Ayant travaillé dans l’industrie cinématographique pendant plus de quarante ans, le réalisateur Kwan King-Pang a créé de nombreux chefs-d’œuvre légendaires pour l’industrie cinématographique de Hong Kong. Dès son premier film « Les Sentiments d’une Femme », il a montré son talent pour saisir les caractéristiques des « émotions féminines ». « Amour souterrain », « La Boucle Écarlate », « Ruan Lingyu », « Les Roses Rouges et Blanches », « Lan Yu », « Chanson de Long Regret » sont devenus des classiques du cinéma chinois. Ses œuvres ont été nominées pour de grands prix dans des festivals internationaux tels que Berlin et Venise, et ont reçu des reconnaissances aux Golden Horse Awards et aux Hong Kong Film Awards, établissant ainsi son influence dans l’industrie cinématographique chinoise.
Pendant l’âge d’or du cinéma hongkongais dans les années 80, les films mêlant arts martiaux et comédie étaient très populaires. Le réalisateur Tsui Hark avait déjà brisé les conventions esthétiques du cinéma hongkongais en insistant sur le développement des personnages. Sous sa direction, que ce soit des histoires d’amour hétérosexuelles, des relations homme-femme ou même des relations homosexuelles, chaque scène était raffinée et émouvante, authentique.
Naturellement émotif, il a créé de nombreux personnages emblématiques au cinéma : Anita Mui et Leslie Cheung dans « Rouge », une histoire d’amour pleine de regrets qui a marqué l’histoire du cinéma, Maggie Cheung dans le rôle de l’actrice muette Ruan Lingyu, devenant la première actrice chinoise à remporter le prix d’interprétation à la Berlinale, « Lan Yu » et son histoire d’amour homosexuelle subtile et délicate, devenant un jalon dans le cinéma LGBTQ+ chinois. Cependant, quel que soit le contexte des films, Wong Kar-wai reste profondément attaché à Hong Kong et à la jeunesse actuelle. Ces dernières années, il enseigne à l’université, transmettant sa passion pour le cinéma par l’éducation.
À l’occasion de la restauration en 4K de plusieurs films du réalisateur Guan Jinpeng l’année dernière, qui ont été progressivement diffusés à nouveau dans les cinémas, cet épisode de « Chroniques de l’art » invite le réalisateur Guan à discuter avec nous de ses nombreuses années dans le monde du cinéma. Tout commence par « l’amour », voyez comment il parvient à dépeindre des histoires d’amour délicates et émouvantes à travers ses films, et comment il exprime ses sentiments pour cette ville à travers ses œuvres.
« Être réalisateur, c’est souvent être à la fois masculin et féminin. »
En revisitant les œuvres passées de Guan, les films combinent l’aspect artistique et littéraire, mais ce qui ressort le plus dans ses films est chaque personnage en trois dimensions. De la passionnée Ru Hua, à l’innocent et inexpérimenté Lan Yu, en passant par le mystérieux et tourmenté Wang Qiyao, chacun possède une riche caractérisation, au point de sembler vivant en dehors du film, ces personnages sont si vivants et réels qu’ils semblent avoir réellement existé dans nos vies.
Pouvoir capturer avec précision les subtils sentiments de chaque personnage à travers l’objectif, nous sommes curieux de savoir quelles qualités personnelles le réalisateur possède pour l’aider à façonner les personnages de film.
Flashback en 1996, lorsqu’il a réalisé un documentaire sur le centenaire du cinéma chinois pour l’Association britannique du cinéma, revisitant l’histoire du cinéma des deux côtés du détroit et abordant les questions de genre dans le cinéma chinois, notamment en discutant avec le réalisateur de « Adieu ma concubine », Chen Kaige, affirmant que pour un réalisateur, il devrait être « androgynous ». Le réalisateur Guan Hu a avoué : « Même si je n’avais pas encore révélé publiquement mon identité homosexuelle à l’époque, j’étais très conscient de mon orientation sexuelle, je pense que cette identité m’a donné beaucoup de sensibilité et de perspicacité féminines. » Plus tard, revenant du cinéma à sa propre personne, il a pour la première fois abordé avec sa mère son identité homosexuelle, faisant face ouvertement à l’unicité que cette identité lui confère.
Peut-être que la plupart des gens penseraient que les réalisateurs de films dégagent une aura d’autorité et de distance, cependant, le réalisateur devant nous, parlant avec élégance et calme, dégage une aura douce et stable, tout comme les personnages sous son objectif, ni pressés ni lents, avec leur propre rythme tranquille. Cette caractéristique de « hermaphrodisme » est en fait présente depuis longtemps dans les œuvres de Guan. Il peut si délicatement saisir la douceur féminine, simplement parce que son propre cœur traverse ces dilemmes et émotions. Plus tard, ces « femmes » se retrouvent chacune dans des chapitres d’histoires différents, de la douceur envoûtante à la détermination courageuse, toutes laissant une impression profonde.
Si le cinéma est une extension de la vie pour le réalisateur, combien de « soi » a-t-il vraiment investi dans son œuvre, et a-t-il déjà essayé d’intégrer certaines de ses expériences de vie dans la création cinématographique ?
Il nous a partagé : « Ce n’est peut-être pas nécessairement de transposer toute une affaire dans un film, mais peut-être de retranscrire les émotions déclenchées par quelque chose, ou envers une personne, un personnage, voire même une sensation d’espace. Cela peut sembler banal, mais je pense que c’est plus une question de ‘ressenti’, quelque chose que j’ai en mémoire, ou que j’observe dans la vie, auquel j’ajoute un peu d’imagination créative. » En commençant par observer le quotidien, le réalisateur estime que la vie peut toujours lui apporter l’inspiration et l’impulsion nécessaires à sa création.
Le rôle du scénariste est très important car tout part du scénario, et ma demande est que les personnages passent en premier.
De l’inspiration à la naissance d’un film complet, il faut rassembler les forces de nombreuses personnes. Entre la création du scénario, la direction artistique, la conception des costumes, le casting des acteurs, la post-production, etc. Alors, dans l’esprit du réalisateur de cinéma, comment les réalisateurs, scénaristes et acteurs devraient-ils coopérer pour façonner ensemble un bon personnage de film ?
Le réalisateur Guan a partagé : « En fait, depuis le premier film ‘Women’s Heart’, j’ai toujours mis les personnages en premier. Une fois que les personnages sont établis, le scénariste et moi comprenons les relations entre les personnages, nous faisons beaucoup de recherches, puis nous réfléchissons à ce qui se passera après leur collision. Que ce soit de l’amour ou des conflits, il y a toujours une raison, vous comprendrez pourquoi ce personnage a de telles pensées, de tels comportements. »
Par conséquent, lorsque « Heart of a Woman » a été confirmé avec Chow Yun-fat, Miu Kiu-man et Chung Chuhung dans les rôles principaux, le scénariste Qiu Gangjian a rassemblé diverses informations sur les acteurs, les décors, l’environnement, etc., tandis que le réalisateur a également fourni de nombreuses données pertinentes. Leur collaboration étroite visait à rendre chaque personnage de l’histoire riche et complet. Bien que le réalisateur Guan soit une personne sensible et délicate, sa créativité est rationnelle et claire. Plutôt que de rechercher des rebondissements spectaculaires, il cherche davantage à façonner des personnages authentiques et sincères.
En parlant de son film le plus acclamé, « Rouge », bien qu’il soit adapté du roman éponyme de Li Bihua, le réalisateur et le scénariste ont apporté beaucoup d’efforts à la caractérisation des personnages. Il a déclaré : « Le personnage de Ruhua était déjà très intéressant dans le roman d’origine, mais l’histoire se concentre davantage sur son attente désespérée des Douze Jeunes, mettant en valeur la vision de l’amour des jeunes hommes et femmes des années 80 incarnés par Wanziliang et Zhubao. Mais pour moi et Qiu Gangjian, il s’agit d’un film d’amour, pas d’un film d’horreur. C’est pourquoi j’ai mis l’accent sur les années 30, sur l’histoire poignante et passionnée entre les Douze Jeunes et Ruhua. »
Comme un rêve de lune, des fleurs insaisissables, le réalisateur et le scénariste ont saisi ce point, en accord avec l’image changeante de « Anita Mui », montrant les multiples facettes des vêtements masculins, féminins, du maquillage léger et prononcé, permettant aux personnages de se rapprocher des acteurs et aux acteurs d’incarner pleinement les personnages.
Cinquante ans de serment se transforment en mots de fumée, et la beauté sous le miroir finit par découvrir que son cœur éperdu a été mal placé, partant tristement. Ainsi, une histoire de revenante féminine se transforme en un amour tragique et poignant. Au milieu de cette relation pleine de soupirs et de déceptions, le courage d’aimer et de haïr de la beauté continue de hanter le cœur de cette génération. Les personnages avancent, en général, pour que les rôles entrent d’abord dans la mémoire des spectateurs.
En tant que réalisateur, il est vraiment important de comprendre le concept de « à la fois proche et lointain, à la fois lointain et proche ».
Dans n’importe quelle forme d’art, il est tout à fait acceptable pour un créateur de mettre ses émotions personnelles dans son œuvre. Cependant, pour un réalisateur de cinéma, il est nécessaire de garder une certaine distance avec son œuvre. Le réalisateur regarde les acteurs derrière la caméra, semblant être un observateur, mais en réalité il est aussi celui qui dirige les émotions des personnages. Puisque l’œuvre découle de la réflexion du réalisateur sur la vie, nous osons poser la question de savoir si le réalisateur s’est déjà identifié aux personnages du film au point de ne pas pouvoir s’en détacher.
Le réalisateur Guan a répondu sans hésiter : « Non. Prenez par exemple le tournage de ‘Lan Yu’, en raison de la question de genre en soi, je pense qu’il ne faut pas trop s’impliquer parfois. Vous pouvez vous impliquer émotionnellement dans certaines choses, mais en même temps, vous devez faire preuve de discernement, prendre du recul et voir si la performance de l’acteur correspond vraiment à ce que vous voulez. ‘À la fois proche et lointain, à la fois lointain et proche’, c’est ce que cela signifie, il faut garder une certaine distance. » En tant que réalisateur professionnel, Guan a depuis longtemps maîtrisé la distance entre lui et les acteurs, il a ses propres règles. Il a continué en disant : « Je pense que c’est quelque chose qui est profondément enraciné en moi, dès la phase de discussion du scénario pour chaque film, cela est déjà nécessaire. »
《Blue Gate》a film that portrays a deep love story across gender boundaries, and the director, Guan, also won the Golden Horse Award for Best Director with this work. However, when the casting for this film was initially announced, it was met with much skepticism. Everyone believed that in a male same-sex love story, there should be a clear contrast between masculinity and femininity. When everyone doubted that Liu Ye, who played Blue Gate, was not « rosy-lipped and white-toothed » enough, the director believed that the character should not be limited, just like in his previous works, he would let the actors freely interpret their roles.
Le réalisateur a rappelé : « Les deux acteurs ont mis beaucoup d’efforts. Je me souviens de la phase de préparation du tournage, les acteurs vivaient déjà à l’hôtel avec l’équipe, nous lisions le script ensemble, faisions les préparatifs, etc. Surtout pour ces deux hommes hétérosexuels, cela a pris du temps pour s’adapter. Ce qui est formidable chez Hu Jun, c’est qu’il a toujours pris soin de Liu Ye. Liu Ye est également un acteur très professionnel, mais à certains moments, Hu Jun était comme un grand frère, prenant soin attentivement de ses sentiments. Donc, au moment du tournage, ils étaient essentiellement en train de jouer, se mettant complètement dans leur rôle, et cette question de (genre) ne les a plus gênés. »
Il a continué : « Le premier jour de tournage, nous avons pris des photos de deux personnes nues à l’hôtel. À l’époque, l’assistante de production et la scripte étaient des femmes, mais il n’y avait pas de nettoyage de plateau pour cette scène. Les membres de l’équipe travaillaient dans la chambre et les deux acteurs jouaient nus. Ils ont créé quelque chose de très spécial ensemble, de manière naturelle, en faisant quelque chose que nous croyons. Tout s’est déroulé naturellement, lorsque le réalisateur guide les acteurs dans leur performance, tout en leur laissant de l’espace, des étincelles se produisent naturellement. »
Le réalisateur, que ce soit dans la capture des relations hétérosexuelles ou homosexuelles, a su montrer un équilibre parfait. Nous voulons tous savoir comment il jongle avec les différentes formes de « relations humaines ». Le réalisateur a sincèrement déclaré : « Je pense que c’est pareil, en fait chaque personne est un individu, ne laissons pas le genre nous influencer. » Bien que formellement, nous puissions clairement distinguer une relation homosexuelle ou hétérosexuelle, pour le réalisateur, en mettant de côté l’identité de genre, ces histoires de toutes sortes ne sont que l’amour entre deux individus. Finalement, un des protagonistes meurt accidentellement sur le chantier, laissant le survivant se remémorer cette amère et taboue histoire d’amour dans le reste de sa vie, tandis que les spectateurs hors champ ne peuvent s’empêcher d’être attristés par cette relation qui n’a pas pu s’épanouir.
« Je communique de manière directe avec les acteurs. »
Bien que le réalisateur doive maintenir une certaine distance avec son œuvre après le début du tournage, derrière la caméra, la relation entre le réalisateur et les acteurs est très étroite. Il partage ouvertement : « Je peux parler aux acteurs de mes expériences personnelles, de mes échecs émotionnels, voire de tout, mais en même temps, je veux que les acteurs partagent les émotions qu’ils ont enfouies en eux. Si un acteur bloque à un moment donné pendant le tournage, je lui rappelle d’extraire une émotion de son vécu personnel et de l’incorporer dans sa performance, c’est ainsi que ça marche, je tiens beaucoup à la communication avec les acteurs. » En tant que réalisateur, il contrôle clairement l’équilibre entre émotion et rationalité, guidant avec sensibilité la performance des acteurs tout en laissant de la place à une réflexion rationnelle.
Face aux acteurs, le réalisateur Guan peut être considéré comme ouvrant complètement son cœur pour dialoguer avec les acteurs, cette communication franche permet également de créer des liens plus profonds avec les acteurs. Il partage : « Par exemple, Hu Jun et Liu Ye mentionnés dans « Blue Rain », Anita Mui dans « Rouge », Zheng Xiwen dans « Chang Hen Ge », Ke Yulun, Chen Jinhong, Qiu Shuzhen dans « Plus on est heureux, plus on est décadent », nous avons eu des discussions très détaillées. » Bien sûr, le tournage se termine toujours un jour, les acteurs retournent ensuite à leur vie et à leur travail respectifs, les expériences échangées sur le plateau de tournage sont alors soigneusement gardées dans le cœur de chacun. Mais il est indéniable qu’ils ont partagé une partie de leur vie.
Ce type de communication franche et ouverte est privée pour eux, le réalisateur n’a pas non plus partagé trop en profondeur, mais nous savons par les retours des acteurs qu’ils ont tous profondément ressenti la franchise et la sensibilité du réalisateur. Zheng Xiuwen, qui a joué deux fois dans les films de Guan, a déclaré lors d’une interview que Guan Jinpeng est un réalisateur très attentionné, il traite chaque acteur avec soin, les laissant se plonger pleinement dans leur rôle, et sa présence dégage une douceur qui touche même les acteurs.
« Un bon acteur et un bon étudiant sont semblables, leur désir de savoir est très fort. »
Le dernier film du réalisateur Kenneth Kwok est « Eight Women and a Play » en 2018. En plus de la production cinématographique, il enseigne également des matières liées au cinéma à l’Université de la Ville de Hong Kong ces dernières années, et participe au programme de transmission de l’Art Development Fund, guidant la création de jeunes réalisateurs et soutenant activement les nouveaux talents du cinéma.
De jongleur entre les grandes stars brillantes d’autrefois et devenu maintenant un mentor pour les étudiants, quelles sont les plus grandes différences entre les acteurs et les étudiants ?
Le directeur Guan a réfléchi un moment, n’a pas délibérément établi de frontières pour eux, et a répondu : « La seule chose est que je pense que de bons acteurs et étudiants, leur désir de savoir est très similaire. Je rappelle souvent aux étudiants qu’ils devraient se demander ‘pourquoi’ avant de penser ‘comment’, ils devraient poser des questions avant tout. Par exemple, les acteurs ont beaucoup de questions sur leur personnage, ils communiqueront avec le réalisateur. Les étudiants sont pareils, quand ils cherchent quelque chose ou ont besoin d’aide, je suis toujours prêt à les aider. »
Lorsqu’il parle de son enseignement, le réalisateur Guan insiste particulièrement sur le fait qu’il ne dit jamais aux étudiants comment écrire un personnage, mais leur laisse plus d’espace pour l’imagination. Il dit : « Je pense que la création doit être ainsi, quand ils viennent dans mon cours, ce n’est pas pour imiter les films de Guan Jinpeng, mais trouver leur propre chose est le plus important. » Il encourage également les étudiants à regarder davantage de films et à trouver les « sensations » qu’ils aiment. Comme Guan l’a mentionné, il aime les réalisateurs japonais Yasujirō Ozu et Kenji Mizoguchi, qui ont tous deux regardé la vie des femmes à travers l’objectif de la caméra. Les réalisateurs, à travers leur appréciation et leur transformation, ont créé des œuvres classiques qui ont inspiré la génération suivante.
En tant que Hongkongais, il y a vraiment beaucoup de choses sur lesquelles je pourrais m’exprimer.
En tant que réalisateur né et élevé à Hong Kong, Alan a également tourné dans différentes villes telles que Shanghai, Beijing, New York et Taiwan. Même si les époques et les contextes environnementaux diffèrent, ses histoires sont toujours ancrées à Hong Kong. Qu’est-ce que cette ville lui apporte en termes d’inspiration créative ?
Le réalisateur Guan se souvient encore de l’époque où il suivait différents réalisateurs en tant qu’assistant. Bien que les fonds de production étaient limités à l’époque, l’industrie cinématographique avait une certaine cohésion, ce qui a entraîné l’âge d’or du cinéma local. Ayant été témoin de l’apogée de la production cinématographique, le réalisateur Guan estime que l’esprit qui l’animait à l’époque est toujours présent, mais a inévitablement évolué.
Il a dit : « Dans l’environnement actuel, le glamour des années 80 et 90 est révolu. Autrefois, faire des films était lucratif, mais maintenant de nombreux jeunes réalisateurs doivent obtenir des ressources gouvernementales pour y parvenir. En regardant dans l’autre sens, puisqu’il est impossible de recréer le paysage de production des années 80 et 90, alors en termes de création, par exemple pour un réalisateur se trouvant à Hong Kong, ces dernières années ont été marquées par de nombreux événements. As-tu remarqué ce qui se passe dans cette ville, dans les communautés et les bâtiments ? En tant que Hongkongais, tu devrais ressentir quelque chose par rapport à tout cela et documenter les sentiments que cet endroit t’inspire. »
Tout le monde peut facilement remarquer que le réalisateur Stanley Kwan utilise souvent l’idée du miroir pour mettre en contraste le film avec l’époque actuelle et la ville, faisant ainsi ressortir des thèmes tels que l’exploration de l’identité et la politique nationale de manière subtile. La phrase « cinquante ans inchangés » est devenue l’axe central de l’amour entre Ruyi et les Douze Jeunes dans « Rouge » (1987), dans « Les Amants de l’ombre » (1989) qui montre trois femmes luttant chacune dans un pays étranger, symbolisant l’expérience des Chinois en exil, et à la fin de « Happy Together » (1998) où résonne la chanson « An Yong » adaptée par Anthony Wong, accompagnant tout au long le pont de Tsing Ma qui semble interminable, sont en fait des tournants de l’époque autour de 1997.
Dans ces œuvres, il semble que l’on tisse les émotions de différents personnages, mais en réalité, chaque ensemble d’œuvres cache les sentiments du réalisateur envers la ville et même l’époque. Le réalisateur a déclaré : « Je sais qu’il est impossible de recevoir autant de financement qu’auparavant pour des films comme ‘Rouge’ et ‘Ruan Lingyu’, alors je veux encore mieux écrire le scénario et bien filmer Hong Kong. » À travers l’interview d’aujourd’hui, nous sommes encore plus convaincus que la préoccupation de Kwan pour cette ville n’a jamais cessé.
Il a dit : « En effet, Hong Kong a connu de nombreux événements ces dernières années. Je pense que tu dois trouver une certaine sensation. À ce stade, que ce soit la pandémie ou autre chose, il y aura toujours quelque chose que tu dois dire, même si ce n’est pas forcément grandiose, cela peut être à faible coût. Je encourage les jeunes réalisateurs nés et élevés à Hong Kong à ne pas perdre ce sentiment de la ville lorsqu’ils tournent. »
L’histoire, la culture, les relations humaines sont cycliques de génération en génération, et la valeur d’un bon film réside dans le fait que, même après de nombreuses années, les spectateurs de différentes époques peuvent y trouver des émotions et des compréhensions communes. Pour le réalisateur Guan, il estime qu’un bon film doit laisser des espaces vides, pour permettre aux spectateurs de ressentir par eux-mêmes ce qui s’est passé dans sa vie. La suggestion non dite est également une esthétique cinématographique. Guan est reconnaissant que ses œuvres puissent être restaurées en haute définition des décennies plus tard et projetées à nouveau sur grand écran, attirant un public composé principalement de jeunes. Il a plaisanté en disant : « C’est ainsi que les films restent intéressants. »
Dans le fleuve de lumière et d’ombre, les classiques ne disparaissent pas avec le temps. Les émotions, les sentiments cinématographiques et urbains que le réalisateur Guan Jinpeng a investis dans ses œuvres resteront profondément ancrés dans le cœur de cette génération.
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Executive Producer: Angus Mok
Producer: Vicky Wai
Editor: Ruby Yiu
Videography: Andy Lee, Angus Chau
Photography: Angus Chau
Video Editor: Andy Lee
Designer: Edwina Chan
Special Thanks: Stanley Kwan ; Golden Scene Co. Ltd.
