在這個只需一句指令就能讓AI生成無數圖像的年代，日本設計師吉田ユニ（Yuni Yoshida）選擇走上完全相反的道路。她從不依賴Photoshop與濾鏡，更不使用AI技術，而是堅持用雙手搭建實景，打造一幅幅看似數碼合成、實則全部真實存在的錯視幻覺。
黑貓排成和服女子的輪廓、蘋果皮扭曲出彩色筆觸、文具堆疊出視覺故障畫面──這些畫面不但挑戰眼睛，也顛覆了我們對「真實」與「想像」的定義。她說：「我喜歡觀眾先誤會，再被真相打中。」她不是設計師，更像一位魔術師，專門製造視覺謎題，讓觀眾在錯亂中發現驚喜。
用幽默與錯位解構女性形象
吉田成名於與渡邊直美合作的廣告系列──「小籠包直美」、「雪糕直美」等創意畫面，用錯位幽默打造出極具話題性的視覺衝擊。這些形象荒誕可愛，卻不流於搞笑，更深刻觸及了女性在當代社會中被觀看與自我展現之間的張力。
她不以「修飾」去包裝女性，而是強調原生與不完美。與 AiNA THE END（アイナ・ジ・エンド）、多部未華子等女藝人的合作，也跳出廣告對女性形象的既定套路，營造出融合野性、冷靜、荒誕的視覺語言。吉田筆下的女性從來不是靜態模特，而是主動建構自我敘事的角色，帶著強烈的戲劇感與情感波動。
她靠雙手打造比演算法更逼真的幻象
在許多設計師轉向AI與數碼生產的今天，吉田的創作幾乎是「原始」的。她不用修圖軟件、不倚賴任何濾鏡或特效，畫面中所見的一切，全由真實物件拼湊、親手組裝、實地拍攝完成。
為了呈現一筆「像Marker筆劃出來」的筆觸，她甚至削出一條條蘋果皮，仔細扭曲成弧線，還原筆觸流動的錯視感；為了營造一幅錯亂數碼感，她親手將成百上千件文具堆滿整個背景。這種對實景的執著，讓她的設計不止是圖像，更是一場沉浸式現場建築。
與其說她是設計師，不如說是導演
吉田的設計風格，遠超「平面」這個範疇。她為每一個作品設計角色、場景、空間與光線，然後像導演一樣，在攝影機前完成一場可控但開放的演出。每一幅作品，都像是一場被定格的劇場，張力充滿每個細節。
她不單設計視覺，而是在組裝一個世界。作品之所以震撼，來自她控制現場的能力──從模特動作、光影落點，到背景物件每一毫米的傾斜角度，無一不經過反覆調整與試驗。這不只是設計，是一場劇場與雕塑的混合創作。
她的素材來自生活，魔法來自視角
吉田的奇想並非來自虛擬工具，而是來自對生活物件的重新觀察。她說：「素材本身就有語言，只要看得夠細，它們就會說話。」
這種設計方式，從根本上逆轉了設計與素材的關係——不是在電腦上製造「畫面」，而是在現實空間中「發掘可能」。這些看似荒誕的組合，實則是對物件符號的深度重組，也讓觀者重新認識視覺語言的流動邊界。
她用視覺語言打開國際劇場舞台
從廣告到唱片封面，吉田的作品橫跨各大媒體，但真正令她踏上國際舞台的，是她為韓國劇場版《MACBETH》創作的主視覺。那張畫面將演員身體拆解為武器意象，極具張力與暗喻。這件作品奪得世界三大廣告獎項之一的雙金獎，證明她的設計不只「好看」，更具有敘事與批判力。
這也證明她的作品能夠超越商業功能，成為文化傳達的媒介。她的設計，是讓人思考、進入、並願意逗留的空間。
她的作品為何無人能複製？答案是時間與信念
在追求高效率與產量的設計產業中，吉田的創作節奏極其緩慢。每一件作品從概念、素材蒐集到搭景拍攝都由她親手完成，有時一張圖像可能需要數週甚至數月。她說：「我寧願用很長時間，做出一個只有我能完成的畫面。」
這種態度讓她在眾多設計師之中獨樹一幟——不是因為她擁有最尖端的工具，而是因為她擁有最堅定的創作信仰。在千篇一律、快速可替代的畫面中，她的作品總帶有一種獨有的「真實感」，那是時間、空間與勞動的痕跡。
為什麼她不喜歡署名作品？因為她相信畫面會自己說話
不同於許多設計師希望建立明確的個人品牌，吉田Yuni長年以來選擇讓作品「匿名地說話」。她鮮少接受媒體訪問，也不經營個人社交帳號，甚至不在作品上署名。她說：「我不想觀眾因為看到我的名字才去理解作品，我希望畫面本身就能讓人記住。」
這種低調反而成為她最獨特的標誌。觀眾往往先被畫面吸引，然後驚訝發現：「又是她！」這不是謙遜，而是一種對創作本質的堅守——藝術應該由作品發聲，而非設計師的名字主導觀點。
她為人類想像力守住一條出路
在AI可以模仿風格、模擬創意、重組圖像的時代，吉田的創作方式，既復古也前衛。她不抗拒科技，但她提醒我們：設計從來不只在螢幕上完成。創意，是來自於對真實世界的觸碰、重組與想像。
她的每一件作品，都像是用雙手抓回來的夢。當大部分影像趨於扁平與可複製，她選擇慢慢地、耐心地，用勞動與構圖把不可複製的畫面實體化。這正是她的魔術，也是她在設計史中留下的異數位置。
