إبداعاته في مجال المسرح دائمًا مليئة بالسحر، حيث يقتبس أفكاره من الأعمال الأدبية الكلاسيكية ويقوم بتقديمها بطريقة مبتكرة ومنعطفات جديدة لا تنتهي. تتميز أفكار أعماله بالتعقيد وفي الوقت نفسه تثير الدهشة لدى الجمهور. إنه لين إي وا، المخرج المسرحي الشهير من هونغ كونغ، الذي أسس فرقة “لين إي وا غير عادية” في عام 1991 وقدم أكثر من 60 عمل مسرحي خلال الـ 30 عامًا الماضية. تتجاوز أعماله مجرد عروض مسرحية بل تمثل مفتاحًا لتوجيه الجمهور نحو استكشاف الذات والتفكير في العصر والمجتمع وكيفية التعامل مع الحياة.
إذا كان الإبداع عملًا وحيدًا، فإن إنتاج عمل مسرحي قد يكون وسيلة نشطة نسبيًا. يعمل كل ممثل بجد على المسرح، يتناسق مع الصوت والإضاءة والديكور، حيث تتحول حركات الجسم إلى خطوط، وتعبر العواطف عن ألوان، مما يجعل المسرح يظهر كلوحة تحمل قصة. ومع ذلك، بعد توقف التصفيق وإطفاء الأضواء، كيف ينظر المخرجون الذين يعتادون مراقبة الظلال إلى كل عرض؟ بالنسبة لـ لين يي هوا، إن إنشاء مسرحية هو في الواقع عمل فني، والأداء هو صورة متحركة، وهو الشخص الذي يرسم من الخلف. انضم إلى فريق التأليف للمسلسلات التلفزيونية عندما كان في السابعة عشرة من عمره، ثم سافر إلى الخارج للدراسة، وأسس فرقته المسرحية، ويقول عن نفسه إنه يحب التحدي. إن إنشاء المسرحيات ليس دائمًا شائعًا، ولكنه لا يمكن الاستغناء عنه في تغذية الثقافة في المدينة.
هذه الحلقة من “رحلة مدينة الفن” تدعو المخرج لين يي هوا للحديث معنا عن تجربته في إنتاج المسرحيات، دعونا نلتقي به خارج المسرح، ونستمع بعناية كيف يستخدم أعماله المسرحية ليقود الجمهور عبر الزمان والمكان، ويثير المزيد من التفكير في الفن والحياة.
“لا أريد للجمهور أن يرى كل شيء على المسرح، بل أن يرى جزءًا ويتخيل جزءًا.”
يعتقد الكثيرون أن الاستمتاع بمسرحية يجب أن يكون عن طريق مشاهدة مهارة الممثلين، ولكن بالنسبة لإدوارد، يهتم بشكل أكبر بكيفية إنشاء مساحة تخيلية أكبر من المسرح بحد ذاته، بدلاً من مجرد إخراج المسرحية. يقول: “الفارق الأكبر بين السينما والمسرح ليس فقط في وجود لقطات تقريبية، أو القدرة على التبديل السريع بين الأوقات، لأن المسرح يمكنه أيضًا استخدام الإضاءة للتبديل بين الأوقات، وحركة الممثلين هي توجيه لعدسة واحدة، الفارق بينهما هو كيف ينظر المخرج المسرحي إلى ‘الزمن’ كزمن، و ‘المكان’ كمكان.” عندما يرغب الآخرون في أن يكون التركيز المسرحي على التعبير اللغوي، فإن إدوارد قد تجاوز الإطار بالفعل، ويرغب في أن يحصل المشاهدون على إلهام فكري. المساحة المسرحية لم تعد قيدًا، بل يمكنها توفير مجال تخيلي أوسع للجمهور، يقول: “أرغب في أن يرى الجمهور المسرح ليس فقط بهذا الحجم، بل أكبر بكثير.”
بناءً على مشاركته السابقة في العمل الخلفي للمسلسلات التلفزيونية والأفلام والمسرح، ابتسم وصرح بأنه “مخرج مسرحي يصور أفلامًا بتصوير مسرحي”. وبما أنه شارك في أساليب الإبداع في مجالات مختلفة، كان الجميع يتساءل عن تفضيلاته. وأشار إدوارد إلى أنه في السابق كان يعتقد أن إنتاج الأفلام يعتمد على التعاون التقني، بينما المسرح أكثر استرخاء، لأن انتباه الجميع يتجه نحو العلاقة بين الممثلين والجمهور. ولكن مع تقدم التكنولوجيا، أصبح من الضروري التعامل مع قضايا مثل الإضاءة وتصميم المسرح أثناء إبداع المسرحيات، حيث لا يمكن للمخرج أن يفكر فقط في كيفية إخراج العمل، بل يجب عليه أيضًا التفكير في العرض الشامل للمسرح، لتوفير أفضل تجربة بصرية للجمهور، وحتى جعلهم يشاهدون بوساطة حواسهم المختلفة، وبدأ يدرك تدريجيًا أن الفارق بين الطريقتين في الواقع ليس كبيرًا.
لكن إدوارد يدرك تمامًا أن المشاهدين لن يستوعبوا كل المعلومات التي تم تضمينها في هذه السرد البصري خلال ساعة أو ساعتين فقط، ولكن بمجرد أن يجلس المشاهد في الجمهور ويركز على أداء الممثلين، فإن تلك اللحظات تكون مثالية بالفعل. قد لا يستطيع أيضًا الإجابة عن نوع التعبير الذي يفضله أكثر، لأن كل ذلك هو سعي شكلي، وما يهمه هو أن يشعر المشاهدون بالتعاطف ويتعرفوا على أنفسهم من خلال العمل الفني.
“كان لدى أعمالي السابقة موضوعًا أساسيًا وهو النمو.”
إدوارد يقدم أعمالًا تتنوع بين تكييف الأعمال الكلاسيكية واهتمامه الكبير بالحياة الحضرية الحديثة والعلاقات الإنسانية ومواضيع واسعة أخرى. ومهما كانت أعماله تتنوع بين الماضي والحاضر، فإنها دائمًا مرتبطة بـ “النمو”. فالإنسان يواجه العديد من التحديات طوال حياته، ونحن جميعًا نتحول تدريجيًا خلال مراحل الصدمة وإعادة التقييم والتغيير لنصبح “بالفعل” بالتدريج. يشاركنا إدوارد بأنه يحب التواصل مع الطلاب في المدرسة، لأنهم لا يتمسكون بالأفكار التقليدية بسهولة، وفي عملية التواصل، يستمد دائمًا إلهامًا منهم. كمخرج ذو خبرة، يعتبر أنه لا يجب أن يجعل الطلاب يشعرون بأنهم يمتلكون سلطة، بل يجب عليهم تجاوز حدود الهوية والتواصل معهم بشكل متساوٍ، حتى يتمكنوا من تبادل الأفكار بشكل حقيقي. وبسبب اهتمامه الدائم بالتواصل مع الآخرين وإظهار الفضول والاهتمام دائمًا، يتمكن من تجميع العديد من الأفكار الإبداعية خلال مراقبته وتواصله مع الآخرين.
ومع ذلك، لا يمكن العثور على الإلهام بسهولة. يعتقد إدوارد أن الفنان يجب أن يعرف أولاً ما يحتاجه، وأين نقاط الضعف في نفسه، وأن يكون لديه تعاطف مع الآخرين، حتى يتمكن من تحديد أي الأفكار والمواد يمكن أن تصبح مصدر إلهام للإبداع. وقال بابتسامة إنه لا يزال بحاجة إلى النمو، وهذا النوع من التواصل المباشر مع الآخرين يساعد على التعرف على الذات، أو على تعلم بعض الصفات التي تفتقدها من الآخرين.
أتمنى أن يرى الجمهور أنفسهم في العمل.
نظرًا إلى الأعمال السابقة، كان العديد منها مستوحى من الأعمال الكلاسيكية، مثل “حلم القصر الأحمر”، “سجلات غرفة المحادثة”، “يوميات غرفة الغرباء”، “رواية الماء والدم”، “رحلة إلى الغرب”، “سيدة باوفالي”، وغيرها، يمكن لإدوارد تكييف أعمال مختلفة بمواضيع مختلفة إلى مسرحيات. فما هو الجزء الأصعب في تقديم هذه القصص الكلاسيكية على المسرح؟ يقول: “من النص إلى الفضاء، الأمر الأصعب هو جعل العمل يتحدث إليك، تعلم كيف تتحدث مع العمل هو أكبر مكسب لي في الماضي.” إبداعه لم يكن يهدف إلى إعادة صياغة الكلاسيكيات، بل استخلاص النواة الفكرية منها وتوسيع هذه الأفكار لتكون مناسبة للوقت الحالي. يقول: “هذه النصوص لها جوانب داخلية وخارجية، الخارجية تشير إلى المجتمع والعصر في ذلك الوقت، الداخلية تشير إلى المشاعر، عندما تفهم المشاعر، فإنه من الصعب أن تمنعك الجدران السميكة من الاتصال بالنص.” لذلك يمكنه مقارنة “سجلات غرفة المحادثة” بفيلم أجنبي مثل “قصة زواج”، لا علاقة بين الشرق والغرب، لا علاقة بالعصور، بعض المشاعر والعلاقات الإنسانية تتجاوز الأجيال.
إدوارد يتحدى بشكل مستمر طريقة تقديم الزمن والمكان والجنس في أعماله، مثل العرض الذي قدمه في سبتمبر في فضاء غرب كاونتي في هونغ كونغ بعنوان “باو يو، مرحبًا بك”. حيث قدم الممثلان أداءً مشتركًا عبر الفضاء، وكان بإمكان الجمهور التحرك بحرية في المسرح، مما قلب النمط التقليدي للعروض وتجربة المشاهدة رأسًا على عقب. وبالنظر إلى هذه الطريقة المبتكرة في الأداء، ليس من الضروري أن يفهم الجميع فكرة العمل وعمقها، وبالنسبة لصانعي المسرح، فإن قدرة الجمهور على فهم رسالة العمل هي مسألة دائمة التفكير، فما هو الأثر الذي يمكن أن تحققه أعمالهم في حياة الآخرين؟
قال: “في الواقع، كل شيء يتعلق بالمشاعر، أريد الجمهور أن يرى أنفسهم، أعني أنني أتمنى أن يحتفظوا بجزء من أنفسهم قبل دخولهم، حتى يتحدثوا مع أنفسهم أكثر خلال الوقت القادم بعد مشاهدة العرض.” يعتقد أن الجمهور، على الرغم من عدم رغبتهم في الاعتراف، في الواقع يتوق كل شخص إلى رؤية نفسه في الأداء، ويواصل قائلاً: “الطبقة الأولى هي الاعتراف، فالعروض الشعبية عمومًا تجعل الجمهور يرى نفسهم الذين يتمنون رؤيتهم، مما يجعلهم يشعرون بالرضا عن أنفسهم. الطبقة الثانية هي رؤية الجمهور لأنفسهم بمشكلات، مما يجعلهم يبدأون في التفكير. الطبقة الثالثة هي فهم المشكلة، وقبول وجود مشكلات في الذات، ستبدأ في عدم المطالبة بإجابات، وعدم المطالبة بالآخرين، بل السعي لتغيير ما هو موجود.” إذا كان بإمكانك إعطاء الجمهور فرصة لإعادة اكتشاف أنفسهم من خلال العمل، فإن ذلك أمر نادر الحدوث وثمين.
كل شخص لديه حياة محدودة، ولكن الإبداع يمكن أن يأخذه من معتقد إلى آخر، ومن حياة إلى أخرى.
العروض المسرحية تمتد المساحة إلى لانهائية، والإيمان يفعل الشيء نفسه. ربما بسبب عدم الرضا عن الوضع الحالي والأمل في المستقبل، يستكشف إدوارد المزيد من الإمكانيات من خلال الإبداع. إنه يعتقد أن تلك التجارب التي لا ترضي الإنسان هي التربة الخصبة للفنانين، عندما نواجه مشاعر الخيبة والألم والوحدة في الحياة، نبني تصورًا جميلًا، ومن ثم ينشأ الإبداع. إنه يعتقد أنه إذا لم تواجه الحياة الخيبة، وكانت كل الأمور جميلة، فقد لا يصبح تلك الأشخاص فنانين مثيرين للاهتمام. الحياة لدى الجميع مليئة بالحب والألم، ونحن جميعًا نستخدم الفن لتعويض النقص، فقط عندما تتداخل الثراء والقفر، تكون الحياة كاملة.
إدوارد شاركنا أيضًا نظرية فريدة تسمى “حياة الحب الواحد”، وهي أن يكون لديك توقعات وإعجاب بكل شيء في العالم، وتؤمن دائمًا بأن هناك سماء تتجاوزك. استشهد بعبارة من ويلد: “نحن جميعًا في الصرف، لكننا ننظر دائمًا إلى السماء.” إدوارد قال إن إبداعه على مدى الثلاثين عامًا الماضية تأثر بفنانين مختلفين، حتى لو كانت أعمالهم قديمة، إلا أن الأفكار والمعتقدات التي تحملها لن تزول مع مرور الوقت، واليوم، فعلياً، تعتبر أعماله المسرحية استمرارًا لتلك الأفكار.
“المسرح هو بيتي، ومحطة القطار، أعتقد أنه سيكون قبري أيضًا.”
منذ تأسيس فرقة “فيشانغ لين يي هوا” في عام 1991، وحتى الآن، لديها 64 عمل مسرحي، إدوارد قضى هذه السنوات العديدة مرتبطًا بالمسرح، فالمسرح ليس فقط وسيلة للعيش، بل أصبح جزءًا لا يتجزأ من حياته.
قال: “غالبًا ما نكون مليئين بالتفكير في الموت، ونشعر بقلق كبير حيال النهاية، ونعتقد أن كل شيء ينتهي في تلك النقطة النهائية، ولكن قيمة الإبداع تكمن في أنه لا يجب أن يكون هناك حدود، والنهاية ليست نهاية. تمامًا مثل رحيل فان جوخ منذ وقت طويل، لكن عندما نرى لونًا معينًا من الأزرق، لا يزال لدينا ذكريات به. ” لأن هناك إبداع، فإن الموت لم يعد مخيفًا، لأن الحياة تستمر دائمًا من خلال الأعمال التي تتركها خلفها.
عندما يعود إلى تجربته على خشبة المسرح على مدى العقود الماضية، يقول: “الأعمال هي المكان الذي يتركه الإنسان منذ ولادته حتى رحيله، إذا لم أشارك في المسرح، فإن الآثار التي تركتها اليوم قد لم تكن كما هي الآن. مؤخرًا، بمناسبة الذكرى الثلاثين للمسرح، قمت بفتح هذه الأعمال وإعادة مشاهدتها، وكانت تجربة مثيرة بالفعل. اكتشفت أنها يمكن أن تتصل جميعًا ببعضها البعض، والنتيجة هي خريطة، وهذه الخريطة هي هونغ كونغ.”
سبق له العمل في الخارج وعُرضت أعماله على مسارح مختلفة، واختار في النهاية إنشاء فرقة مسرحية في هذه الأرض التي نشأ فيها، وظل ملتزمًا بذلك لعدة عقود، هل كان وراء كل ذلك الحب؟ وما الذي قدمته له هذه المدينة من مواد إبداعية؟
إدوارد يعتقد أن هونغ كونغ قدمت له قدرات متنوعة، بالإضافة إلى تعلم اللغة، كان هناك إلهام ثقافي مختلف، ولكن الأهم من ذلك فرص الإبداع على المسرح. إذا كان قد اختار البقاء في مكان آخر في البداية، فإنه ربما لن يصل إلى هذا المستوى خلال الـ 30 عامًا. ولكنه يعترف أيضًا بأنه “يحب ويكره” هذه المدينة، حيث دخل عالم التلفزيون عندما كان عمره 17 عامًا ككاتب، ووقع عقدًا في سن 18، وغادر في سن 19، وبذلك انتهت مسيرته التلفزيونية القصيرة، لأنه اكتشف في ذلك الوقت أنه لا يحب الأشياء الشعبية. عندما عاد من المملكة المتحدة إلى هونغ كونغ في التسعينيات، اكتشف أن هونغ كونغ قد شهدت تغييرات جذرية، حيث امتلأت المجتمع بالمواد الاستهلاكية والترفيه السطحي والتعليم الأحادي الاتجاه. وقال: “لقد قضيت هذه الـ 30 عامًا في عدم السماح لقيم المجتمع المعتادة بتحديد مواقفي، بل في فهم علاقتها بنفسي ثم اتخاذ القرار.” ومع ذلك، فهو يدرك صعوبة الانحياز ضد التيار الرئيسي، ويتنهد قائلاً: “لذلك، من المؤكد أنك لن تكون محبوبًا هنا، لأنك لا تستطيع تقبل تلك القيم.”
في السنوات الأخيرة، عملت فرقة “فيشانغ لين يي هوا” مع فنانين وجماعات من وسائط متعددة ومدن مختلفة، لتطوير رؤية مبتكرة وكتابة جديدة للمسرح الصيني، على الرغم من أن الفن لم يكن أبدًا السائد في المجتمع، إلا أن هذه الأعمال الـ 64 بلا شك قد جلبت تأثيرًا كبيرًا للثقافة. كيف ينظر المخرج نفسه إلى هذه المرحلة من الفرقة؟
قال: “لقد رأى عدد قليل جدًا من الناس، لقد رأى عدد قليل جدًا من الأعمال الستين. قد لا يكون هذا الأمر الذي يمكنني تغييره ضمن إمكانياتي، لأنني منذ تأسيس المجموعة، وحتى الآن قمت بإنتاج أكثر من ستين عملًا، إذا كان هناك شخص ما يرغب في مشاهدتها جميعًا، ستتخيل الكثير من الأحداث التي حدثت فيها، فهي جميعًا تتعلق بي وبهذا المكان، تسجل كم كبير من مشاعري تجاه هذا المكان. ولكن ما إذا كانت هذه الأحداث ذات معنى لأي شخص، وما إذا كان لها معنى في المستقبل، ليس من اختصاصي تحديده، يمكنني فقط أن أفرح بأنها حدثت جميعًا، وأن الأحداث التي حدثت ترتبط بالعصر وقلوب الناس، فأشعر أن هذا هو هدية منحتها لنفسي وللآخرين في حياتي. بغض النظر عن الاعتبارات الواقعية، إن إنتاج عمل يلامس قلوب الناس يعتبر أعظم هدية للمبدع.”
شكرًا لـ “非常林奕华” على العروض المسرحية التي قدمها لنا على مر السنين، مما جعلنا نستعير وقتًا من المسرحية لنلتقي بالمبدعين على المسرح، ونتجاوز الزمان والمكان، ونتخيل المزيد عن الحياة. لولا ظهور هذه الأعمال الستين فأكثر، فإن عالم الفن اليوم قد لم يكن كما هو الآن، ولكن كل ما ظهر سيترك أثرًا. نتمنى للمسرحية مستقبلًا يمتد لثلاثين عامًا آخرى على الأقل، ليستمر المخرج في نحت النمو على المسرح، ولتصبح كل لقاء فرصة لتكوين صلة لا تُفسر.
المنتج التنفيذي: أنغوس موك
المنتج: فيكي واي
المحرر: روبي يو
تصوير الفيديو: آندي لي، كيني تشو
التصوير الفوتوغرافي: آندي لي، كيني تشو
محرر الفيديو: آندي لي
مصمم: إدوينا تشان
شكر خاص: إدوارد لام؛ تأجير مركز فنون هونغ كونغ.
