู้สึกและความสัมพันธ์มนุษย์ก็เป็นสิ่งที่เชื่อมต่อกันข้ามรุ่นสายได้

Edward มักท้าทายเรื่องเวลา พื้นที่ และการแสดงเพศในผลงานของเขา เช่นเช่นการแสดงล่าสุดในเดือนกันยายนที่สถานที่ว่างเปล่าที่ West Kowloon ใน “Bao Yu, สวัสดี” นักแสดงสองคนแสดงร่วมกันจากระยะไกล และผู้ชมสามารถเคลื่อนไหวอย่างอิสระในพื้นที่โรงละคร ทำให้เปลี่ยนแปลงรูปแบบการแสดงและประสบการณ์การดูของคนอื่น ๆ หน้ากับวิธีการแสดงที่ไม่เชื่อถือได้นี้ ไม่ได้ทุกคนเข้าใจความคิดและความหมายของผลงาน สำหรับผู้สร้างละคร ว่าผู้ชมสามารถเข้าใจข้อความของละครหรือไม่เป็นคำถามที่ยาวนาน ว่าพวกเขาสนใจว่าผลงานของตนเองสามารถส่งผลต่อผู้อื่นได้ยังไงบ้างล่ะ?

เขากล่าวว่า: “ที่จริงแล้วเกี่ยวกับความรู้สึกทั้งหมด ฉันหวังว่าผู้ชมจะเห็นตัวเอง หมายถึงหวังว่าพวกเขาจะเก็บส่วนตัวมากขึ้นก่อนที่จะเข้าชมละคร จึงจะสนทนากับตัวเองมากขึ้นในช่วงเวลาถัดไป” เขาคิดว่า ถึงแม้ว่าผู้ชมอาจจะไม่ยอมรับ แต่ทุกคนในใจก็ต้องการเห็นตัวเองในการแสดง และเขากล่าวต่อว่า: “ชั้นที่หน้าสุดคือการยอมรับ ละครที่ได้รับความนิยมทั่วไปจะทำให้ผู้ชมเห็นตัวเองในภาพที่ดีที่สุด จึงทำให้รู้สึกดี” ชั้นที่สองคือผู้ชมเห็นตัวเองที่มีปัญหา จึงเริ่มคิด ชั้นที่สามคือเข้าใจปัญหา ยอมรับตัวเองที่มีปัญหา คุณจะเริ่มไม่ต้องการคำตอบ ไม่ต้องการใครอื่น แต่พยายามหาวิธีเปลี่ยนแปลง” หากสามารถให้โอกาสให้ผู้ชมได้เริ่มรู้จักตัวเองใหม่ในผลงาน นั้นถือว่าเป็นสิ่งมีค่ายิ่ง

ทุกคนมีชีวิตอยู่บนโลกนี้แค่ครั้งเดียว แต่การสร้างสรรค์สามารถทำให้เขาเดินทางจากความเชื่อนึงไปสู่อีกความเชื่อหนึ่ง จากชีวิตหนึ่งไปสู่ชีวิตอีกอัน

การแสดงในโรงละครทำให้พื้นที่สามารถขยายออกไปถึงขีดสุด และความเชื่อก็เช่นกัน บางทีอาจเพราะความไม่พอใจในปัจจุบันและความหวังในอนาคตทำให้ Edward ใช้การสร้างผลงานเพื่อค้นพบความเป็นไปได้มากขึ้น เขาเชื่อว่าประสบการณ์ที่ไม่น่าพอใจเป็นฟองดินสำคัญของศิลปิน เมื่อเราเผชิญกับความผิดหวัง ความเจ็บปวด และความเหงาในชีวิต เราจึงสร้างความคิดถึงสิ่งที่ดีงาม จึงเกิดผลงานศิลปะ เขาคิดว่าถ้าชีวิตไม่เคยผิดหวัง มุ่งหวังเพียงสิ่งดีงาม คนเหล่านั้นอาจจะไม่สามารถกลายเป็นศิลปินที่น่าสนใจได้ ในชีวิตของทุกคนเต็มไปด้วยความรักและความเจ็บปวด เราใช้ศิลปะเพื่อรักษาบาดแผล แต่เมื่อความอุดมสมบูรณ์และความว่างเปล่าเข้ามาสลับกัน ชีวิตจึงเป็นสมบูรณ์

เอ็ดเวิร์ดยังแบ่งปันทฤษฎี “ชีวิตคนโสเลิฟ” ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขากับเรา คือการคาดหวังและทึ่งใจในทุกสิ่ง และเชื่อมั่นว่ามีท้องฟ้าที่สูงกว่าตัวเองอยู่เสมอ เขาอ้างถึงคำพูดของวิลเดอร์ว่า “เราอยู่ในคูน แต่เรายอมมองหาท้องฟ้า” เอ็ดเวิร์ดกล่าวว่าการสร้างสรรค์ในสามสิบปีที่ผ่านมาได้รับอิทธิพลจากศิลปินต่าง ๆ แม้งานของพวกเขาจะเป็นผลงานที่เก่าแก่แล้ว แต่ความคิดและความเชื่อที่ถูกบรรจุอยู่ในนั้นจะไม่สลายไปกับเวลา ในปัจจุบันงานสร้างเวทีของเขาก็เชื่อมโยงกับความคิดเหล่านั้นด้วย

“เวทีคือบ้านของฉัน สถานีรถไฟ ฉันเดาว่ามันก็คงเป็นสุสานของฉัน”

ตั้งแต่ปี 1991 ที่ก่อตั้ง Troupe ของ “Edward Lin Yihua” มาจนถึงปัจจุบัน มีผลงานทางเวทีทั้งหมด 64 เรื่อง ชีวิตของ Edward ในหลาย ๆ ปีที่ผ่านมามีความสัมพันธ์กับเวทีอย่างใกล้ชิด นอกจากการเป็นที่พึ่ง แล้วเวทีก็เป็นส่วนหนึ่งของชีวิตของเขาแล้ว

เขาพูดว่า: “เรามักมองตายอย่างเต็มไปด้วยความสงสัย มีความกังวลใหญ่ต่อจุดสิ้นสุด คิดว่าทุกสิ่งจะสิ้นสุดที่จุดนั้น แต่ค่าความสำคัญของการสร้างอยู่ที่การมันไม่ทำให้ขีดจำกัดเป็นขีดจำกัด การสิ้นสุดคือการสิ้นสุด อย่างเดียวกับวินเซนต์ โก๊ะ ไปไกลมากแล้ว แต่เมื่อเราเห็นสีฟ้าบางอย่าง เรายังคิดถึงเขา” เพราะมีการสร้างสรรค์ ดังนั้นความตายไม่น่ากลัวอีกต่อไป เพราะชีวิตจะดำเนินต่อไปตลอดไปผ่านผลงานที่สืบสานอยู่ตลอดกาล

ย้อนกลับไปสู่ประสบการณ์บนเวทีในช่วงหลาย ๆ ทศวรรษที่ผ่านมา เขากล่าวว่า: “งานศิลปะคือสถานที่ที่คนหนึ่งทิ้งร่องรอยตั้งแต่เกิดจนถึงวันที่เขาจะไป ถ้าฉันไม่ได้มีส่วนร่วมในการแสดงละคร รอยรองที่ฉันทิ้งไว้ในปัจจุบันอาจจะไม่ได้เป็นเช่นนี้ ไม่นานมานี้เนื่องจากครบรอบ 30 ปีของละครฝีมือ ฉันได้เปิดดูผลงานเหล่านี้อีกครั้ง ซึ่งทำให้ตื่นเต้นมาก ฉันพบว่าพวกเขาสามารถเชื่อมต่อกันเป็นเส้นตรง และสิ่งที่เชื่อมต่อกันก็คือแผนที่ และแผนที่นั้นก็คือฮ่องกง”

เคยไปพัฒนาต่างประเทศ งานของเขาเคยแสดงในสถานที่ต่าง ๆ สุดท้ายเลือกสร้างวงการนี้บนแผ่นดินที่เกิดของเขา ปกป้องมาหลายสิบปี มันเป็นความรักทั้งหมดหรือไม่? เมืองนี้ให้เขาสารอาหารสำหรับการสร้างสรรค์อะไร?

เอ็ดเวิร์ดรู้สึกว่าฮ่องกงให้ความสามารถให้เขาไม่ได้มีเพียงอย่างเดียว นอกจากการเรียนรู้ภาษาแล้วยังมีการ啟發ทางวัฒนธรรมที่แตกต่าง และสำคัญที่สุดคือโอกาสในการสร้างผลงานบนเวที ถ้าเขาเลือกที่จะพัฒนาตัวเองในสถานที่อื่น ในปัจจุบันอาจจะไม่ได้มีความสำเร็จเหมือนที่เขามีในระยะเวลา 30 ปีนี้ แต่เขายังบอกว่าเขารักและเกลียดเมืองนี้เช่นกัน คิดถึงตัวเองเมื่ออายุ 17 ปีเข้าทำงานที่สถานีโทรทัศน์ในอดีต 18 ปีได้ทำสัญญา 19 ปีก็ออกไป จากนั้นก็จบชีวิตอาชีพการแสดงทางโทรทัศน์ในระยะเวลาสั้นๆ เพราะเขาพบว่าเขาไม่ชอบสิ่งที่เป็นสิ่งที่เป็นสาธารณะในขณะนั้น ตั้งแต่กลับมาจากอังกฤษมาพัฒนาตัวเองในฮ่องกงตั้งแต่ทศวรรษ 90 เขาพบว่าฮ่องกงได้เกิดการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญ ขณะที่สังคมถูกเติบโตด้วยสิ่งของ ข่าวสารละเลย การศึกษาแบบเดี่ยว ทำให้เขาไม่สามารถยอมรับสิ่งที่เต็มไปด้วยความเสื่อมเสียในสังคมได้ เขากล่าวว่า “ฉันทำอย่างนี้มา 30 ปี คือ การไม่ให้ค่านิยมของสาธารณชนควบคุมชีวิตของฉัน แต่คือการเข้าใจความสัมพันธ์ระหว่างมันกับตัวเอง แล้วค่อยทำการเลือก” แต่เขาก็รู้ว่ามันยากที่จะทำตรงกันข้ามกับสถานะปกติ เขารู้สึกเศร้ากล่าวว่า “ดังนั้นคุณจะไม่ได้รับการต้อนรับอย่างดีที่นี่ เพราะคุณไม่สามารถยอมรับค่านิยมเหล่านั้น”

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ละครโทรทัศน์ “ฟ้ารักษ์ ลินอีฮวา” ได้ร่วมงานกับศิลปินและกลุ่มศิลปินจากสื่อสารมวลชนและเมืองที่แตกต่างกัน เพื่อสร้างสรรค์มุมมองที่เปิดกว้างของละครภาษาจีน แม้ว่าศิลปะจะไม่เคยเป็นส่วนใหญ่ของสังคม แต่ผลงาน 64 เรื่องนี้ได้นำพาวงการวัฒนธรรมไปสู่มิติใหม่อย่างไม่มีเงื่อนไข ผู้กำกับเองมองว่าวงการละครในช่วงนี้มีความสำคัญอย่างไร?

เขาพูดว่า: “มีคนเห็นน้อยมากเลย มีคนเห็นผลงานเหล่านี้ไม่กี่สิบเรื่องเท่านั้น ไม่แน่ใจว่าสิ่งนี้เป็นความจริงที่ฉันสามารถเปลี่ยนแปลงได้หรือไม่ เพราะตั้งแต่ก่อตั้งกลุ่ม จนถึงทำผลงานเหล่านี้มากกว่าหกสิบเรื่อง ถ้ามีใครสนใจที่จะดูทั้งหมด คุณจะสามารถจินตนาการได้ว่ามีเหตุการณ์มากมายเกิดขึ้นภายใน มันเกี่ยวข้องกับตัวฉันเอง และกับสถานที่นี้ มันบันทึกไว้ว่าฉันรู้สึกถึงสถานที่นี้มากน้อยเท่าไหร่ แต่ว่าเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นนั้นมีความสำคัญต่อใคร มีความสำคัญต่ออนาคตหรือไม่ ก็ไม่ใช่สิ่งที่ฉันสามารถตัดสินได้ ฉันแค่ดีใจที่มันเคยเกิดขึ้น และสิ่งที่เกิดขึ้นสามารถเชื่อมโยงกับยุคสมัยและความคิดของคนได้ ฉันรู้สึกว่ามันเป็นของขวัญที่ฉันให้กับตัวเองและผู้อื่นในชีวิตของฉัน การสร้างผลงานที่สามารถเชื่อมโยงกับความรู้สึกของคนอย่างนี้ ไม่เกี่ยวข้องกับการพิจารณาด้านจริง แล้วก็เป็นของขวัญที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสำหรับผู้สร้างผลงาน”

ขอขอบคุณ “非常林奕華” ที่ให้การแสดงละครเหล่านี้มาโดยต่อเนื่องในหลายปีที่ผ่านมา ทำให้เราสามารถยืมเวลาจากการแสดงละครเพื่อพบกับผู้สร้างผลงานบนเวที และเราสามารถเดินทางข้ามพื้นที่และเวลา เพื่อเปิดโอกาสให้ความคิดสร้างสรรค์เพิ่มเติมในชีวิต ถ้าหากไม่มีการสร้างผลงานเหล่านี้มากว่า 60 เรื่อง วงศ์วรรณศิลป์ในปัจจุบันก็อาจจะไม่ได้อยู่ในรูปแบบที่เราเห็นอยู่ในปัจจุบัน แต่ทุกสิ่งที่เคยเกิดขึ้น จะต้องทิ้งเส้นทางไว้ ขอให้วงศ์วรรณศิลป์มีอีก 30 ปีข้างหน้า ให้ผู้กำกับได้ใช้เวทีในการเติบโตต่อไป และทุกครั้งที่พบกันจะเป็นโอกาสที่ไม่มีทางหลุดพ้นไปได้

ผู้ดูแลผลิต: Angus Mok
ผู้ผลิต: Vicky Wai
บรรณาธิการ: Ruby Yiu
ถ่ายภาพ: Andy Lee, Kenny Chu
การถ่ายภาพ: Andy Lee, Kenny Chu
ตัดต่อวิดีโอ: Andy Lee
นักออกแบบ: Edwina Chan
ขอขอบคุณพิเศษ: Edward Lam ; สถานที่จัดงานศิลปะฮ่องกง Arts Centre