Su trabajo en el teatro siempre irradia un encanto único, a menudo tomando inspiración de obras literarias clásicas pero dándoles un giro innovador y fresco. Sus ideas pueden ser complejas, pero a la vez son memorables. Él es Stanley Kwan, un renombrado director de teatro de Hong Kong que, desde la fundación de la compañía «Stanley Kwan Productions» en 1991, ha creado más de 60 producciones teatrales en los últimos 30 años. Sus obras van más allá de simples actuaciones, sirviendo como una llave para que el público explore su propio ser, reflexione sobre la época, la comunidad y cómo enfrentarse a la vida.
Si la creación es un proceso solitario, la producción de una obra teatral puede ser una forma relativamente animada de hacerlo. Los actores se apresuran por el escenario, coordinando sonidos, luces, utilería, con posturas corporales que se convierten en líneas, emociones que se convierten en colores, haciendo que el escenario se convierta en una imagen llena de historias como un lienzo. Sin embargo, después de los aplausos y las luces de magnesio se apagan, ¿cómo ven los directores, acostumbrados a observar en las sombras, cada actuación? Para Lam Yik Wah, crear teatro es como pintar, la actuación es una imagen en movimiento y él es la persona detrás del pincel. Desde que se unió a la televisión a los 17 años como guionista de dramas, luego estudió en el extranjero y fundó su propia compañía teatral, él mismo dice que le gusta desafiarse a sí mismo. La creación de teatro nunca ha sido mainstream, pero para el enriquecimiento cultural de una ciudad, es indispensable.
En este episodio de «Viaje por la ciudad del arte», invitamos al director Lin Yihua a hablar con nosotros sobre su experiencia en la creación teatral, permitiéndonos encontrarnos con él fuera del teatro, escuchando atentamente cómo a través de sus obras escénicas guía a la audiencia a través del espacio y el tiempo, inspirando una mayor imaginación sobre el arte y la vida.
«No quiero que el público vea todo en el escenario, sino que vean una parte, imaginen una parte.»
Muchos creen que apreciar una obra de teatro implica observar la actuación de los actores, pero para Edward, lo importante es cómo crear un espacio imaginativo aún más grande que el escenario, en lugar de simplemente dirigir la obra. Él dice: «La mayor diferencia entre el cine y el teatro no radica solo en los primeros planos de la cámara, o en la capacidad de cambiar rápidamente de tiempo, ya que el teatro también puede cambiar el tiempo con la iluminación, los movimientos de los actores son la edición de una toma, la diferencia radica en cómo el director de escena ve el ‘tiempo’ como tiempo, el ‘espacio’ como espacio». Mientras que otros desean que el enfoque en el escenario se centre en la expresión verbal, Edward ya ha trascendido el marco en sí mismo, esperando inspirar al público a nivel de pensamiento. El espacio escénico ya no es una limitación, sino que puede ofrecer a la audiencia un área de imaginación más amplia. Él dice: «Espero que lo que vean los espectadores en el escenario no sea solo esto grande, sino aún más grande».
Basado en su experiencia previa en trabajos detrás de escena en series de televisión, películas y teatro, bromea diciendo que es un «director de teatro que filma películas como si estuviera filmando una obra de teatro». Dado que ha incursionado en diferentes formas de creación, todos nos preguntamos cuál prefiere. Edward menciona que solía pensar que la producción de películas se centraba en la colaboración técnica, mientras que el teatro era más relajado, ya que la atención se centraba en la distancia entre los actores y el público. Sin embargo, con el avance de la tecnología, la creación teatral también debe abordar problemas como la iluminación y el diseño escénico, por lo que el director no solo debe considerar cómo dirigir la obra, sino también presentarla de manera integral en el escenario, brindando a la audiencia una experiencia visual óptima, incluso permitiéndoles verla de manera multisensorial, lo que gradualmente hace que la diferencia entre ambas formas no sea tan grande.
Sin embargo, Edward sabe que la audiencia no puede absorber toda la información de producción en esta breve narrativa visual de una o dos horas, pero mientras el público esté sentado en la audiencia concentrado en la actuación de los actores, esos momentos ya son perfectos. Quizás él mismo no pueda responder qué forma de expresión prefiere, ya que todo es una búsqueda de forma, esperando que los espectadores encuentren empatía y se conozcan a través de la obra, eso es lo que realmente valora.
«Todos mis trabajos anteriores tienen un tema central, que es el crecimiento.»
Las obras de Edward abarcan desde adaptaciones de obras clásicas hasta una amplia variedad de temas como la vida urbana moderna y las relaciones interpersonales. Sin importar si sus obras abarcan el pasado o el presente, todas están relacionadas con el «crecimiento». A lo largo de la vida, todos enfrentamos muchos desafíos, y es a través de enfrentar obstáculos, reevaluar nuestras creencias y cambiar, que poco a poco nos transformamos en verdaderos «adultos». Edward comparte que disfruta interactuar con los estudiantes en la escuela, ya que no están tan limitados por formas de pensamiento preestablecidas, y siempre encuentra inspiración en ellos durante el proceso de comunicación. Como director experimentado, afirma que no puede permitir que los estudiantes lo perciban como autoritario, sino que debe romper las barreras de la jerarquía y comunicarse en igualdad de condiciones para que realmente puedan intercambiar ideas. Es precisamente por su enfoque en la comunicación bidireccional, su constante curiosidad y preocupación por los demás, que logra acumular diversas inspiraciones creativas a través de la observación y la interacción.
Sin embargo, la inspiración no se encuentra simplemente buscándola, Edward cree que los creadores deben primero saber qué necesitan, dónde están sus deficiencias, tener empatía por los demás, para poder discernir qué puede convertirse en inspiración y nutrición para la creación. Él bromea diciendo que aún necesita seguir creciendo, y este tipo de comunicación directa con los demás permite que ambos se conozcan mejor, o incluso aprendan algunas cualidades que les faltan de los demás.
«Espero que el público pueda verse a sí mismo en la obra.»
Al mirar hacia atrás en su trabajo creativo, muchas de sus obras son adaptaciones de clásicos, desde «El sueño en el pabellón rojo» hasta «Historias de fantasmas de un estudio de ocio», «El cuaderno del ala oeste», «El agua marginada», «Viaje al oeste», «La señora Packletide», entre otros. Edward logra adaptar obras de diferentes géneros en obras teatrales. ¿Cuál es la parte más difícil de llevar estas historias clásicas al escenario? Él dice: «Desde el texto hasta el espacio, lo más difícil es hacer que la obra te hable, aprender a conversar con la obra ha sido mi mayor logro hasta ahora». Su enfoque creativo no se trata de remodelar los clásicos, sino de extraer el núcleo de pensamiento de los clásicos y extender esas ideas al presente. Él menciona: «Estos textos tienen partes internas y externas, lo externo se refiere a la sociedad y la época de entonces, lo interno se refiere a las emociones, una vez que entiendes las emociones, no es fácil que las barreras y muros te impidan conectar con el texto». Por lo tanto, puede comparar «Historias de fantasmas de un estudio de ocio» con la película extranjera «Historia de un matrimonio», sin importar el origen cultural, sin importar la época, ciertas emociones y relaciones humanas son universales.
Edward a menudo desafía las formas de representación del tiempo, el espacio y el género en sus obras, como en su actuación «Bao Yu, Hello» en el espacio libre de West Kowloon en septiembre. En la obra, dos actores actúan juntos a través del espacio, permitiendo que el público se mueva libremente por el teatro, subvirtiendo los modelos tradicionales de actuación y experiencia de visualización. Ante esta forma innovadora de actuación, no todos necesariamente comprenden las sutilezas y profundidades de la obra. Para los creadores teatrales, la cuestión de si el público puede entender el mensaje de la obra es un tema constante. ¿Qué impacto pueden tener sus propias obras en los demás?
Él dijo: «En realidad se trata de emociones, espero que los espectadores se vean a sí mismos, es decir, que después de ver la obra, tengan más reservas sobre sí mismos antes de entrar, y luego pasen más tiempo hablando consigo mismos». Él cree que aunque los espectadores no lo admitan, en realidad todos anhelan verse a sí mismos en la actuación, y continuó diciendo: «La capa más superficial es la identificación, las obras populares suelen hacer que los espectadores vean su yo ideal, por lo que se sienten bien consigo mismos. La segunda capa es cuando los espectadores ven sus propios problemas y comienzan a reflexionar. La tercera capa es comprender los problemas, aceptar que tienen problemas, y comenzar a buscar un cambio, sin buscar respuestas de los demás, sino buscando un cambio en sí mismos». Si una obra puede dar a los espectadores la oportunidad de volver a conocerse a sí mismos, es algo realmente valioso.
«Cada vida es limitada, pero la creatividad puede llevarnos de una creencia a otra, de una vida a otra.»
Las actuaciones teatrales permiten que el espacio se extienda hasta el infinito, al igual que la creencia. Quizás sea precisamente por sentir insatisfacción con el presente y esperanza en el futuro que Edward, a través de su creatividad, busca descubrir más posibilidades. Él considera que las experiencias decepcionantes son el terreno fértil de los artistas, ya que al enfrentarnos a diversas emociones de desilusión, dolor y soledad en la vida, construimos imaginarios de belleza que dan lugar a la creación artística. Él piensa que si la vida nunca nos decepcionara y solo experimentáramos cosas buenas, esas personas no podrían convertirse en artistas interesantes. En la vida de cada persona siempre hay amor y dolor entrelazados, y todos recurrimos al arte para sanar. Solo cuando lo bello y lo desolado se entrelazan, la vida se vuelve completa.
Edward compartió con nosotros una teoría única sobre la «vida de amor no correspondido», que consiste en esperar y admirar todo, y creer siempre en un cielo más alto que uno mismo. Citó una frase de Oscar Wilde: «Estamos todos en el fango, pero siempre mirando hacia las estrellas». Edward dijo que sus treinta años de creación han sido influenciados por diferentes artistas, y aunque sus obras son antiguas, las ideas y creencias que contienen no envejecen con el tiempo, y su trabajo escénico actual también hereda esas ideas.
El escenario es mi hogar, la estación de tren, supongo que también será mi tumba.
Desde la fundación de la compañía teatral «Edward Lam Dance Theatre» en 1991, se han producido un total de 64 obras teatrales. Durante estas décadas, la vida de Edward ha estado estrechamente ligada al escenario, convirtiéndose no solo en su sustento, sino también en su verdadero hogar.
Él dijo: «A menudo estamos llenos de pensamientos sobre la muerte, ansiosos por el final, sintiendo que todo termina en ese punto final, pero el valor de la creación radica en que no impone límites, que el final es el final. Como Van Gogh se fue hace mucho tiempo, pero cuando vemos cierto tono de azul, todavía pensamos en él.» Porque con la creación, la muerte ya no es aterradora, porque la vida continúa eternamente a través de las obras que dejamos atrás.
Mirando hacia atrás en décadas de experiencia en el escenario, dijo: «Una obra es el lugar donde una persona deja huella desde que nace hasta que se va, si no hubiera estado involucrado en el teatro, las huellas que dejo ahora podrían no ser las mismas. Recientemente, debido al 30 aniversario de la compañía teatral, desempaqué estas obras y las volví a ver, y la verdad es que fue emocionante. Descubrí que todas pueden unirse en una línea, y lo que se forma es un mapa, y ese mapa es Hong Kong.»
Anteriormente había desarrollado su carrera en el extranjero, sus obras también se habían representado en diferentes lugares, pero al final decidió establecer su propia compañía teatral en la tierra que lo vio crecer, dedicándose en silencio durante décadas. ¿Estaba todo motivado por amor? ¿Qué inspiración creativa le ha proporcionado esta ciudad?
Edward siente que Hong Kong le ha brindado habilidades diversas, no solo en el aprendizaje del idioma, sino también en inspiración cultural y, lo más importante, oportunidades en la creación escénica. Si hubiera elegido desarrollarse en otro lugar en un principio, es posible que no hubiera logrado lo que ha logrado en estos 30 años. Sin embargo, también admite tener sentimientos encontrados hacia esta ciudad, recordando que a los 17 años ingresó como guionista en la televisión, firmó un contrato a los 18 y se fue a los 19, poniendo fin a su breve carrera en la televisión porque descubrió que no le gustaban las cosas populares en ese entonces. Desde que regresó de Inglaterra a Hong Kong en la década de 1990, notó cambios drásticos en la ciudad. Con la sociedad llena de materialismo, entretenimiento superficial y educación unidireccional, nunca se sintió cómodo con la decadencia que veía a su alrededor. Él dice: «Durante estos 30 años, he estado desafiando constantemente los valores convencionales, tratando de comprender su relación conmigo y luego tomando decisiones». Pero entiende las dificultades de nadar contra la corriente en la corriente principal, lamentando: «Por eso, nunca serás muy popular aquí, porque no puedes abrazar esos valores».
En estos años, el grupo teatral «Feichang Lin Yihua» ha colaborado con artistas y grupos de diferentes ciudades y medios de comunicación para abrir nuevas perspectivas en el teatro chino. A pesar de que el arte nunca ha sido mainstream en la sociedad, estas 64 obras sin duda han tenido un gran impacto en el mundo cultural. ¿Cómo ve el director al grupo teatral en esta etapa?
Él dijo: «Hay muy pocas personas que han visto estas más de 60 obras. No necesariamente es un hecho que pueda cambiar dentro de mi alcance, porque desde la fundación del grupo hasta ahora he hecho más de 60 obras. Si alguien está dispuesto a verlas todas, podrías imaginar que muchas cosas han sucedido en ellas, todas relacionadas conmigo mismo y con este lugar, registrando cuánto siento por este lugar. Pero qué significado tienen estas experiencias para las personas, si tienen algún significado para el futuro, no es algo que pueda decidir, solo puedo alegrarme de que hayan ocurrido y de que lo que sucedió se relacione con la época y los corazones de las personas, siento que es un regalo para mí y para los demás en mi vida». Crear obras que conecten con el corazón de las personas, sin tener en cuenta consideraciones de la realidad, ya es el mayor regalo para un creador.
Gracias a «非常林奕華» por presentarnos teatro durante todos estos años, permitiéndonos tomar prestado un momento en el escenario para encontrarnos con los creadores, cruzando espacio y tiempo, y expandiendo nuestra imaginación sobre la vida. Sin la aparición de estas más de sesenta obras, el mundo artístico de hoy no sería como lo conocemos, pero todo lo que ha aparecido dejará una huella. Que la compañía de teatro tenga muchos más 30 años por delante, permitiendo que los directores sigan esculpiendo su crecimiento en el escenario, y que cada encuentro se convierta en un destino inexplicable.
Productor Ejecutivo: Angus Mok
Productor: Vicky Wai
Editor: Ruby Yiu
Videografía: Andy Lee, Kenny Chu
Fotografía: Andy Lee, Kenny Chu
Editor de Video: Andy Lee
Diseñador: Edwina Chan
Agradecimientos Especiales: Edward Lam ; Alquiler de Espacio en el Centro de Artes de Hong Kong
