Le sue creazioni teatrali sono sempre permeate da un fascino unico, attingendo spesso a opere letterarie classiche ma rivoluzionandole con nuove e infinite idee. I suoi concetti sono complessi ma allo stesso tempo avvincenti. Lui è Lin Yihua, un famoso regista teatrale di Hong Kong. Dal 1991, anno in cui ha fondato il “Very Lin Yihua” Theatre, ha prodotto oltre 60 opere teatrali in 30 anni. Le sue opere vanno ben oltre una semplice performance, sono un invito per il pubblico a esplorare se stessi, a riflettere sul tempo, sulla comunità e su come affrontare la vita.
Se la creazione è un processo solitario, allora produrre un’opera teatrale potrebbe essere un modo relativamente vivace. Gli attori si affannano sul palco, si coordinano con suoni, luci, oggetti, le posture del corpo si trasformano in linee, le emozioni rendono i colori brillanti, facendo sì che il palco si presenti come un’immagine ricca di storie come una tela. Tuttavia, dopo gli applausi, le luci si spengono, come affronta ogni spettacolo il regista abituato ad osservare nell’ombra? Per Lam Yik Wah, creare teatro è anche dipingere, la performance è un’immagine in movimento e lui è la persona che manovra dietro le quinte. Entrato a far parte del mondo del teatro a 17 anni come sceneggiatore di serie TV, poi andato a studiare all’estero e fondato la propria compagnia teatrale, si descrive come una persona che ama sfidare se stessa. La creazione di opere teatrali non è mai stata di massa, ma per la cultura di una città è essenziale.
Questo episodio di “Viaggio nella città dell’arte” invita il regista Lin Yihua a parlare con noi della sua esperienza nella creazione teatrale, permettendoci di incontrarlo al di fuori del teatro, ascoltando attentamente come utilizza le sue opere teatrali per guidare il pubblico attraverso spazio e tempo, scatenando più immaginazione sull’arte e sulla vita.
“Non voglio che il pubblico veda tutto sul palco, ma che vedano solo una parte, immaginino una parte.”
Molte persone pensano che apprezzare uno spettacolo teatrale significhi guardare le abilità degli attori, ma per Edward, ciò che conta di più è come creare uno spazio immaginario più grande del palcoscenico, piuttosto che limitarsi a dirigere la scena. Egli afferma: “La differenza più grande tra il cinema e il teatro non risiede solo nel fatto che il cinema ha primi piani o può cambiare rapidamente il tempo, perché anche il teatro può cambiare il tempo con le luci, e il movimento degli attori è la regia di una scena, la differenza sta nel modo in cui il regista teatrale considera il ‘tempo’ come tempo e lo ‘spazio’ come spazio.” Mentre gli altri desiderano che l’attenzione sul palco si concentri sull’espressione verbale, Edward è già al di là del concetto stesso, sperando che il pubblico possa essere ispirato a livello di pensiero. Lo spazio teatrale non è più un limite, ma può offrire al pubblico un’area di immaginazione più vasta, egli afferma: “Spero che il palco che il pubblico vede non sia solo così grande, ma sempre più grande.”
Basato sul suo passato coinvolgimento nel lavoro dietro le quinte di serie TV, film e teatro, scherza dicendo di essere un “regista teatrale che gira film per il teatro”. Dato che ha sperimentato diversi modi di creare, siamo tutti curiosi di sapere quale preferisca. Edward ha detto che in passato pensava che la produzione cinematografica richiedesse una collaborazione tecnica, mentre il teatro fosse più rilassato, poiché l’attenzione era focalizzata sulla distanza tra attori e spettatori. Ma con l’avanzare della tecnologia, la creazione teatrale deve affrontare questioni come luci e scenografie, e il regista non può concentrarsi solo sulla direzione, ma deve presentare un’esperienza visiva completa sul palco per il pubblico, persino portandoli a guardare con più sensi, rendendosi conto che in realtà le differenze tra i due modi non sono così grandi.
Tuttavia, Edward sa bene che il pubblico non può assorbire tutte le informazioni sulla produzione in questa breve narrazione visiva di una o due ore, ma basta che in quel momento il pubblico seda in platea concentrato sulla recitazione degli attori, quei istanti sono già perfetti. Forse non sa nemmeno lui quale tipo di espressione preferisce di più, perché tutto ciò è una ricerca di forma, spera che gli spettatori possano trovare empatia e conoscenza di sé stessi attraverso l’opera, che è ciò che gli interessa.
“Il tema centrale di tutti i miei lavori passati è stato la crescita.”
Le opere di Edward spaziano dalla rielaborazione di classici a una vasta gamma di temi che riguardano la vita moderna in città, le relazioni interpersonali e così via. Tuttavia, indipendentemente dall’epoca o dalla tematica, tutte le sue opere sono legate alla “crescita”. Durante la vita, ci troviamo ad affrontare molte sfide e diventiamo veri “adulti” attraverso fasi come scontrarsi con ostacoli, riconsiderare le nostre convinzioni, cambiare e così via. Edward condivide il suo amore per l’insegnamento e l’interazione con gli studenti, poiché non sono facilmente influenzati da schemi di pensiero preesistenti e spesso lo ispirano durante le conversazioni. Come regista esperto, ritiene che sia fondamentale abbattere le barriere di ruolo con gli studenti per favorire una vera comunicazione e scambio di idee. La sua curiosità e premura verso gli altri, unite alla sua attenzione al dialogo bidirezionale, gli permettono di accumulare ispirazione creativa attraverso l’osservazione e la comunicazione.
Tuttavia, l’ispirazione non si trova semplicemente, Edward ritiene che gli artisti devono prima capire di cosa hanno bisogno, dove sono carenti, avere empatia per gli altri, per poter distinguere quali ispirazioni e nutrimenti possono essere utilizzati per creare. Scherza sul fatto che deve ancora crescere e che questo tipo di comunicazione diretta con gli altri permette loro di capirsi reciprocamente, imparando qualcosa di essenziale che manca in loro stessi dagli altri.
“Spero che il pubblico possa vedersi nei miei lavori.”
Guardando al passato delle sue opere, molte sono adattamenti da classici letterari come “Sogno della camera rossa”, “Storie straordinarie dello studio di chiacchiere”, “Il padiglione occidentale”, “Il brigante dai capelli bianchi”, “Il viaggio in Occidente”, “La signora delle camelie” e altri. Edward è in grado di adattare opere di diversi generi in spettacoli teatrali. Qual è la parte più difficile nel trasformare queste storie classiche in opere teatrali? Lui dice: “Dal testo allo spazio, la cosa più difficile è far sì che l’opera ti parli, imparare a conversare con l’opera è stata la mia più grande conquista fino ad ora.” La sua creazione non riguarda mai il rifacimento dei classici, ma piuttosto l’estrazione del nucleo di pensiero dai classici e l’estensione di tali idee al presente. Lui dice: “Questi testi hanno una parte esterna e una interna, l’esterno si riferisce alla società e all’epoca dell’epoca, l’interno si riferisce alle emozioni, una volta che capisci le emozioni, non è facile che quelle spesse mura divisorie ti impediscano di connetterti con il testo.” Perciò può paragonare “Storie straordinarie dello studio di chiacchiere” al film straniero “Storia di un matrimonio”, senza riguardo per oriente e occidente, senza riguardo per l’epoca, certe emozioni e relazioni umane sono universali attraverso le generazioni.
Edward spesso sfida il tempo, lo spazio e il modo in cui il genere è rappresentato nelle sue opere, come nel recente spettacolo “Bao Yu, Ciao” tenutosi a settembre presso lo spazio libero di West Kowloon. Con due attori che recitano insieme da luoghi separati e con il pubblico libero di muoversi nello spazio teatrale, si ribalta il tradizionale modello di performance e di esperienza di visione. Di fronte a un approccio così innovativo alla performance, non tutti possono cogliere le sottili idee e significati dell’opera. Per i creatori teatrali, la questione se il pubblico possa comprendere il messaggio dello spettacolo rimane una sfida costante. Alla fine, cosa preoccupa di più gli artisti teatrali è l’impatto che le proprie opere possono avere sugli altri?
Lui ha detto: “In realtà si tratta di emozioni, spero che gli spettatori vedano se stessi, intendo che dopo aver visto lo spettacolo, spero che vedano un po’ più di riserva in loro stessi prima di entrare, quindi passeranno più tempo a dialogare con se stessi.” Ha notato che anche se gli spettatori non lo ammettono, in realtà ognuno desidera vedere se stesso nella performance, ha continuato dicendo: “Il primo livello è l’identificazione, le performance popolari faranno sì che gli spettatori vedano la propria immagine ideale, facendoli sentire bene con se stessi. Il secondo livello è quando gli spettatori vedono i propri problemi, iniziano quindi a riflettere. Il terzo livello è capire i problemi, accettare di avere dei problemi, inizi a non cercare risposte, non chiedere agli altri, ma cerchi un cambiamento.” Se un’opera dà agli spettatori l’opportunità di riscoprire se stessi, è davvero un’occasione preziosa.
Ogni vita è limitata, ma la creatività può portare da una convinzione all’altra, da una vita all’altra.
Le performance teatrali permettono allo spazio di estendersi all’infinito, così come la fede. Forse è proprio a causa di un senso di insoddisfazione attuale e di speranza per il futuro che Edward, attraverso la sua creatività, cerca di scoprire nuove possibilità. Egli crede che le esperienze deludenti siano il terreno fertile per gli artisti, poiché solo affrontando delusioni, dolori e solitudine nella vita possiamo costruire immagini di bellezza e generare opere d’arte. Se la vita non ci avesse mai deluso e avessimo solo esperienze positive, allora quelle persone non potrebbero diventare artisti interessanti. Ognuno di noi vive tra amore e dolore, e troviamo conforto nell’arte, dove la ricchezza e l’aridità si intrecciano, rendendo la vita completa.
Edward ha condiviso con noi una teoria unica sulla “vita unilaterale”, che consiste nell’aspettarsi e ammirare tutto, e nel credere sempre che ci sia un cielo più alto di noi stessi. Ha citato una frase di Oscar Wilde: “Siamo tutti nel fango, ma guardiamo sempre le stelle”. Edward ha detto che i suoi trent’anni di creazioni sono stati influenzati da diversi artisti, anche se le loro opere sono ormai vecchie, le idee e le convinzioni che trasmettono non invecchiano mai nel tempo, e oggi le sue creazioni teatrali sono in realtà un’estensione di queste idee.
Il palcoscenico è la mia casa, la stazione ferroviaria, immagino che sarà anche la mia tomba.
Dal 1991, anno della fondazione della compagnia teatrale “Edward Lin Yihua”, sono state create ben 64 opere teatrali. La vita di Edward negli ultimi decenni è stata strettamente legata al palcoscenico, che non è solo un sostegno per lui, ma da tempo è diventato la sua casa.
Lui ha detto: “Spesso siamo pieni di pensieri sulla morte, ansiosi per la fine, pensando che tutto si concluda lì, ma il valore della creazione sta nel fatto che non limita i limiti, non conclude le conclusioni. Come Van Gogh è andato da tempo, ma quando vediamo un certo tipo di blu, continuiamo a pensare a lui.” Grazie alla creazione, la morte non è più spaventosa, perché la vita continua per sempre attraverso le opere lasciate dietro di sé.
Guardando indietro agli ultimi decenni di esperienza teatrale, ha detto: “Le opere sono il luogo in cui una persona lascia il segno dal momento della nascita fino alla sua partenza. Se non avessi partecipato al teatro, i segni che ho lasciato potrebbero non essere quelli attuali. Di recente, a causa del trentesimo anniversario della compagnia teatrale, ho riaperto queste opere per rivederle, ed è stato emozionante. Ho scoperto che possono tutte collegarsi e formare una linea, e ciò che emerge è una mappa, e questa mappa è Hong Kong.”
In passato ha lavorato all’estero, le sue opere sono state rappresentate in diversi luoghi, ma alla fine ha scelto di fondare una compagnia teatrale nella terra che lo ha visto crescere, lavorando silenziosamente per decenni. Dietro a tutto questo c’è solo amore? E che cosa ha offerto questa città alla sua creatività?
Edward ritiene che Hong Kong gli abbia offerto capacità non solo linguistiche, ma anche ispirazioni culturali diverse, e soprattutto opportunità nella creazione teatrale. Se avesse scelto di svilupparsi altrove, potrebbe non aver raggiunto lo stesso livello di esperienza di questi ultimi 30 anni. Tuttavia, ammette di avere un rapporto di “amore e odio” con questa città, ricordando di essere entrato nel mondo del teatro a 17 anni come sceneggiatore, aver firmato un contratto a 18 anni e aver lasciato a 19 anni, ponendo fine alla sua breve carriera televisiva perché aveva già capito di non amare le cose commerciali. Tornato a Hong Kong dagli anni ’90 dopo aver vissuto in Inghilterra, ha notato un cambiamento radicale nella città, con la società dominata da materialismo, gossip, intrattenimento superficiale e un’istruzione unidirezionale, che non riusciva ad accettare appieno. Ha detto: “Negli ultimi 30 anni ho sempre fatto una cosa, ovvero non farmi limitare dai valori convenzionali, ma capirli e poi fare le mie scelte.” Tuttavia, sa bene quanto sia difficile andare controcorrente nel mainstream, e si è lamentato: “Quindi è inevitabile che tu non sia molto apprezzato qui, perché non riesci ad abbracciare quei valori.”
Negli ultimi anni, la compagnia teatrale “Very Lin Yihua” ha collaborato con artisti e gruppi di diverse città e media, scrivendo nuovi aspetti del teatro cinese con una visione innovativa. Anche se l’arte non è mai stata il mainstream della società, queste 64 opere hanno indubbiamente avuto un grande impatto nel mondo culturale. Come vede il regista stesso questa fase della compagnia teatrale?
Lui ha detto: “Troppo poche persone hanno visto, troppo poche persone hanno visto queste oltre 60 opere. Questo potrebbe non essere un fatto che posso cambiare nel mio raggio d’azione, perché ho realizzato queste oltre 60 opere dal momento in cui ho fondato il gruppo fino ad ora. Se qualcuno fosse disposto a guardarle tutte, potresti immaginare che siano accadute molte cose al loro interno, tutte legate a me stesso, a questo luogo, registrano quante emozioni ho per questo luogo. Ma quali di queste cose accadute abbiano significato per chi, se abbiano significato per il futuro, non è qualcosa che posso decidere, posso solo essere grato che siano accadute e che le cose accadute siano collegate all’epoca e ai cuori delle persone, sento che questo è un regalo che ho fatto a me stesso e agli altri nella mia vita.” Realizzare opere che toccano il cuore è il regalo più grande per un creatore, indipendentemente dalle considerazioni sulla realtà.
Grazie a “非常林奕華” per averci regalato tanti spettacoli in questi anni, che ci permettono di incontrare gli artisti sul palco per un breve momento, superando spazio e tempo, arricchendo la nostra immaginazione sulla vita. Senza la comparsa di queste oltre sessanta opere, il mondo dell’arte potrebbe non essere quello che è oggi, ma tutto ciò che è apparso lascerà comunque un segno. Auguriamo al teatro altri 30 anni di successi, affinché il regista possa continuare a scolpire il palco e ogni incontro possa trasformarsi in un destino inspiegabile.
Produttore Esecutivo: Angus Mok
Produttore: Vicky Wai
Editor: Ruby Yiu
Videografia: Andy Lee, Kenny Chu
Fotografia: Andy Lee, Kenny Chu
Montaggio Video: Andy Lee
Designer: Edwina Chan
Ringraziamenti Speciali: Edward Lam ; Noleggio Spazio presso il Centro Artistico di Hong Kong
