그의 연극 작품은 항상 매력을 품고 있으며, 가끔은 고전 문학 작품에서 영감을 받지만, 새로운 아이디어로 고전을 뒤집는다. 작품은 개념적이지만, 사람들에게 잊지 못할 여운을 남긴다. 그는 홍콩 유명 연극 감독인 린이화이다. 1991년에 “매우 린이화” 극단을 설립한 이후 30년 동안 60편이 넘는 연극 작품을 제작했다. 그의 작품은 순수한 공연을 넘어서 자아 탐구를 장려하고, 시대, 사회, 자신의 존재 방식에 대해 다시 생각해보게 하는 열쇠가 되어준다.
창작이 외로운 과정이라면, 연극 작품을 만드는 것은 비교적 활기찬 방식일지도 모릅니다. 각 배우들은 무대 위를 바쁘게 돌아다니며 소리, 조명, 소품과 협업하며, 몸의 자세가 선으로 변하고 감정이 색채로 표현되어 무대를 캔버스처럼 이야기가 가득한 그림으로 표현합니다. 그러나 박수가 멎고, 메인 라이트가 꺼지면, 그림자 속에서 관찰하는 것에 익숙한 감독들은 공연을 어떻게 바라보는 걸까요? 린이화에게 있어서, 무대 연출은 사실 그림을 그리는 것이며, 연기는 움직이는 화면이고, 그는 그림을 그리는 사람입니다. 17세에 대만 대학교에 들어가 TV 드라마 작가로 일했고, 나중에 해외에서 공부한 뒤 자신의 연극단을 설립했습니다. 그는 어려운 도전을 좋아한다고 자신합니다. 무대 연출은 항상 주류가 아니지만, 한 도시의 문화 영양에 있어서 필수적입니다.
이번 에피소드 “예정 여행”에서는 린 이화 감독을 초대하여 그의 연극 창작 경험에 대해 이야기해보겠습니다. 우리는 그와 극장 이외에서 만나, 무대 작품을 통해 관객들을 공간과 시간을 초월하게 이끌어가며 예술과 삶에 대한 상상력을 더욱 자극하는 방법을 듣게 됩니다.
무대에서 관객이 전부를 보는 것을 원하지 않아요. 대신 그들이 일부를 보고 일부를 상상하게 하고 싶어요.
많은 사람들은 연극을 감상할 때 배우의 연기를 보는 것이라고 생각하지만, Edward에게는 무대보다 큰 상상의 공간을 어떻게 만들 것인지가 더 중요합니다. 그는 말했습니다: “영화와 무대극의 가장 큰 차이는 영화가 특정한 촬영 각도를 가지고 있거나 시간을 빠르게 전환할 수 있다는 것뿐만이 아니라, 무대극도 빛을 이용해 시간을 전환할 수 있고, 배우들의 움직임은 한 장면의 연출이다. 그들의 차이는 무대 감독이 ‘시간’을 어떻게 시간으로, ‘공간’을 어떻게 공간으로 여기느냐에 있습니다.” 다른 사람들이 언어 표현에 초점을 맞출 때, Edward는 이미 프레임 자체를 벗어나 시청자들이 사고하는 데 영감을 주기를 희망합니다. 무대 공간은 더 이상 제한이 아니라 시청자들에게 더 넓은 상상의 영역을 제공할 수 있는 것이라고 말했습니다: “나는 관객이 보는 무대가 이렇게 크다는 것뿐만이 아니라, 더 크고 더 크다면 좋겠다.”
과거에 드라마, 영화, 연극의 뒷장에서 일한 경험이 있어 “무대 연극을 찍어 영화를 찍는 무대 연출가”라고 웃으며 말했다. 다양한 창작 방식에 참여한 경험이 있는 그에게 어떤 것을 더 선호하는지 궁금해졌다. 에드워드는 이전에는 영화 제작이 기술적인 협업에 중점을 두는 반면 무대 연극은 좀 더 여유롭다고 생각했다. 그 이유는 모두가 배우와 관객에 초점을 맞추기 때문이다. 그러나 기술의 발전으로 무대 연극을 만들 때도 조명, 무대 디자인 등을 고려해야 하며, 감독은 연기를 어떻게 이끌어야 하는지만 고려하는 것이 아니라 무대 전체적인 모습을 통해 관객에게 최상의 시각적인 경험을 제공해야 한다. 심지어 관객들이 다양한 감각으로 공연을 경험하도록 유도해야 한다. 결국 두 가지 방식의 차이가 크지 않다는 것을 점차 깨달았다.
그러나 Edward는 관객들이 단 몇 시간 동안의 시각적 서사에서 모든 제작 정보를 받아들일 수 없다는 것을 잘 알고 있습니다. 그러나 현재 관객이 배우들의 연기에 집중하여 앉아 있다면, 그 순간들은 이미 완벽합니다. 어떤 표현 방식을 더 좋아하는지에 대해 자신에게 대답할 수도 없을 것입니다. 왜냐하면 그것은 형식적인 추구이기 때문이며, 관객들이 작품을 통해 공감을 느끼고 자기 자신을 알아가는 것이 그가 중요하게 여기는 것입니다.
내 이전 작품들은 모두 핵심 주제가 있어요. 그것은 성장이에요.
에드워드의 작품은 고전 작품의 재해석 뿐만 아니라 도시 현대 생활, 인간 관계 등 다양한 주제에 관심을 기울이고 있습니다. 그러나 작품이 과거와 현재를 넘어서며 본질로 되돌아가더라도 “성장”과 관련이 있습니다. 인생에서 우리는 항상 많은 어려움에 부딪히게 되며, 우리는 벽에 부딪히고, 인식을 새롭게 하며, 변화하는 등 이러한 단계를 거치면서 천천히 진정한 “어른”이 되어갑니다. 그는 우리와 자신이 가장 좋아하는 것을 공유합니다. 학교에서 학생들과 소통하는 것인데, 그들은 기존의 사고에 묶이기 어려워하며, 소통 과정에서 항상 영감을 받게 된다고 합니다. 경험이 풍부한 감독으로서, 그는 학생들이 자신을 권위있게 여기게 하지 말아야 한다고 말하며, 신분적인 경계를 깨고, 그들과 함께 대화하면서 사상적으로 진정으로 소통할 수 있다고 합니다. 그 자신이 상대방과 소통에 중점을 두고, 항상 호기심과 배려를 드러내는 사람이기 때문에, 그는 관찰과 소통을 통해 다양한 창작 영감을 축적하게 되었습니다.
그러나 영감은 찾아서 얻을 수 있는 것이 아니다. 에드워드는 창작자가 먼저 자신이 필요한 것을 알고, 자신의 부족함을 알아야 하며, 타인에게 공감을 표현할 수 있어야만 창작의 영감과 영양이 될 수 있다고 생각한다. 그는 자신이 계속成長해야 한다고 말하며, 상대방과의 직접적인 소통은 서로가 스스로를 알 수 있게 하며, 또는 다른 사람으로부터 자신이 부족한 본질을 배울 수 있게 한다고 덧붙였다.
작품 속에서 자신을 발견했으면 좋겠어요.
과거의 작품을 살펴보면, 많은 작품이 고전 작품을 개작한 것이 많습니다. “홍루몽”, “요저지이”, “서향기”, “수호전”, “서유기”, “바발리 부인” 등 다양한 주제의 작품이 에드워드에 의해 무대 연극으로 개작되었습니다. 이러한 고전 이야기를 연극 형식으로 표현하는 것은 정말 어려운 일인가요? 그는 말합니다: “텍스트에서 공간으로, 작품이 당신과 대화하도록 하는 것이 가장 어려운 부분입니다. 작품과 어떻게 대화해야 하는지 배우는 것이 제게 있어서 가장 큰 수확이었습니다.” 그의 창작은 고전을 재구성하는 데 있지 않고, 고전에서 사상적 핵심을 추출하고 이러한 생각을 현재로 확장하는 데 있습니다. 그는 말합니다: “이러한 텍스트는 내부와 외부로 나뉩니다. 외부는 당시 사회와 시대를 가리키고, 내부는 감정을 의미합니다. 감정을 이해하면 텍스트와의 연결이 막힌 뚜껑 같은 두터운 벽에 막히지 않게 됩니다.” 따라서 그는 “요저지이”를 외국 영화 “결혼 이야기”와 비교할 수 있습니다. 동서양과 시대에 관계없이, 어떤 감정과 인간관계는 세대를 초월합니다.
Edward는 작품에서 시간, 공간, 성별의 표현 방식에 도전하는 것으로 알려져 있습니다. 예를 들어, 9월에 서구 자유 공간에서 공연된 “보옥, 안녕”에서 두 배우가 빈공간에서 공동 연기를 하며, 관객들은 극장 공간을 자유롭게 이동할 수 있어 전통적인 공연 방식과 관람 경험을 뒤집었습니다. 이러한 독특한 공연 방식에 직면했을 때, 모든 사람이 작품의 아이디어와 깊은 의미를 이해할 수 있는 것은 아니라는 것을 알 수 있습니다. 극작가들에게 있어서, 관객이 연극의 메시지를 이해할 수 있는지 여부는 항상 고민거리이며, 그들이 자신의 작품이 다른 사람에게 어떤 영향을 줄 수 있는지에 대해 궁금해합니다.
그는 말했다: “사실은 모두 감정과 관련이 있습니다. 관객들이 자신을 보게 되기를 바랍니다. 즉, 공연을 보고 나서 자신에 대해 더 많이 생각하게 하고, 그 후에는 자신과 대화를 나누게 될 것입니다.” 그는 관객들이 인정하기를 꺼리지만, 사실 모든 사람들은 공연 속에서 자신을 보고 싶어한다고 느낀다고 말했습니다. 그는 계속해서 말했습니다: “가장 표면적인 층위는 동의입니다. 대중적으로 인기 있는 연극은 관객들이 이상적인 자신을 보게 해줄 것이며, 그 결과 자아 존중감을 높여줄 것입니다. 두 번째 층위는 관객이 자신에게 문제점을 발견하게 되어 고민하기 시작하는 것입니다. 세 번째 층위는 문제를 이해하고, 문제가 있는 자신을 받아들이는 것입니다. 답을 요구하지 않고, 다른 사람에게 요구하지 않고, 변화를 찾아가는 것입니다.” 작품을 통해 관객들에게 자신을 다시 알아가는 기회를 주는 것은 귀중한 일이라고 말했습니다.
“모든 사람의 삶은 한정되어 있지만, 창작은 한 믿음에서 다른 믿음, 한 삶에서 다른 삶으로 이끌 수 있습니다.”
극장 공연은 공간을 무한으로 확장시킬 수 있습니다. 사실 믿음도 마찬가지입니다. 현재에 불만을 품고 미래에 희망을 품는 것이 Edward를 창작을 통해 더 많은 가능성을 발견하도록 만든 것일지도 모릅니다. 그는 만족스럽지 않은 경험이 예술가에게 큰 창작의 토양이라고 생각합니다. 우리가 삶 속에서 실망, 고통, 외로움 등 다양한 감정을 직면할 때, 우리는 아름다운 상상을 구축하게 되고, 그런 상상을 통해 창작이 탄생합니다. 그는 삶이 실망을 겪지 않고 모든 것이 좋은 일만 만나면, 그들이 흥미로운 예술가가 될 수 없을 것이라고 생각합니다. 모든 사람의 삶은 사랑과 고통으로 가득 차 있습니다. 우리는 예술을 통해 상처를 치유하고, 풍요함과 황량이 교차하는 것만이 인생을 완전하게 만듭니다.
에드워드는 “일단 사랑하는 삶”이라는 독특한 이론을 우리와 공유했습니다. 모든 것에 기대하고 존경하며, 항상 자신보다 높은 하늘이 있다고 믿는다는 것입니다. 그는 와일드의 말을 인용했습니다. “우리는 모두 배수로 있지만, 항상 하늘을 올려다봅니다.” 에드워드는 이 30년의 창작이 다양한 예술가들의 영향을 받았다고 말했습니다. 그들의 작품이 이미 오래된 것이지만, 그 속에 담긴 생각과 신념은 시간이 지나도 사라지지 않습니다. 그의 무대 작품은 실제로 그러한 이념을 계승하고 있다고 합니다.
무대는 내 집, 기차역이며, 아마도 내 무덤이 될 것이다.
1991년에 설립된 ‘페이상 린 이화’ 극단으로부터 현재까지, Edward는 이 수십 년 동안 무대와 밀접한 관련이 있었으며, 무대는 그의 삶의 소유지가 되었습니다.
그는 말했다: “우리는 종종 죽음에 대해 혼란스러워하며, 끝에 대한 큰 불안을 느끼며 모든 것이 그 끝에 완결된다고 생각하지만, 창작의 가치는 제한이 제한되지 않고 완결이 완결되지 않는 것입니다. 바로 고흐가 멀리 떠났지만, 우리가 특정한 파란색을 보면 그를 여전히 기억합니다.” 창작이 있기 때문에 죽음은 더 이상 두렵지 않으며, 삶은 작품을 통해 영원히 이어진다.
과거 몇십 년의 무대 경험을 회상하며 그는 말했다. “작품은 한 사람이 태어나서 떠날 때까지 남긴 흔적의 장소입니다. 만약 나가 극장에 참여하지 않았다면, 지금 내가 남긴 흔적은 현재 것이 아닐 것입니다. 최근에는 극단 30주년을 맞아 이 작품들을 다시 살펴보았는데, 사실 감격스럽습니다. 그들이 모두 연결될 수 있다는 것을 발견했고, 그 연결점은 지도가 되었고, 그 지도가 바로 홍콩입니다.”
과거에는 다른 곳에서 발전해왔고, 작품은 다른 장소에서도 공연되었지만, 결국 그가 태어난 땅에서 극단을 설립하기로 선택했습니다. 수십 년 동안 조용히 지켜왔지만, 그 뒤에는 모두 사랑이었을까요? 이 도시는 그에게 어떤 창작 영양을 주었을까요?
에드워드는 홍콩이 그에게 제공한 능력이 단순하지 않다고 느꼈습니다. 언어 학습뿐만 아니라 다양한 문화적 영감도 있었고, 무엇보다 무대 창작의 기회가 있었습니다. 다른 곳에서 발전을 선택했다면 오늘날 30년의 성과를 이루지 못했을지도 모릅니다. 그러나 그는 이 도시를 “사랑하면서도 미워하는” 것으로 인정했으며, 17세 때 당시 대학에 들어가 극본가가 되었고, 18세에 계약을 맺었으며, 19세에 떠났습니다. 그 후로는 짧은 TV 생활을 마쳤는데, 그 당시 그는 이미 대중적인 것들을 좋아하지 않는다는 것을 깨달았습니다. 90년대 영국에서 홍콩으로 돌아온 후, 그는 홍콩이 이미 크게 변화했다는 것을 깨달았습니다. 사회가 물질주의, 유명세, 일방향 교육 등으로 가득 차 있을 때, 그는 여전히 사회적으로 부패한 다양한 형태를 편안하게 받아들일 수 없었습니다. 그는 말했습니다: “나는 이 30년 동안 계속해서 이것을 하고 있습니다. 대중이 인정하지 않는 가치관에 갇히지 않고, 그것들과 나의 관계를 이해한 후 선택을 하는 것입니다.” 그러나 그는 주류에서 벗어나는 것의 어려움을 이해하지 못하는 것은 아니었습니다. 그는 한숨을 쉬며 말했습니다: “그래서 당신은 여기서 인기를 얻지 못할 운명이며, 왜냐하면 당신은 이러한 가치관을 받아들일 수 없기 때문입니다.”
이 몇 년 동안, “非常林奕華” 극단은 크로스미디어, 다른 도시의 예술가 및 그룹과 협력하여 중국어 연극의 새로운 측면을 개척하는 시야를 제시했습니다. 예술이 사회의 주류가 아니라고 해도, 이 64편의 작품은 문화계에 큰 영향을 미쳤음은 의심할 여지가 없습니다. 이 단계의 극단을 감독 본인은 어떻게 바라보고 있을까요?
그는 말했다: “본 사람들이 너무 적다. 이 60여 편의 작품을 본 사람들이 너무 적다. 이것이 내 능력 범위 내에서 바꿀 수 있는 사실이 아닐 수도 있습니다. 그룹을 설립한 이후로 이제까지 60여 편의 작품을 만들었습니다. 누군가가 모두를 다 보고 싶어한다면, 그 속에서 많은 일이 벌어졌다는 것을 상상할 수 있을 것입니다. 그것은 나 자신과 이곳과 관련이 있으며, 이곳에 대한 내 감정을 기록했습니다. 그러나 일어난 일들이 누구에게 의미가 있는지, 미래에 의미가 있는지는 내가 결정할 수 있는 것이 아니며, 그저 그들이 일어났다는 것에 기쁨을 느낄 뿐입니다. 그리고 일어난 일들이 시대와 사람들과 관련이 생기면, 그것이 나에게나 다른 사람들에게 준 선물 중 하나라고 생각합니다.” 현실적인 고려와는 무관하게 사람들의 마음을 이어주는 작품을 만들어내는 것은 창작자에게 가장 큰 선물입니다.
감사합니다. “페이창린이화”가 우리에게 제공해준 연극들에 대해, 우리는 무대에서 창작자와 만나 시간을 빌려 한 편의 연극을 즐길 수 있었습니다. 공간과 시간을 초월하여 삶에 대한 더 많은 상상을 심어주었습니다. 이 60여 편의 작품이 없었다면, 오늘날의 예술계도 현재의 모습이 아니었을 것이지만, 한 번 나타난 것은 반드시 흔적을 남깁니다. 연극단이 앞으로 30년 동안 더 많은 작품을 선보일 수 있기를 바라며, 감독이 무대를 통해 성장할 수 있도록 하고, 매번의 만남이 풀리지 않는 인연으로 이어지길 바랍니다.
연출가: 앵거스 목
프로듀서: 빅키 와이
편집자: 루비 유
영상: 앤디 리, 케니 추
사진: 앤디 리, 케니 추
비디오 편집자: 앤디 리
디자이너: 에드유이나 찬
특별 감사: 에드워드 람 ; 홍콩 아트센터 장소 대여
